Las pinturas de Rembrandt se ven todas. Rembrandt Harmens van Rijn - biografía y pinturas
El gran artista holandés Rembrandt vivió en la era de los mayores logros de Galileo y Newton. En su época y en el mismo país, Descartes y Spinoza crearon sus obras filosóficas. Su siglo fue la era de los grandes dramaturgos: Shakespeare, Lope de Vega, Calderón, Moliere y pintores famosos: Rubens, Velázquez, Poussin. En la era de Rembrandt, y en gran parte gracias a su genio, la pintura en Holanda se convirtió en uno de los fenómenos más llamativos de la cultura urbana, exponente de los ideales estéticos de una nueva clase: la burguesía y portadora de ideas avanzadas.
Profundamente humanista en su esencia y perfecta en su forma artística única, la obra de Rembrandt se convirtió en uno de los pináculos del desarrollo de la civilización humana. Las obras de Rembrandt, variadas en género y tema, están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de la persona común, una comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual y la profundidad de sus experiencias emocionales. . Ocultando muchos misterios sin resolver, las pinturas, dibujos y grabados de este notable artista cautivan por las reveladoras características psicológicas de los personajes, la aceptación filosófica de la realidad y la convincente justificación de decisiones artísticas inesperadas. Su interpretación de las historias de la Biblia, los mitos antiguos, las leyendas antiguas y el pasado de su país natal como acontecimientos verdaderamente significativos en la historia del hombre y de la sociedad, los conflictos vitales profundamente sentidos de personas específicas abrieron el camino para una interpretación libre y multivalor. de imágenes y temas tradicionales.
Rembrandt, siguiendo a los caravaggistas de Utrecht, asimiló los descubrimientos de Caravaggio, asignó el papel más importante en la creación de una imagen artística al claroscuro, inicialmente como un poderoso factor de impacto emocional, y luego como una fuerza espiritualizadora y vivificante que da forma activamente. toda la estructura de la obra.
El método creativo de Rembrandt se basó en el uso original de la naturaleza como laboratorio del artista: “Aprende... a seguir la rica naturaleza y mostrar lo que encuentres en ella. El cielo, la tierra, el mar, los animales, los buenos y los malos, todo sirve para nuestro ejercicio..., miles de recursos naturales nos llaman y nos dicen: venid, sedientos de conocimiento, contémplanos y reprodúcenos”.
La forma artística extraída de la realidad, según Rembrandt, no era necesariamente el objetivo final del pintor, que se mantuvo libre en su proceso creativo. Según su criterio, “...el cuadro queda terminado tan pronto como el artista ha realizado su intención en él”. Esta idea de Rembrandt sobre la libertad de acción artística del maestro se convirtió posteriormente en uno de los logros más importantes de la pintura europea.
Rembrandt nació en vísperas de la liberación definitiva de los Países Bajos del Norte del dominio español y la formación de la República de las Provincias Unidas, según uno de ellos, que recibió el nombre no oficial de Holanda. En los primeros años del artista, su tierra natal se convirtió en uno de los centros más importantes de formación de la sociedad burguesa en Europa. En un estado de industriales, comerciantes y banqueros próspero (gracias al comercio marítimo y la toma de colonias), en rápido desarrollo, relativamente tolerante y democrático, muchos científicos, pensadores, poetas y artistas europeos buscaron refugio de la Inquisición y la persecución. “¿En qué otro país”, escribió el filósofo francés Descartes en 1631, “se puede disfrutar de una libertad tan amplia?” En la Holanda del siglo XVII, formalmente, el artista estaba verdaderamente libre de las pretensiones de un mecenas coronado de las artes, de las exigencias de la iglesia, ya que el calvinismo rechazaba la pintura religiosa, pero mientras servía a los intereses prácticos de la nueva sociedad, encontraba Se vio envuelto en el círculo de las relaciones de mercado: las obras de arte se convirtieron en una mercancía, cuya demanda dependía de la moda y los gustos de los clientes. El maestro que se atrevía a resistir sus exigencias estaba condenado al olvido y a la pobreza. Un ejemplo sorprendente de esto fue el destino de Rembrandt.
El padre del artista era el propietario del molino Harmen Gerrits van Rijn, quien se convirtió al calvinismo. Su madre provenía de una familia católica patricia. Se suponía que Rembrandt, el hijo menor, recibiría una buena educación. A los siete años lo enviaron a una escuela de latín y a los catorce ingresó en la Universidad de Leiden, que abandonó un año después para dedicarse a la pintura en serio. Rembrandt pasó casi tres años en Leiden en el estudio del artista poco conocido Jacob van Swanenburch, luego estudió en Ámsterdam con el entonces pintor de moda Pieter Lastman, tras lo cual, al regresar a Leiden, abrió su propio taller en 1625 junto con sus compañeros. su compatriota Jan Lievens. Sus primeras obras sobre temas evangélicos (La expulsión de los mercaderes del templo, 1626, Moscú, Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin; La entrada al templo, 1628, Hamburgo, Kunsthalle) todavía delatan la influencia de Lastman, de quien Rembrandt adoptó la impresionante teatralidad de la composición, la expresividad algo deliberada de las poses, gestos y expresiones faciales de los personajes, el brillo decorativo de la combinación de colores.
En 1628, Rembrandt, de veintidós años, fue reconocido como un maestro “muy famoso”, un famoso retratista; consiguió clientes y estudiantes. La pintura “Judas devuelve las piezas de plata” (1629, Londres, colección privada) provocó una reseña entusiasta del famoso conocedor de arte Constantin Huygens, secretario del estatúder Federico Hendrik de Orange: “... este cuerpo temblando de patética inquietud es lo que Prefiero el buen gusto de todos los tiempos”. En su Autobiografía (1628-1631), Huygens nombró el nombre de Rembrandt en primer lugar entre los artistas holandeses de esa época y contrastó la audacia desafiante de sus obras con toda la tradición pictórica anterior.
