Sanat tanımında klasisizm nedir. klasisizm nedir

klasisizm(Latin (Latin) classicus'tan - örnek), Avrupa edebiyatında ve 17. - 19. yüzyılın başlarında (yüzyılın) sanatında sanatsal stil ve estetik eğilim, önemli özelliklerinden biri eski edebiyatın görüntülerine ve biçimlerine hitap etmekti. ve ideal bir estetik standart olarak sanat.

K., sanatta onunla doğrudan temas halinde olan diğer pan-Avrupa eğilimlerinin etkisini deneyimleyerek oluşur: ondan önce gelen estetikten itilir. Rönesans ve onunla aktif olarak bir arada var olan sanata karşı çıkıyor barok, geçmiş dönemin ideallerinin krizinin yarattığı genel uyumsuzluğun bilinciyle doludur. Rönesans'ın bazı geleneklerini (eskilere hayranlık, akla inanç, uyum ve ölçü ideali) sürdüren K., onun için bir tür antitezdi; K.'deki dış uyumun arkasında, onu Barok ile ilişkilendiren (tüm derin farklılıklarına rağmen) dünya görüşünün içsel çatışkı yatar. Rönesans sanatında (bir eğilim içinde) tek ve uyumlu bir bütün olarak hareket eden türsel ve bireysel, kamusal ve özel, akıl ve duygu, medeniyet ve doğa, K.'da kutuplaşır ve birbirini dışlayan kavramlar haline gelir. Bu, siyasi ve özel alanların çözülmeye başladığı ve sosyal ilişkilerin bir kişi için ayrı ve soyut bir güce dönüştüğü yeni bir tarihsel durumu yansıtıyordu. 17. yüzyılda akıl fikri. mutlakiyetçi fikrinden ayrılamaz (bkz. mutlakiyetçilik ) o zaman, K. Marx'a göre, "... evrensel bir zihin olarak ..." hareket eden devlet (bkz. K. Marx ve F. Engels, Soch., 2. baskı, cilt 1, s. 254), “... bir medenileştirme merkezi olarak, toplumun birleştirici ilkesi olarak” (ibid., cilt 10, s. 431), feodal anarşiyi dizginlemeye ve ülkede sükûnet ve düzeni tesis etmeye muktedir bir güç olarak.

R.'nin felsefi fikirlerine karşılık gelen rasyonalizm ilkeleri. Descartes Ve kartezyenizm, K'nin estetiğinin temelini oluştururlar. Bir sanat eserinin görüşünü yapay bir yaratım olarak tanımlarlar - bilinçli olarak yaratılmış, makul bir şekilde organize edilmiş, mantıksal olarak inşa edilmiş. “Doğanın taklidi” ilkesini ortaya koyan klasikçiler, eski poetikadan (Aristoteles, Horace) alınan sarsılmaz kurallara ve sanat biçiminin yasalarını belirleyen sanata sıkı sıkıya uyması için vazgeçilmez bir koşul olarak görüyorlar. yazarın makul yaratıcı iradesi, yaşam malzemesini güzel, mantıksal olarak ince ve net bir sanat eserine dönüştürerek tezahür eder. Doğanın sanatsal dönüşümü, doğanın güzel ve soylu hale dönüştürülmesi, aynı zamanda en yüksek bilgisinin bir eylemidir - sanat, genellikle dışsal kaosun ve gerçekliğin düzensizliğinin arkasına gizlenmiş olan evrenin ideal düzenliliğini ortaya çıkarmaya çağrılır. . Bu nedenle, ideal düzenliliği kavrayan akıl, bireysel özellikler ve yaşamın canlı çeşitliliği ile ilgili olarak “kibirli” bir ilke olarak hareket eder. K. için estetik değer yalnızca jenerik, kalıcı, zamansız. Her fenomende, K. onun temel, istikrarlı özelliklerini bulmaya ve yakalamaya çalışır (bu, mutlak bir tarih-üstü estetik norm olarak antik çağa başvurmanın yanı sıra, herhangi bir şeyin somutlaşmışı olarak hareket eden karakter tipleştirme ilkeleriyle bağlantılıdır). sosyal veya manevi güçler). Klasik imge, yaşamın ideal olarak ebedi biçiminde durdurulduğu bir modele yönelir, bireyin türsele, geçiciden ebediye, gerçeğin ideale, tarihin efsaneye dönüştüğü özel bir aynadır, her yerde olanı ve olanı tasvir eder. gerçekliğin hiçbir yerinde değil; o, aklın ve düzenin kaos ve hayatın akışkan ampirizmi üzerindeki zaferidir. Yüksek ahlaki fikirlerin kendilerine uygun ahenkli güzel biçimlerde somutlaştırılması, kültür kanunlarına göre yaratılan eserlere bir ütopyacılık gölgesi verir, bu aynı zamanda kültür estetiğinin sosyal ve eğitim işlevine büyük önem vermesi gerçeğinden kaynaklanmaktadır. sanatın.