Desde 1631, la vida de Rembrandt estuvo conectada para siempre con Ámsterdam, un bullicioso puerto y ciudad industrial, a la que acudían bienes y curiosidades de todo el mundo, donde la gente se enriquecía con el comercio y las transacciones bancarias, donde los marginados de la Europa feudal acudían en busca de refugio y donde el bienestar de los burgueses ricos coexistía con una pobreza deprimente. El período de Rembrandt en Ámsterdam comenzó con el sorprendente éxito que le supuso La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632, La Haya, Mauritshuis), que cambió la tradición de los retratos de grupo holandeses. Rembrandt contrastó la demostración habitual de personas de profesión general posando para el artista con la dramaturgia de una escena elegida libremente, cuyos participantes, miembros del gremio de cirujanos, escuchando a sus colegas, están unidos por una inclusión intelectual y espiritualmente activa en el proceso de investigación científica. El contraste entre un cadáver inmóvil, resaltado en primer plano como una mancha pálida, y un grupo pintoresco y libremente construido de personajes de diferentes características, confiere al cuadro un colorido intensamente dramático.
Los años treinta en la vida de Rembrandt fueron un período de fama, riqueza y felicidad familiar. Recibió numerosos encargos, estuvo rodeado de estudiantes, le apasionaba coleccionar obras de pintores italianos, flamencos y holandeses, esculturas antiguas, minerales, plantas marinas, armas antiguas y objetos de arte oriental; Cuando trabajaba en pinturas, las exhibiciones de la colección a menudo servían como accesorios para el artista.
En 1634, Rembrandt se casó con su amada Saskia van Uylenburgh, quien se convirtió en su musa y modelo. Con Saskia, una joven patricia que provenía de una familia noble y rica, su arte incluía encantadoras imágenes femeninas íntimas, que irradiaban calidez, alegría de vivir, imbuidas de una excitante expectativa de felicidad y alababan la tangible belleza terrenal del cuerpo femenino, atractivo en su naturalidad ("Smiling Saskia", 1633, Dresde, Pinacoteca; "Danae", 1636, 1646-1647, San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage).
Las obras de Rembrandt de este período son sumamente variadas; dan testimonio de una búsqueda incansable, a veces dolorosa, de una comprensión artística de la esencia espiritual y social del hombre y la naturaleza y demuestran tendencias que implacablemente, paso a paso, llevan al artista a un conflicto con la sociedad. En la serie de pinturas "Pasión", ejecutadas en 1633-1639 para el estatúder Federico Hendrick de Orange (Múnich, Alte Pinakothek), según el propio Rembrandt, "con gran dificultad" logró la expresión de "la movilidad más alta y natural". ”, bajo el cual en Holanda del siglo XVII se entendía el movimiento del alma. Para resolver el tema del sufrimiento redentor, el autosacrificio y la intensidad purificadora de los sentimientos, el artista recurre a temas religiosos ("La elevación de la cruz", 1634; "El sacrificio de Abraham", 1635, ambos - San Petersburgo, State Hermitage), recurre a espectaculares técnicas barrocas: formas de rápido crecimiento, construcciones diagonales, ángulos agudos, corrientes de luz, arrancando teatralmente a los personajes principales de la oscuridad, hasta la idealización y dramatización de imágenes. En los retratos por encargo, se muestra sobrio, atento a los accesorios, trabaja cuidadosamente los rasgos faciales, preocupándose claramente por la similitud de la imagen con el original e identificando las características individuales ("Retrato de un científico", 1631, San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage ).
En retratos "para sí mismo" y autorretratos, el artista experimenta libremente con la composición y los efectos de claroscuro, cambia la tonalidad del esquema de color, viste a sus modelos con ropas fantásticas o exóticas, varía poses, gestos, accesorios ("Flora", 1634 , San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage ).
El desafiante y audaz “Autorretrato con Saskia” (c. 1635, Dresde, Galería de Arte), con su composición frívola y su manera desinhibida de pintar, una encantadora gama de tonos iridiscentes dorados, verdosos, olivas y rosados, exuda alegría tormentosa, júbilo. , una llamada a disfrutar de la vida, muy alejada de las comedidas normas de la moral calvinista. Se cree que en este cuadro Rembrandt abordó por primera vez el tema de la parábola evangélica del hijo pródigo.
Cambios trágicos en el destino personal de Rembrandt (la muerte de sus hijos recién nacidos, su madre, en 1642, la enfermedad y muerte de Saskia, que le dejó un hijo de nueve meses, Titus), el deterioro de su situación financiera debido a su obstinada desgana. sacrificar la libertad de espíritu y la creatividad para complacer los gustos cambiantes de los burgueses, agravó y expuso el conflicto que maduraba gradualmente entre el artista y la sociedad. En 1642, sorprendió a sus contemporáneos con un enorme lienzo monumental encargado por el gremio de fusileros, creando, en lugar del tradicional retrato grupal de fusileros (de un banquete o presentado al espectador por el capitán de la compañía), una escena que suena patética de una solemne y alegre actuación de los defensores de los derechos y libertades de una ciudad independiente. Para disgusto de los clientes, junto con los tiradores, desplazados por la multitud jubilosa y en parte oscureciéndose unos a otros, personajes misteriosos y sin nombre (un enano brillantemente iluminado con un gallo, un niño corriendo entre el escuadrón) ocuparon su lugar completo en el composición. Hasta 1715, la pintura estuvo en la sala principal de la "Casa de los Tiradores" de Ámsterdam, para la cual fue creada. A principios del siglo XIX, debido al barniz oscurecido, que ocultaba muchos detalles en las sombras, recibió el nombre de “La Ronda de Noche” (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Después de la restauración en 1946-1947, el público vio una pintura colorida, llena de aire, impregnada de poderosos destellos de luces y sombras, correspondiente al patetismo heroico-romántico de la puesta en escena, desplegada contra el telón de fondo de un majestuoso arco. - un símbolo de victoria y triunfo. Esencialmente, Night Watch es una imagen histórica, impregnada de la idea de romantizar los recuerdos del pasado heroico reciente del país, un intento de afirmar altos ideales cívicos, que en ese momento los holandeses habían comenzado a olvidar.