Estetik K., "yüksek" (trajedi, epik, gazel ve resimde - tarihsel, mitolojik ve dini türlere) bölünmüş katı bir tür hiyerarşisi kurar; alanları devlet hayatı veya dini tarih, kahramanları hükümdarlar, komutanlar , mitolojik karakterler , dini münzevi) ve "düşük" (komedi, hiciv, masal, orta sınıfların özel günlük yaşamını tasvir eden ve resimde - sözde "küçük tür" - manzara, portre, natürmort) . Her türün katı sınırları ve net biçimsel özellikleri vardır; yüce ile temelin, trajik ile komikin, kahramanlıkla sıradan olanın karıştırılmasına izin verilmez.

K. edebiyatta. Şiirin şiiri, İtalya'da Rönesans'ın sonlarında (L. Castelvetro ve J. Ts. Scaliger'in poetikasında) şekillenmeye başladı, ancak mutlakiyetçiliğin pekiştirilmesi ve gelişmesi ancak 17. yüzyılda Fransa'da gerçekleşti. ayrılmaz bir sanatsal sistem olarak şekil.

Fransız sinematografisinin poetikası, sinemaya karşı mücadelede şekillenir ve yavaş yavaş gerçekleşir. hassas literatür Ve burlesk, ancak tam bir sistemik ifadeyi yalnızca N. bulo, 17. yüzyıl Fransız edebiyatının sanatsal deneyimini özetliyor.

K.'nin şiir ve poetikasının kurucusu F. Malherbe; onun tarafından gerçekleştirilen dil ve şiir reformu, evrensel olarak bağlayıcı bir dilsel ve edebi kanon oluşturma göreviyle emanet edilen Fransız Akademisi tarafından pekiştirildi. Sinematografinin önde gelen türü, trajedi yüzyılın en önemli sosyal ve ahlaki problemlerini çözmek. Sosyal çatışmalar, ahlaki görev ve kişisel tutkular arasında seçim yapma ihtiyacıyla karşı karşıya kalan karakterlerin ruhlarına yansıdığı gibi tasvir edilir. Bu çarpışma, bir kişinin kamusal ve özel varlığının ortaya çıkan kutuplaşmasını yansıtıyordu ve bu da görüntünün yapısını da belirledi. Türsel, toplumsal öz, düşünen, rasyonel “Ben”, aklın bakış açısıyla kendini inceleyen, düşünen, bölünmeyle birlikte zayıflayan, kendi gücüne eşit olma zorunluluğunu hisseden kahramanın doğrudan bireysel varlığına karşı çıkar. ideal "ben". Erken bir aşamada (P. Corneille'e göre) bu zorunluluk devlete karşı ödevle birleşir ve daha sonra (J. Racine'e göre) devletin yabancılaşması yoğunlaştıkça politik içeriğini kaybeder ve etik bir karakter kazanır. . Mutlakiyetçi sistemin yaklaşmakta olan krizinin içsel hissi, Racine'in trajedilerinde ve ideal olarak uyumlu bir sanatsal yapının, içlerinde hüküm süren kör ve kendiliğinden tutkuların kaosuyla çatıştığı gerçeğinde yansıtılır. adam güçsüz.

Fransız sinematografisinde fabl (J. Lafontaine), hiciv (Boileau) ve komedi (Molière) gibi “alt” türler de yüksek bir gelişme düzeyine ulaştı. Görüntüsü tarihsel veya mitolojik geçmişin ideal mesafesinde değil, şimdiki zamanla doğrudan temas bölgesinde inşa edilen "düşük" türlerdeydi, gerçekçi bir başlangıç ​​geliştirildi. Bu öncelikle, çalışmaları çeşitli ideolojik ve sanatsal eğilimleri emen ve edebiyatın daha da gelişmesini büyük ölçüde belirleyen Moliere için geçerlidir. Aslında Molière'de komedi "düşük" bir tür olmaktan çıktı: en iyi oyunlarına "yüksek komedi" adı verildi, çünkü onlarda, trajedide olduğu gibi, yüzyılın en önemli sosyal, ahlaki ve felsefi sorunları çözüldü. Sinematografi çerçevesinde, tutkuların tiplendirilmesi, analitik özellikler, kesinlik ve stilin netliği ile karakterize edilen nesir de gelişir (ahlakçıların düzyazısı F. La Rochefoucauld, B. Pascal ve J. La Bruyère'in yanı sıra MM Lafayette'in psikolojik romanı olarak).

17. yüzyılın sonunda gerileme dönemine giren Kazakistan, Aydınlanma döneminde yeniden canlandı. Yeni, eğitim kültürü 18. yüzyıl boyunca bir arada var oldu. aydınlanma gerçekçiliği ile ve yüzyılın sonunda yeniden baskın sanatsal eğilim haline gelir. Aydınlatıcılar birçok açıdan K. 17. yüzyılın geleneklerini sürdürüyorlar. Dünyayla ve kendisiyle bilinçli olarak ilgili olan, özlemlerini ve tutkularını sosyal ve ahlaki göreve tabi kılabilen bir kişinin K.'de ifade edilen konumuna yakın oldukları ortaya çıktı; medeniyet pathosu; sanatsal yaratıcılığın rasyonalist kavramı. Bununla birlikte, eğitim kültürünün sosyopolitik yönelimi değişmektedir. Klasisizm geleneklerinde Voltaire, dini fanatizme, mutlakiyetçi baskıya ve özgürlüğün acınasına karşı mücadeleyle dolu trajediler yaratır. Aydınlanma kültürü de dahil olmak üzere kültürün özü olan ideal arketipler dünyasına yönelik antik çağa yapılan çağrı, Aydınlanma ideolojisinde derin köklere sahipti. Aydınlatıcılar, yaşamın dış ampirizminin ötesine geçmeye, özel yaşamın ötesine geçmeye çalıştıklarında, kural olarak, kendilerini ideal soyutlamalar dünyasında buldular, çünkü tüm yapılarında yalıtılmış bir bireyden yola çıktılar ve özü aramadılar. Bir kişinin varlığının sosyal koşullarında, tarihte değil, soyut olarak anlaşılan insan doğasında. Eski mitlerde ve efsanelerde (MJ Chenier ve diğerlerinin eserleri) kahramanca özlemleri örten Büyük Fransız Devrimi edebiyatı, aydınlanma kültürüyle yakından bağlantılıdır.K. Marx'a göre, devrimin liderleri idealler ve sanatsal biçimler buldular. ilhamlarını büyük tarihsel trajedinin zirvesinde tutmak için mücadelelerinin sınırlı burjuva içeriğini kendilerinden saklamaları için gerekli yanılsamalar” (K. Marx ve F. Engels, aynı eser, cilt 8, s. 120).

Fransız edebiyatının etkisi altında, Fransız edebiyatı diğer Avrupa ülkelerinde de gelişti: İngiltere'de (A. Pope ve J. Addison), İtalya'da (V. Alfieri ve kısmen Ugo Foscolo) ve Almanya'da (J. K. Gottsched). Gottsched'in tamamıyla Fransız modellerine yönelik klasisist eserleri Alman edebiyatında önemli bir iz bırakmamış ve ancak 18. yüzyılın ikinci yarısında bırakabilmiştir. yeni bir Alman klasisizmi, orijinal bir sanatsal fenomen olarak şekilleniyor (Weimar klasisizmi olarak adlandırılır). Fransızlardan farklı olarak ahlaki ve estetik sorunları ön plana çıkarır. Temelleri I.I. Winkelmann , ancak çalışmalarının Weimar döneminde I. W. Goethe ve F. Schiller ile zirveye ulaştı. Polis demokrasisi koşullarında ortaya çıkan Yunan klasiklerinin “asil sadeliği”, ahengi ve sanatsal mükemmelliği, Alman şairler tarafından Alman gerçekliğinin ve tüm modern medeniyetin sefaletine, insanı sakat bırakan karşı çıktı. Schiller ve bir dereceye kadar Goethe, sanatta uyumlu bir kişilik yetiştirmenin ana yolunu aradı ve antik çağa dönerek bu görevi yerine getirebilecek yeni, modern, yüksek stilde bir edebiyat yaratmaya çalıştı.