Las obras de la década de 1640 atestiguan la gradual desconexión espiritual del artista de la vida circundante y el fortalecimiento de la orientación humanista de su obra. La elección de los temas bíblicos ahora está impulsada por la búsqueda de un tema que transmita la compleja gama de experiencias emocionales humanas ("El adiós de David a Jonatán", 1642, San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage; grabado "Cristo curando a los enfermos", 1649 ), la calidez y la devoción al amor maternal, la cercanía espiritual de personas verdaderamente queridas, la belleza del ingenioso modo patriarcal de vida modesta y sin pretensiones ("La Sagrada Familia", 1645, San Petersburgo, Hermitage estatal; "Cristo en Emaús", 1648 , París, Louvre).
La coloración de las pinturas, basada en el desarrollo cada vez más complejo de los medios tonos, se volvió más emocional y sonora, la luz y las sombras se volvieron coloridas y activas. En Dánae, reescrita con el espíritu de nuevas misiones, la luminosa niebla dorada y transparente que envuelve la composición desempeña el papel de un personaje real: la lluvia dorada, bajo cuya apariencia Júpiter penetró en la niña encerrada en una torre de cobre por su padre, el rey Acrisio. , quien se predijo que moriría a manos de su nieto. Rembrandt le dio a la belleza mítica los rasgos de una verdadera mujer terrenal, esperando ansiosamente una fecha prohibida. Cada vez más, Rembrandt recurre al paisaje, creando en pintura y gráficos una imagen de la naturaleza romántica, excitante, intrigante, aunque a veces aparentemente pacífica (grabado “Tres árboles”, 1643; “Paisaje con ruinas”, ca. 1643, Kassel, Galería de imágenes). ).
El modelo para las atractivas imágenes femeninas de la década de 1650 ("Mujer bañándose en un arroyo", 1654, Londres, Galería Nacional; "Hendrickje en la ventana", 1656-1657, Berlín, Museos Estatales) fue la segunda esposa y devota amiga de Rembrandt, Hendrikje. Stoffels, que entró en la casa del artista en 1649 siendo una niña y compartió con él las difíciles preocupaciones de gestionar los negocios y criar a Titus.
Las difíciles décadas de 1650 y 1660, una época de total ruina y empobrecimiento para el artista, resultaron ser el período más fructífero y maduro de su obra. Durante estos años, Rembrandt creó una galería de retratos-biografías de personas de diversas edades, rangos e intelectos, insuperables en la habilidad de ejecución y la integridad de las características psicológicas. Una de las mejores obras de este período es el retrato del fabricante, filántropo y poeta Jan Six (1654, Ámsterdam, Colección Six), pintado en una exquisita gama de grises suavizados, marrón claro, rojo escarlata, blanco perla, negro y Tonos dorados, que representan la imagen de un hombre maduro para su edad, sabio y con experiencia de vida. Las imágenes de ancianos frágiles que han soportado penas y dificultades considerables están imbuidas de la conciencia del valor duradero de las cualidades humanas simples: pureza moral, bondad y sabiduría en la vida ("Retrato de un anciano vestido de rojo", c. 1652- 1654; "Viejo judío", 1654, ambos - San Petersburgo, Hermitage estatal; "Retrato de una anciana", 1650-1652; "Anciana", 1654, ambos - Moscú, Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre A. S. Pushkin). El artista representa a personas mayores sentadas inmóviles en posturas igualmente tranquilas, con rostros pensativos, tristes y suavemente iluminados que sobresalen del crepúsculo y con las manos fuertemente entrelazadas. Empastes densos y trazos claros y transparentes se entrelazan en un juego de luces y sombras pintado en muchos tonos de color, transmitiendo hábilmente expresiones faciales sutiles, reflejando el movimiento de los sentimientos y pensamientos de la persona retratada. La combinación de colores rojo-marrón, saturada de color y llena de luz, realza la expresividad emocional de los retratos y aporta una sensación de calidez humana.
El último retrato de grupo de Rembrandt, "Los síndicos" (1662, Ámsterdam, Rijksmuseum), atrae con la sencillez y el laconismo de la composición, uniendo a los personajes en una comunidad muy unida, la individualidad de las características de cada uno de los cinco ancianos del gremio de pañeros de Ámsterdam y sus sirvientes, y el esplendor exquisitamente sobrio de la paleta de colores.
En el arte del dibujo y el grabado durante este período, Rembrandt logró la más alta perfección técnica y un poder de influencia artística no inferior a la pintura (grabados “Doctor Fausto”, ca. 1652; “Tres Cruces”, 1653; “Enseñando a Cristo”, hacia 1656).