Napolyon İmparatorluğu döneminde, k. canlı ilerici içeriğini kaybetti. Dış resmi görkem ve ihtişam, soğuk ve ölü akademisyenlik ile karakterize edildi. Yine de, bir epigone akımı olarak, Fransa'da 30'lu ve 40'lı yıllara kadar vardı. 19. yüzyıl

V. Ya. Bakhmutsky.

Rusya'da K., 18. yüzyılın ikinci çeyreğinde ortaya çıktı. I. Peter döneminin ideolojik etkisi altında (bireyin bilinçli olarak anlaşılan ulusal çıkarlara koşulsuz tabi kılınmasıyla birlikte) ilk Rus aydınlatıcıların çalışmalarında - yeni Rus edebiyatının kurucuları AD Kantemir, VK Trediakovsky, MV Lomonosov . 18. yüzyılın Rus aydınlanmasıyla özümsenen insanların doğal eşitliği fikri, sosyolojik ve etik yapılarının temeli oldu ve kültür literatüründe insanın etik özünün gelişmesine yol açtı. Yazarın vurgulanan varlığı (tasvir edilenle ilişkisi) bu sorunun sanatsal bir ifade biçimi haline gelmiştir. Bu nedenle, Batı Avrupa K.'nin deneyimi önemli bir işleme tabi tutuldu; Rusça k.'de, tarihsel gerçekliğin zorunlu bir yazar değerlendirmesini gerektiren türler büyük ölçüde geliştirildi: hiciv (Kantemir), masal (A.P. Sumarokov, V. I. Maikov, I. I. Khemnitser), ode (Lomonosov, V. P. Petrov, G. R. Derzhavin). Trajedilerin temalarına ulusal-tarihi arsalar (Sumarokov, Ya. B. Knyazhnin, N. P. Nikolev) ve onların tarzında - yazarın en sevdiği fikirleri doğrudan ifade eden ana karakterlerin lirizmi ve "sözcülüğü" hakimdir. K., yeni bir edebi eğilimin destekçilerinin ona karşı çıktığı 1730'lardan 1790'lara kadar estetiğinin oluşumu ve gelişiminin zor bir tarihini yaşadı - duygusallık. Sosyal ihtiyaçları karşılamayı bırakan K., 19. yüzyılın Rus edebiyatının mirasını bıraktı. vatandaşlık ve satirik kınama pathos'u. V. G. Belinsky'nin makalelerinden sonra, Rus akademik biliminde ve eleştirisinde uzun süre K.'ye karşı olumsuz bir tutum kuruldu, bu sadece Sovyet araştırmacılarının eserlerinde aşıldı.

I. Z. Serman.

Plastik sanatlarda kostik sanatın önkoşulları 16. yüzyılın ikinci yarısında ortaya çıkmaya başlamıştı. İtalya'da - Palladio'nun mimari teorisi ve pratiğinde, Vignola'nın teorik incelemeleri, S. Serlio; J. P. Bellori'nin (17. yüzyıl) yazılarında ve akademisyenler tarafından geliştirilen estetik standartlarda daha tutarlı bir şekilde ifade edilirler. Bolonez okulu. Ancak 17. yüzyıl boyunca Barok ile etkileşim ve tartışma içinde gelişen klasik mimari, yalnızca Fransız sanatında bütünleyici bir üslup sistemine dönüşür ve 18. ve 19. yüzyılın başlarında bir pan-Avrupa tarzı haline gelir. sadece bireysel motiflerini ve unsurlarını takip ederek, ancak genel tektonik modellerini kavrayarak. Önceki yüzyılların mimarisine göre antik çağa daha yakın oranlarda ve formlarda düzen, Kazakistan'ın mimari dilinin temeli haline gelir. Duvarlar düzgün yüzeyler olarak kabul edilir, net, simetrik olarak yerleştirilmiş hacimleri sınırlar; mimari dekor, genel yapıyı asla "gizlemeyecek", ancak onun incelikli ve ihtiyatlı eşlikçisi olacak şekilde tanıtılmıştır. Bir k.'nin iç kısmı, mekansal bölünmelerin netliği, renklerin yumuşaklığı ile karakterize edilir: anıtsal ve dekoratif resimde yaygın olarak kullanılan perspektif efektleri, k., yanıltıcı alanı temelde ayırır. Sanatların klasik sentezinde, formlar katı bir hiyerarşiye tabidir ve burada mimari açıkça hakimdir. Kazakistan'ın kentsel planlaması, Rönesans ve Barok ilkeleriyle genetik olarak bağlantılıdır ve aktif olarak “ideal şehir” kavramını geliştirir; 19. yüzyılın (yüzyılın) 18.-1. üçüncüsünün sonunda, kentsel gelişimin doğa unsurlarıyla organik kombinasyonunu, sokak veya set ile mekansal olarak birleşen açık alanların yaratılmasını sağlayan yeni planlama teknikleri geliştirildi. K.'nin mimarisinin tektonik netliği, heykel ve resimdeki mekansal planların katı bir şekilde tanımlanmasına karşılık gelir. K.'nin kapalı tek renkli hacimlerin baskın olduğu, genellikle sabit bir bakış açısı için tasarlanmış plastisitesi, pürüzsüz modelleme ve formların kararlılığı ile ayırt edilir. Çin resminde, çizim ve ışık gölgeleme öncelik taşır (özellikle geç Fransız resminde, boyama bazen monokroma ve grafikler saf, stilize doğrusallığa doğru çekilirken), yerel renk üç baskın rengin bir kombinasyonu üzerine inşa edilir (örneğin, kahverengi için kahverengi). ilki, ikincisi yeşil, arka plan için mavi), hafif hava ortamı seyrekleşir ve plastik hacimler arasındaki boşlukların nötr bir dolgusuna dönüşür, eylem bir sahnede olduğu gibi ortaya çıkar.

17. yüzyıl Fransız Fransızlarının en büyük sanatçısı ve teorisyeni. resimlerine etik içeriğin yüceliği, ritmik yapı ve rengin aydınlanmış uyumu damgasını vuran N. Poussin'di. Bu çağdaki parlak gelişme, altın çağın rüyasını somutlaştıran ideal bir manzara (N. Poussin, Claude Lorrain, G. Duguet) alır. Mimaride, K.'nin ilkeleri, C. Perrault (), tarafından yaratılan Louvre'un doğu cephesinde, düzen bölümlerinde netlikle işaretlenmiş ve netlikle işaretlenmiş kompozisyonda F. Mansard'ın binalarında oluşturulur - en saf 17. yüzyılın K. örneğinde, L. Levo, F. Blondel'in çalışmasında. 17. yüzyılın 2. yarısından itibaren. fransız c. özellikle mimari ve planlamada kendini gösteren daha fazla barok unsuru emer Versay (mimar J. Hardouin-Mansart ve diğerleri, parkın düzeni - A. Lenotre). Paris'te kraliyet resim ve heykel akademilerinin (1648) ve mimarlık akademisinin (1671) kurulması sanat doktrinlerinin pekiştirilmesine yardımcı oldu. 17. ve 18. yüzyılın başlarında (yüzyıllar), K. ayrıca Hollanda mimarisine de yayıldı (mimar Jacob van Kampen, P. Post), bu da İngiltere'nin Palladyan mimarisinde özellikle kısıtlanmış bir versiyonuna yol açtı. Rönesans yankıları ve K. Ren ve takipçilerinin eserlerinde K'nin ulusal versiyonu nihayet oluşuyor.

18. yüzyılın ortalarında K.'da edebiyatta K. aydınlanmasına karşılık gelen ve başlangıçta polemiklerde gelişen yeni bir yön ortaya çıkıyor. rokoko . Mimaride, artık giderek daha sık katı planlama şemalarını reddediyorlar, düzenin yapıcı anlamını vurgulamaya çalışıyorlar, konforlu bir konut binasının iç ve esnek planlamasına özel önem veriliyor. "İngiliz" parkının peyzaj ortamı, yeni tipte klasik bir bina için ideal bir çerçeve haline gelir. K. 18 yüzyıl üzerinde büyük etkisi. Yunan ve Roma antikitesi (özellikle Herculaneum ve Pompeii kazıları) hakkında arkeolojik bilgilerin geliştirilmesine ve ayrıca I. I. Winkelmann, J. V. Goethe ve F. Militsius'un teorik çalışmalarına katkıda bulundu.