En la última década de su vida, el destino no perdonó al gran maestro: Hendrikje Stoffels murió en 1663, dejándolo con una hija pequeña, Cornelia, y Titus murió en 1668.
Durante estos años, Rembrandt creó sus obras más significativas y profundas sobre temas bíblicos, retratos y autorretratos, planteando interrogantes sobre el significado de la vida humana, sobre la retribución por las buenas y malas acciones, sobre la tragedia de la soledad, sobre el perdón. El dramático choque oculto entre traición y nobleza en la pintura "Artajerjes, Amán y Ester" (1660, Moscú, Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin) se transmite por la intensa lucha entre tonos cálidos luminosos y una oscuridad nebulosa que avanza obstinadamente desde el profundidades de la escena, creando una imagen impactante de la tragedia de la luz moribunda.
El cuadro de Rembrandt "El regreso del hijo pródigo" (c. 1663, San Petersburgo, Hermitage estatal), único en sus méritos artísticos, se percibe como un llamado apasionado al perdón, un himno poético de amor al prójimo, que completó la Tema gospel que preocupó al artista durante muchos años. En la monumental grandeza de las figuras que emergen a la luz entre las densas sombras, en la armonía del rojo llameante y los suaves tonos ocre rosado dorado, un sentimiento tangible de paz desciende sobre padre e hijo unidos en un solo impulso de perdón y arrepentimiento. .
Quizás el nacimiento de su nieta Titia, hija de Tito, inspiró a Rembrandt a trabajar en el cuadro “Simeón en el templo” (1669, Estocolmo, Museo Nacional). En el destino del anciano evangélico, que estaba destinado a ver al niño Cristo y sólo entonces morir (“Envías, oh Maestro, a tu siervo en paz, según tu palabra, porque mis ojos han visto tu salvación”), el artista parecía haber vislumbrado su propio destino. Rembrandt no tuvo tiempo de terminar el cuadro, pero perdió la esperanza de ser comprendido algún día. Fueron necesarios dos siglos para que el olvidado legado creativo de este brillante artista fuera apreciado como el mayor fenómeno de la historia del arte mundial.
Tatiana Starodub
Un artista brillante, maestro del claroscuro y principal representante de la Edad de Oro de la pintura holandesa es Rembrandt Harmensz van Rijn. Este es quien en sus pinturas transmitió todas las emociones y sentimientos humanos, antes desconocidos en las bellas artes. Todas sus obras son obras maestras de valor incalculable, envueltas en muchos misterios, secretos y especulaciones.
En el cumpleaños de Rembrandt van Rijn, guía de vida, ha recopilado datos increíbles sobre sus cuadros más famosos.
Retrato de Jacob de Geyn III (1632)
Este cuadro figura en el Libro Guinness de los Récords como el cuadro más robado del mundo. Fue robada y encontrada 4 veces, lo que le valió el apodo de "Rembrandt para llevar".
Dánae (1636 -1647)
En 1985, un visitante del Hermitage con una enfermedad mental roció este cuadro con ácido sulfúrico y lo cortó. Las partes más importantes del lienzo fueron las que más sufrieron daños, especialmente la figura de Dánae. Después de 20 años de restauración, se volvió a colgar en la galería, pero bajo una gruesa capa de vidrio.
La radiografía mostró que al principio el rostro de la princesa se parecía al de Saskia, la esposa del pintor, fallecida en 1642. En la versión final del cuadro, empezó a parecerse al rostro de Gertje Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió tras la muerte de su esposa.
Ronda de noche (1642)
El título real de esta pintura es "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg". Y la pintura recibió el nombre de "La Ronda de Noche" mucho más tarde, debido a que cuando fue encontrada, el fondo del lienzo era negro. Sólo durante la restauración realizada en 1947 se descubrió que la pintura estaba cubierta de hollín y que el fondo original debería haber sido claro. Por tanto, un título más lógico para la película sería “Day Watch”.
También hay una niña representada en el centro de la imagen. Hay muchos misterios sobre su personaje, pero muchos creen que el rostro de la niña es muy similar al de la esposa de Rembrandt, Saskia.
El regreso del hijo pródigo (1666-1679)
Esta es la pintura religiosa más grande de Rembrandt. Describe el final de la parábola cristiana, cuando el hijo regresa a casa (extracto de la parábola: “ Y cuando aún estaba lejos, su padre lo vio y tuvo compasión; y corriendo, se echó sobre su cuello y lo besó. El hijo le dijo: ¡Padre! He pecado contra el cielo y contra ti y ya no soy digno de ser llamado hijo tuyo."). Existe la opinión de que los dos personajes en la esquina derecha de la imagen son el mismo padre y el mismo hijo, solo que en un momento diferente: antes de que el hijo pródigo se fuera de casa.
Hay otro cuadro sobre el mismo tema, “El hijo pródigo en una taberna”, que muestra a un hijo despilfarrando la herencia de su padre.
Lección de anatomía del doctor Tulp (1632)
La pintura muestra al Dr. Nicholas Tulp mostrando la anatomía de la mano humana a sus alumnos. Al fondo se puede ver a un hombre con un trozo de papel, en el que aparecen los nombres de todas las personas que aparecen en la imagen, aunque originalmente había un boceto de los músculos del brazo. Además, inicialmente solo había 6 personas presentes en la pintura, más tarde el artista añadió dos más.
Artista en el estudio (1628)
El cuadro representa el taller del artista, que, según los expertos, correspondía al taller de Rembrandt. Y el artista de la imagen es su alumno Gerrit Dou.