Bu dönemin Fransız mimarisinde yeni mimari tipler oluştu: son derece samimi bir konak, özlü bir anıtsal kamu binası, açık bir şehir meydanı (mimarlar J. A. Gabriel, J. J. Souflot). J. B. Pigalle, E. M. Falcone, J. A. Houdon'un plastik sanatlarında, J. M. Vienne'in tarihi ve mitolojik tablosunda ve J. Robert'ın dekoratif manzaralarında sivil acıma ve lirik hülyalılık farklı şekillerde birleştirilir. Mimaride Fransız Devrimi'nin arifesinde, formların şiddetli özlülüğü, etkileyici didaktik görüntüler için bir arzu var, mimarlar giderek artan bir şekilde Yunan arkaik motiflerine, Eski Mısır sanatına, bazen de emirsiz bir sisteme yöneliyorlar ( bina ve projeler KN Ledoux, EL Bulle, J. J. Leke). Bu araştırmalar (aynı zamanda G. B. Piranesi'nin mimari gravürlerinin etkisiyle de not edilmiştir) geç K. için başlangıç ​​noktası olarak hizmet etmiştir veya imparatorluk . Fransız resminde, devrimci eğilimin en önemli temsilcisi, çalışmaları cesur drama ve figüratif yapının ciddiyeti ile doyurulmuş olan J. L. David'di. Napolyon I döneminde, Fransız İmparatorluğu'nun mimarisinde muhteşem temsiliyetin özellikleri (C. Percier, P. Fontaine, J.-F. Chalgrin) yoğunlaştı ve bu da genellikle ayrıntıların aşırı derecede rafine edilmesine yol açtı ve bu da aynı zamanda mimariyi de etkiledi. dekoratif ve uygulamalı sanatlar. Geç C.'nin resmi, bireysel büyük ustaların (D. Ingres) ortaya çıkmasına rağmen, resmi-özür dileyen veya duygusal-erotik bir salon trendine dönüşüyor.

Roma, 18. ve 19. yüzyılın başlarında (yüzyıllar) en önemli uluslararası kültür merkezi haline geldi ve genellikle formların görkemli asaletini soyut ve soğuk idealleştirmeyle birleştiren bir eğilimin egemenliğindeydi. Burada çalışın: Alman ressam A. R. Mengs; heykeltıraşlar - İtalyan A. Canova ve Dane B. Thorvaldsen; Avusturyalı manzara ressamı I. A. Kokh.

Palladian F. W. Ermansdorf'un yanı sıra K. G. Langhans, D. Gilly ve F. Gilly'nin binalarının katı ve rasyonel tarzı, 18. ve 19. yüzyılların (yüzyılların) Alman klasik mimarisinin karakteristiğidir. Geç Alman K.'nin zirvesini belirleyen KF Schinkel'in eserlerinde, formların şiddetli anıtsallığı organik olarak yeni, işlevsel çözümler arayışıyla bağlantılıysa, o zaman L. von Klenze ve F. Gaertner kuru arkeolojisi binalarında hakimdir. Alman K.'nin güzel sanatlarında, düşünceli bir ruh hali ile dolu, A. ve V. Tishbein'in portreleri, A. Ya. Karstens'in mitolojik ve alegorik karikatürleri, I. G. Shadov'un plastik sanatı, I. G. sanat ve el sanatlarında - mobilya üreticisi D. Roentgen'in işleri.

18. ve 19. yüzyılın başlarındaki (yüzyıllar) İngiliz klasik mimarisinde, park inşaatının gelişmesiyle yakından ilişkili olan Palladyanizm, başlangıçta egemen oldu (mimarlar W. Kent, J. Payne, W. Chambers); Adam kardeşlerin özel bir dekoratif kaplama zarafeti ile işaretlenmiş binaları, antik örneklere artan arkeolojik ilginin kanıtıdır. 19. yüzyılın başlarında İmparatorluk tarzı özellikler mimaride görülür (özellikle J. Soane'nin çalışmasında). İngiliz mimarisinin merkezi başarıları, yaşam ortamını tasarlamanın en yüksek kültürü ve bir bahçe şehri fikrini kısmen öngören cesur kentsel planlama önlemleridir (mimarlar J. Wood, J. Wood the Younger ve J. Nash). İngiltere'deki seramiğin en tutarlı temsilcileri aynı zamanda ressam-illüstratör ve heykeltıraş J. Flaxman ile dekoratif ve uygulamalı sanatların ustalarıydı (seramik J. Wedgwood ve Derby'deki fabrikanın ustaları).