Síndicos (1662)
Este retrato de grupo fue encargado por los miembros elegidos anualmente del Gremio de Pañeros de Ámsterdam. Este es el último retrato de grupo creado por Rembrandt. Hay un símbolo sutil en la pintura: en la pared cuelga una pintura de un faro, cuyo papel desempeñan los síndicos del gremio.
Aristóteles con un busto de Homero (1653)
Este cuadro fue pintado para el filántropo italiano Antonio Rufoo, quien pagó por él una cantidad considerable (8 veces más que el precio medio de un cuadro).
En Aristóteles se puede ver un medallón que, según los expertos, representa a Alejandro Magno. El busto representado en el cuadro aparentemente pertenecía al propio artista.
La novia judía (1665)
Esta pintura es una de las últimas y más misteriosas pinturas de Rembrandt. El nombre de la pintura fue dado por el coleccionista Van der Noor recién en 1825. Creyó erróneamente que representaba a un padre dándole un collar a su hija judía para su boda. Aún se desconoce el título real del cuadro, pero se supone que se trata de “Isaac y Rebeca”, ya que en 1662 Rembrandt pintó un cuadro con una composición similar.
Una radiografía del cuadro muestra que originalmente el cuadro mostraba detalles adicionales, en particular, la niña sostenía una canasta de flores en la mano.
Conspiración de Julio Civilis (1661)
Este es el lienzo más grande de Rembrandt: su ancho y largo originales eran de más de 5 metros. Actualmente, sólo se conserva el fragmento central (196 por 309 cm).
Flora (1634)
Según los expertos, la pintura representa a la esposa del artista, Saskia van Uylenbuch, en la imagen de la antigua diosa de la primavera y las flores, Flora. Entretejido en la corona de Flora hay un magnífico tulipán abigarrado de una rara variedad, más tarde llamada "Rembrandt".
Negación de Pedro (1660)
El cuadro representa el momento de la negación del apóstol Pedro, uno de los episodios de la Pasión de Cristo. En primer plano, Rembrandt representó a una doncella con soldados y al renunciante Pedro, y al fondo, en la esquina superior derecha, a Cristo con las manos atadas por detrás, que sólo puede presenciar la traición antes de ser llevado.
Cristo durante una tormenta en el mar de Galilea (1633)
Este único paisaje marino de Rembrandt fue robado del Museo Isabella Gardner en 1990 y todavía se busca.
La pintura representa a 14 personas: Cristo y los doce apóstoles, no se sabe quién es el decimocuarto. Hay muchas versiones de quién podría ser, y una de ellas es que se trata del propio Rembrandt.
Rembrandt Harmens van Rijn Nació en la ciudad holandesa de Leiden en 1606 el 15 de julio. El padre de Rembrandt era un molinero rico, su madre era una buena panadera y era hija de un panadero. El apellido "van Rijn" significa literalmente "del Rin", es decir, del río Rin, donde los bisabuelos de Rembrandt tenían molinos. De los 10 hijos de la familia, Rembrandt era el menor. Otros niños siguieron los pasos de sus padres, pero Rembrandt eligió un camino diferente: artístico y se educó en una escuela latina.
A los 13 años, Rembrandt comenzó a aprender a pintar y también ingresó en la universidad de la ciudad. La edad entonces no molestaba a nadie, lo principal en ese momento era el conocimiento al nivel. Muchos estudiosos sugieren que Rembrandt ingresó a la universidad no para estudiar, sino para obtener un aplazamiento del ejército.
El primer maestro de Rembrandt fue Jacob van Swanenburch.. El futuro artista pasó unos tres años en su estudio y luego se mudó a Ámsterdam para estudiar con Pieter Lastman. De 1625 a 1626 Rembrandt regresó a su ciudad natal y conoció a artistas y algunos de los estudiantes de Lastman.
Sin embargo, después de pensarlo mucho, Rembrandt decidió que su carrera como artista debía desarrollarse en la capital de Holanda y se mudó nuevamente a Amsterdam.
En 1634, Rembrandt se casó con Saskia.. En el momento de su matrimonio, ambos tenían una buena fortuna (Rembrandt a través de la pintura y los padres de Saskia dejaron una herencia impresionante). Entonces no fue un matrimonio de conveniencia. Realmente se amaban cálida y apasionadamente.
En los años 1635-1640. La esposa de Rembrandt dio a luz a tres hijos, pero todos murieron cuando eran recién nacidos. En 1641, Saskia dio a luz a un hijo, que se llamó Titus. La niña sobrevivió, pero, lamentablemente, la propia madre murió a la edad de 29 años.
Tras la muerte de su esposa, Rembrandt no era él mismo, no sabía qué hacer y encontraba consuelo en el dibujo. Fue en el año en que murió su esposa cuando completó el cuadro “La ronda de noche”. El joven padre no pudo hacer frente a Titus y, por lo tanto, contrató a una niñera para el niño: Gertje Dirks, quien se convirtió en su amante. Pasaron unos 2 años y la niñera de la casa cambió. Ella se convirtió en una niña Hendrikje Stoffels. ¿Qué pasó con Geertje Dirks? Ella demandó a Rembrandt, creyendo que había violado el contrato matrimonial, pero perdió la disputa y fue enviada a un correccional, donde pasó 5 años. Tras ser liberada, murió un año después.
La nueva niñera de Rembrandt, Hendrikje Stoffels, dio a luz a dos hijos. Su primer hijo, un niño, murió en la infancia, y su hija Carnelia, la única que sobrevivió a su padre.
Pocas personas saben que Rembrandt tenía una colección muy distintiva., que incluía pinturas de artistas italianos, diversos dibujos, grabados, diversos bustos e incluso armas.
Decadencia de la vida de Rembrandt
Las cosas no le iban bien a Rembrandt. No había suficiente dinero y el número de pedidos disminuyó. Por tanto, el artista vendió parte de su colección, pero esto no lo salvó. Estuvo a punto de ir a prisión, pero el tribunal le dio la razón, por lo que se le permitió vender todos sus bienes y saldar sus deudas. Incluso vivió algún tiempo en una casa que ya no le pertenecía.
Mientras tanto, Titus y su madre organizaron una empresa que comercializaba objetos de arte para ayudar de alguna manera a Rembrandt. En verdad, hasta el final de su vida el artista nunca pagó a muchos, pero esto no arruinó la reputación de Rembrandt; siguió siendo una persona digna a los ojos de la gente.
La muerte de Rembrandt fue muy triste. En 1663 murió la amada del artista, Hendrickje. Algún tiempo después, Rembrandt enterró a su hijo Tito y a su novia. En 1669, el 4 de octubre, él mismo dejó este mundo, pero dejó para siempre una huella en el corazón de las personas que lo amaban.
El futuro reformador de las bellas artes nació en la familia de un rico molinero de Leiden. El niño mostró interés por la pintura desde la más tierna infancia, por lo que a los 13 años fue aprendiz del artista de Leiden Jacob van Swanenburch. Rembrandt estudió posteriormente con el pintor de Ámsterdam Pieter Lastman, especializado en temas históricos, mitológicos y bíblicos.
Ya en 1627, Rembrandt logró abrir su propio taller con su amigo Jan Lievens: el joven pintor, que apenas tenía 20 años, comenzó a reclutar estudiantes él mismo.
Ya en las primeras obras de Rembrandt, un estilo pictórico especial es claramente visible, que comienza a tomar forma: el artista se esfuerza por pintar a sus personajes de la manera más emocional posible, literalmente cada centímetro del lienzo está lleno de drama. Al comienzo de su viaje, el futuro maestro insuperable del trabajo con claroscuro se dio cuenta del poder de esta técnica para transmitir emociones.
En 1631, Rembrandt se mudó a Ámsterdam, donde fue recibido con gran entusiasmo; los conocedores del arte compararon el estilo pictórico del joven artista con las obras del propio Rubens; por cierto, Rembrandt estaba feliz de inspirarse en gran parte de la estética de este artista.
El período de trabajo en la capital holandesa se convirtió en un hito para el género del retrato en la obra de Rembrandt: fue aquí donde el maestro pintó muchos estudios de cabezas femeninas y masculinas, trabajando cuidadosamente en cada detalle, comprendiendo todas las sutilezas de las expresiones faciales del ser humano. rostro. El artista pinta a gente rica de la ciudad (su fama se difunde rápidamente y se convierte en la clave del éxito comercial) y también trabaja mucho con autorretratos.
El destino de Rembrandt, tanto personal como creativo, no fue fácil. Favorecido inicialmente por la fama y el éxito, el talentoso pintor también perdió repentinamente clientes ricos que no supieron darse cuenta del valor revolucionario de sus obras. El legado de Rembrandt fue verdaderamente apreciado sólo dos siglos después: en el siglo XIX, los artistas realistas se inspiraron en las pinturas de este maestro, uno de los más brillantes representantes de la edad de oro de la pintura holandesa.
1. "Dánae" (1633-1647)
Incluso si no sabes nada sobre Rembrandt y no estás interesado en pintar en absoluto, este cuadro definitivamente te resultará familiar. El lienzo, almacenado en el Hermitage de San Petersburgo, casi se perdió para siempre en 1985 debido a un vándalo que lo roció con ácido sulfúrico y luego cortó el lienzo con un cuchillo.
La pintura, que representa a una niña desnuda acostada en una cama bajo los rayos de una luz sobrenatural, fue pintada por Rembrandt para su casa; el tema era el famoso mito griego antiguo sobre la bella Dánae, la futura madre de la ganadora Medusa Perseo, y Zeus el Trueno. La apariencia misma de Dánae planteó un enigma para los investigadores de la creatividad, que recientemente se resolvió: se sabe que el modelo de Rembrandt fue su esposa Saskia van Uylenburch, pero la Dánae que ha llegado hasta nosotros no se parece en absoluto a la esposa del artista. Un estudio radiográfico del lienzo mostró que Rembrandt reescribió parcialmente el rostro de Danae después de la muerte de su esposa, y lo hizo similar al rostro de su segunda amante, la niñera de su hijo Titus, Gertje Dirks. Cupido, que se cernía sobre Dánae, al principio también tenía un aspecto diferente: el dios alado se reía, pero en la versión final el sufrimiento se le había congelado en la cara.
Tras el ataque al cuadro en 1985, se necesitaron 12 años para restaurarlo. La pérdida de pintura fue del 27%; los mejores maestros trabajaron en la restauración de la obra maestra de Rembrandt, pero no había garantías de éxito. Afortunadamente, el lienzo se salvó y ahora el cuadro está protegido de forma fiable por un cristal blindado.
2. "Ronda de noche", (1642)
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El colosal lienzo, de casi cuatro metros, se volvió verdaderamente fatal en la carrera de su creador. El título correcto de la pintura es “Actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Kok y el teniente Willem van Ruytenburg”. Se convirtió en la “Ronda de Noche” después de que los historiadores del arte la descubrieran, olvidada durante dos siglos. Se decidió que la pintura representaba a mosqueteros durante un servicio nocturno, y solo después de la restauración quedó claro que debajo de la capa de hollín había un color original completamente diferente; las sombras hablan elocuentemente de esto; la acción en el lienzo tiene lugar alrededor de 2 en punto de la tarde.