18. ve 19. yüzyılın başlarında (yüzyıllar), jimnastik ayrıca İtalya'da (mimar G. Piermarini), İspanya'da (mimar J. de Villanueva), Doğu Avrupa ve İskandinavya ülkelerinde ve ABD'de (mimar T. Jefferson, J) gelişti. Hoban, ressamlar B. West ve J. S. Copley). 19. yüzyılın 1. üçte birinin sonunda. K., öncü eğilimin önemini kaybeder ve bir dizi sahte-tarihsel stil haline gelir; onun yankıları korunur neoklasizm 20. yüzyıl

Rus k. 18. yüzyılın ortalarında ortaya çıktı. 19. yüzyılın (yüzyılın) 18.-1. üçüncüsünün son üçte birinde hakim üsluba dönüşmüştür.Milletin oluşum süreci, devletliğin yükselişi ve Rusya için eşi benzeri olmayan laik kültürün gelişmesi, Rus K.'nin vatansever pathos'unu besleyen tarihi ve ideolojik toprak. Erken K. mimarlarının (1760-70'ler; AF Kokorinov, JB Vallin-Delamot, Yu. M. Felten, KI Blank, A. Rinaldi) eserleri hala Barok'a özgü formların plastik zenginleştirilmesi. Olgun mimarinin ustaları (1770–90: V. I. Bazhenov, I. E. Starov ve M. F. Kazakov), şehrin mekansal planlama yapısının organizasyonuna aktif olarak katılan, cephelerin ince plastik farklılaşmasına sahip binalar yaratır; yeni bir tür oda sarayı gelişir (C. Cameron, G. Quarenghi), Palladyanizmin Rus versiyonu ortaya çıkar (N. A. Lvov). Rus İmparatorluğu döneminde (19. yüzyılın 1. üçte biri), Rusya'nın siyasi zaferi ve gücü fikirlerini yansıtan, özellikle görkemli kentsel planlama önlemleri uygulandı (özellikle nehrin St. uzayında), düzenli planlar yapılıyor. 400'den fazla şehir için geliştirilen, hemen hemen her tür yapının "örnek" projeleri, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl merkezlerinin toplulukları ve diğer şehirler oluşturuluyor. Görkemli topluluklar ve bireysel binalar (çoğunlukla St. Petersburg'da) A.N. Voronikhin, A.D. Zakharov, J. Thomas de Thomon, K.I. Rossi, V.P. Stasov; Moskova'da inşaat D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev tarafından yürütülmektedir (rahat bir iç mekana sahip küçük bir konak tipi özellikle Moskova'nın karakteristiği haline gelir). Rus Kazakistan'ın kentsel konakları ve kırsal mülkleri, klasik formların ve dekorun organik olarak ahşapta somutlaştığı ince bir özgünlük ve şiir ile ayırt edilir. Görsel sanatlarda, Rus resminin gelişimi, 1757'de kurulan St. Petersburg Sanat Akademisi'nin faaliyetleri ile yakından bağlantılıdır.

Rus heykeli, anıtsal ve dekoratif heykel (İmparatorluk mimarisiyle ince düşünülmüş bir sentezden oluşur), şövale kompozisyonları ve zarafetle aydınlatılmış mezar taşları (I.P. Prokofiev, F.G. Gordeev, M.I. Kozlovsky ve I.P. Martos , FF Shchedrin, VI Demut-Malinovsky) ile temsil edilir. , SS Pimenov, II Terebenev), madalya sanatı eserleri (FP Tolstoy). Resimde, klasik gerçek türün önde gelen ustaları A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, erken A. A. Ivanov idi. Sanatın ilkeleri, F. I. Shubin'in etkileyici psikolojik heykel portrelerine, D. G. Levitsky ve V. L. Borovikovsky'nin resimsel portrelerine, F. M. Matveev'in manzaralarına ve F. P. Tolstoy'un şiirsel grafiklerine de yansıdı. Rus Karelya sanatının dekoratif ve uygulamalı sanatında, genel olarak Karelya kültürünün (sanatsal metal, porselen, kristal, vb.) Karelya ağacından yapılmış, teknik ve malzemelerinin özgünlüğü ile ayırt edilir. 19. yüzyılın 1. yarısında. Demokratik akımın ustalarının mücadele ettiği ruhsuz akademik planlar, Rus sinematografisinin güzel sanatlarının giderek daha karakteristik bir özelliği haline geldi.

A.I. Kaplun.