La obra fue encargada por Rembrandt a la Shooting Society, una unidad de la milicia civil de los Países Bajos. Un retrato de grupo de seis compañías decoraría el nuevo edificio de la sociedad; a Rembrandt se le pidió que pintara la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock. Se esperaba que el artista hiciera un retrato ceremonial tradicional, con todos los personajes seguidos, pero decidió representar a los mosqueteros en movimiento. La audaz composición, donde cada figura es lo más dinámica posible, no encontró comprensión entre el cliente: la insatisfacción se debió al hecho de que algunos de los representados eran claramente visibles, mientras que otros estaban en el fondo. "La ronda de noche" literalmente rompió la carrera de Rembrandt: fue después de esta pintura que los clientes ricos habituales se alejaron del pintor y su estilo pictórico cambió radicalmente.
Por cierto, el destino de esta pintura no es menos trágico que el de "Dánae". Para empezar, en el siglo XVIII fue cortado de forma totalmente bárbara para adaptarlo a la nueva sala de la Sociedad de Tiro. Así desaparecieron de escena los mosqueteros Jacob Dirksen de Roy y Jan Brugman. Afortunadamente se conserva una copia del cuadro original. “Night Watch” fue atacada por vándalos tres veces: la primera vez cortaron un gran trozo de lienzo, la segunda vez la pintura fue apuñalada 10 veces y la tercera vez fue rociada con ácido sulfúrico.
Ahora el lienzo se conserva en el Rijksmuseum, el Museo Nacional de Ámsterdam. Puedes mirar esta imagen durante muchas horas: todos los personajes están representados con tanto detalle en el enorme lienzo, tanto "hechos a medida" (en realidad, son 18 mosqueteros) como los añadidos por Rembrandt a su propia discreción (16 figuras, la más misteriosa es la niña en el lugar de las "secciones doradas" del cuadro)
3. "El hijo pródigo en la taberna" (1635)
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Este autorretrato del artista con su amada esposa Saskia en su regazo se conserva en la Galería de los Antiguos Maestros de Dresde (también conocida como Galería de Dresde). No hay duda de que el artista pintó este cuadro siendo absolutamente feliz. Fue durante este período de su vida que Rembrandt trabajó duro y fructíferamente, fue popular, recibió altos honorarios por sus obras y entre sus clientes se encontraban personas famosas y ricas. El maestro reelaboró la trama del Evangelio de Lucas en el espíritu de la época: el hijo pródigo está vestido con una camisola y un sombrero de ala ancha con una pluma, y la ramera en su regazo también está vestida a la moda de esa época. Por cierto, esta es la única pintura de un autorretrato del artista junto con su esposa: Rembrandt pintó otra imagen de él y Saskia en el mismo espacio pictórico utilizando la técnica del grabado en 1638. A pesar del tono alegre general de la imagen, el autor no se olvidó de recordarle que, tarde o temprano, tendrá que pagar por todo en esta vida; esto se evidencia elocuentemente en la pizarra del fondo, donde muy pronto llegará el juerguista. ser facturado. ¿Podría haber adivinado Rembrandt cuán grande sería la retribución por su talento?
4. "El regreso del hijo pródigo" (1666-1669)
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Esta es la pintura más grande de Rembrandt sobre un tema religioso y se conserva en el Hermitage. El centro semántico de la imagen está fuertemente desplazado hacia un lado, las figuras principales están resaltadas con luz, los personajes restantes están cubiertos de sombras, lo que hace imposible cometer un error al leer lo que se representa. Por cierto, todas las pinturas de Rembrandt están unidas por un detalle importante: a pesar de la claridad general de la trama principal, cada pintura contiene misterios que los historiadores del arte no pueden resolver. Al igual que la chica de La Guardia de la Noche, El regreso del hijo pródigo presenta personajes envueltos en misterio. Son cuatro: alguien los llama convencionalmente "hermanos y hermanas" del personaje principal. Algunos investigadores interpretan la figura femenina detrás de la columna como un segundo hijo obediente, aunque tradicionalmente este papel se asigna al hombre que está en primer plano. Este hombre, barbudo y con un bastón en la mano, plantea no menos preguntas: en el Evangelio de Lucas, el hermano del decano corrió al encuentro del pariente pródigo directamente desde el campo, pero aquí se le representa más bien como un noble vagabundo, tal vez Incluso el Eterno Judío. Por cierto, es posible que Rembrandt se representara a sí mismo de esta manera; los autorretratos, como saben, no son infrecuentes en sus pinturas.
5. "Saskia como Flora" (1634)
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La mayoría de las imágenes femeninas en los lienzos de Rembrandt de 1934 a 1942 fueron pintadas por la amada esposa del artista, Saskia van Uylenburch. En la imagen de la antigua diosa de la primavera Flora, el maestro representó a Saskia tres veces (el retrato que estamos considerando fue creado en el año de su boda), está claro a simple vista que Rembrandt idolatraba a su esposa, la admiraba y ponía todo su ternura en la pintura.
Saskia tenía 22 años al momento de su matrimonio; a los 17 quedó huérfana. Un incidente la unió a su futuro marido: vino a Ámsterdam para visitar a su prima, la esposa del predicador Johann Cornelis Silvius, que conocía a Rembrandt. La boda tuvo lugar el 10 de junio de 1634. En 1942, apenas un año después del nacimiento de su tan esperado hijo Titus, falleció Saskia.
Flora-Saskia es la encarnación de la juventud, la frescura y la castidad; hay tanta timidez encantadora y frescura juvenil en su apariencia. Rembrandt combinó hábilmente retratos pastorales e históricos en esta pintura. Por cierto, de las tres Floras pintadas con su esposa (las otras dos pinturas fueron creadas en 1935 y 1941), la primera se refiere más a la antigüedad, los otros dos retratos insinúan el mito sólo con detalles apenas perceptibles. "Saskia como Flora" se conserva en el Hermitage.
Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669): artista, dibujante y grabador holandés, gran maestro del claroscuro, el mayor representante de la edad de oro de la pintura holandesa.
Biografía de Rembrandt van Rijn
Rembrandt Harmensz van Rijn nació en la ciudad holandesa de Leiden en 1606, el 15 de julio. El padre de Rembrandt era un molinero rico, su madre era una buena panadera y era hija de un panadero. El apellido "van Rijn" significa literalmente "del Rin", es decir, del río Rin, donde los bisabuelos de Rembrandt tenían molinos. De los 10 hijos de la familia, Rembrandt era el menor. Otros niños siguieron los pasos de sus padres, pero Rembrandt eligió un camino diferente: artístico y se educó en una escuela latina.
A los 13 años, Rembrandt comenzó a aprender a pintar y también ingresó en la universidad de la ciudad. La edad entonces no molestaba a nadie, lo principal en ese momento era el conocimiento al nivel. Muchos estudiosos sugieren que Rembrandt ingresó a la universidad no para estudiar, sino para obtener un aplazamiento del ejército.
El primer maestro de Rembrandt fue Jacob van Swanenburch. El futuro artista pasó unos tres años en su estudio y luego se mudó a Ámsterdam para estudiar con Pieter Lastman.
De 1625 a 1626 Rembrandt regresó a su ciudad natal y conoció a artistas y algunos de los estudiantes de Lastman.
Sin embargo, después de muchas deliberaciones, Rembrandt decidió que la carrera de artista debía seguirse en la capital de Holanda, se mudó nuevamente a Ámsterdam y se casó con una rica habitante de la ciudad, Saskia van Uylenburg, y la pintura "La lección de anatomía del doctor Tulp" le trajo la Reconocimiento universal del joven pintor.
Obras de Rembrandt van Rijn
Comenzó para el maestro la década más próspera de su vida. Tuvo muchos alumnos (la escuela de Rembrandt).
Durante este período, escribió obras maestras como “Autorretrato con Saskia” (1635) y “Danae” (1636).
El arte extremadamente alegre de Rembrandt de los años 30. combina la experiencia de los maestros del Renacimiento y el Barroco y un enfoque innovador de los temas clásicos.
El período de éxito terminó repentinamente en 1642: la magnífica obra "Night Watch", un retrato grupal de miembros del Shooting Guild de Amsterdam, fue rechazada por los clientes que no apreciaron las innovaciones del artista y lo sometieron a duras críticas.
Rembrandt prácticamente dejó de recibir encargos, casi todos sus alumnos lo abandonaron. Saskia murió ese mismo año.
Desde los años 40 Rembrandt abandonó los efectos teatrales en su obra; el principio místico y contemplativo se intensificó en su pintura. El artista recurrió a menudo a la imagen de su segunda esposa, Hendrikje Stoffels.
El cuadro “La Sagrada Familia” (1645), una serie de autorretratos y los mejores paisajes están marcados por la profundidad, la calma y la riqueza emocional. Pero los fracasos siguieron acosando a Rembrandt: en 1656 fue declarado deudor insolvente, su propiedad se vendió en una subasta y la familia se mudó a una modesta casa en el barrio judío de Ámsterdam.
El cuadro "La conspiración de Julius Civilis" (1661), encargado por el ayuntamiento, compartió el destino de "La Ronda de Noche". En 1663, el artista enterró a su esposa y a su hijo.
A pesar del deterioro de su visión, Rembrandt continuó pintando. Un resultado único de su obra fue el lienzo "El regreso del hijo pródigo" (1668-1669).
Los autorretratos de Rembrandt capturaron casi todas las etapas de su vida y de su trayectoria creativa. Son notables en sí mismos porque nos permiten rastrear el desarrollo del maestro y también porque muchos artistas posteriores (desde Sir Joshua Reynolds hasta Marc Chagall) intentaron imitar el ejemplo de Rembrandt con la esperanza de comprender algo sobre ellos mismos.
El "Retrato de Jacob de Ghein III" de Rembrandt figura en el Libro Guinness de los Récords como la obra de arte más robada del mundo. El cuadro fue robado y encontrado cuatro veces. Incluso le pusieron el sobrenombre de "Rembrandt para ir". El retrato se conserva en Londres, en la Dulwich Gallery.
Algunas de las pinturas de Rembrandt, incluidas las famosas "Danae", "Sacrificio de Abraham" y "Desfavor de Amán", se conservan en el Museo Estatal del Hermitage (San Petersburgo). En 1985, un enfermo mental arrojó ácido sulfúrico sobre Danae. La restauración llevó 20 largos años. Ahora “Danae” sólo se puede ver detrás de una gruesa capa de cristal protector.
El Proyecto de Investigación Rembrandt es un grupo de científicos que analizan el legado del gran artista. El proyecto ha estado en marcha desde 1968.
Hasta ese momento se creía que el pincel del artista pertenecía a 800 cuadros. El proyecto refutó esta cifra: después de una cuidadosa investigación, resultó que solo hay alrededor de 350.
El resto fueron pintados por alumnos de Rembrandt, así como por artistas influenciados por Rembrandt. Por ejemplo, el famoso “Hombre con casco dorado” de la Galería de Arte de Berlín, considerado durante mucho tiempo obra de un maestro, resultó ser una pintura de otro artista desconocido.
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