Tiyatro sanatında K., ortaçağ tiyatrosunun özelliği olan duyguların tasvirindeki abartıların üstesinden gelerek, dramatik bir çalışma fikrinin daha derin bir şekilde ifşa edilmesine katkıda bulundu. Gerçek sanatın zirvesine yükseltilmiş klasisist trajedinin performansının ustalığı, N. Boileau'nun klasisist estetiğinden gelen estetik ilkelere tabiydi. Akılcı yöntem, rol üzerinde bilinçli çalışma, aktörlerin yaratıcılığının ana koşulu haline gelir. Trajedinin aktörü, kahramanın gerçek deneyimlerinin yanılsamasını yaratmaya çalışmadan, duygusal olarak anlamlı bir şekilde şiir okumak zorunda kaldı. Ancak oyunculuk sanatında, K.'nin karakteristik bir çelişkisi ortaya çıktı - doğaya, akla ve gerçeğe dönme ilkesi, mahkeme, aristokrat zevk normlarıyla sınırlıydı. Bir bütün olarak klasist performans, ihtişamlı, statik, oyuncular tarihsel ve günlük somutluktan yoksun sahne arka planına karşı hareket ettiler (örneğin, isteğe bağlı olarak bir saray). K.'nin oyunculuk konusundaki iddiası, Fransız aktörler Mondori, Floridor, T. Duparc ve M. Chanmelet'in çalışmaları ile ilişkilidir. 18. yüzyılda Aydınlanma kültürü, A. Lequesne, I. Cleron ve M. Dumesnil'in eserlerinde ifade edildi. Etik ve yurttaşlık duygulanımları, saraylı K.'nın salon karmaşıklığının üstesinden geldi. Demokratik eğilimler K., en açık şekilde Molière'in sahne pratiğinde kendini gösterdi. Fransız Devrimi döneminde, başta F. J. Talma olmak üzere ilerici tiyatro figürleri, sinemaya yeni, devrimci, kahramanca bir ses kazandırdı. 17. ve 18. yüzyıllarda Fransız tiyatrosu diğer Avrupa ülkelerindeki tiyatroyu etkilemiştir; en büyük temsilcileri Almanya'da K. Neuber, İngiltere'de T. Betterton, J. Kemble'dır. Fransa tiyatrosunda K.'nin canlı bir tezahürü, E. Rachel'ın eseridir. 19. ve 20. yüzyılın başlarında (yüzyıllar), sinematografinin estetik normları, Comédie Francaise tiyatrosunun performanslarına ve J. Mounet-Sully, Sarah Bernhardt ve diğer aktörlerin performanslarına yansıdı.

Klasisizm nedir?

klasisizm- bu, 17. yüzyılın Avrupa edebiyatında gelişen, antik sanatın en yüksek model, ideal ve antik çağ eserlerinin sanatsal bir norm olarak tanınmasına dayanan sanatsal bir yöndür. Estetik, akılcılık ve “doğanın taklidi” ilkesine dayanır. Aklın kültü. Bir sanat eseri, yapay, mantıksal olarak inşa edilmiş bir bütün olarak düzenlenir. Sıkı arsa-bileşim organizasyonu, şematizm. İnsan karakterleri düz bir çizgide özetlenmiştir; olumlu ve olumsuz karakterler zıttır. Kamuya, yurttaşlık sorunlarına aktif çağrı. Hikayenin nesnelliğini vurguladı. Türlerin katı hiyerarşisi. Yüksek: trajedi, epik, kaside. Düşük: komedi, hiciv, masal. Yüksek ve düşük türlerin karıştırılmasına izin verilmez. Önde gelen tür trajedidir.

Klasisizm, edebiyat tarihine bir kavram olarak 19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında girmiştir. Ana işaretleri, 17. yüzyılın dramatik teorisine ve N. Boileau'nun Poetic Art adlı eserinin (1674) ana fikirlerine göre belirlendi. Klasisizm, antik sanata yönelik bir yön olarak kabul edildi. Klasisizm tanımında, her şeyden önce, ifadenin netliği ve doğruluğu, eski modellerle uyum ve kurallara katı bir şekilde uyma arzusunu vurguladılar. Klasisizm çağında, sanatsal zamanın, sanatsal mekanın ve olayların organizasyonunu belirleyen üç kuralın sembolü haline gelen üç birliğin ilkeleri (zaman birliği, yer birliği, eylem birliği) zorunluydu. dramaturjide. Klasisizm, uzun ömürlülüğünü, bu eğilimin yazarlarının kendi yaratıcılıklarını kişisel bir kendini ifade etme yolu olarak değil, evrensel, değişmeyen, kalıcı bir kategori olarak güzel doğaya hitap eden gerçek sanatın normu olarak anlamalarına borçludur. Sıkı seçim, uyumlu kompozisyon, bir dizi belirli tema, motif, kelimenin sanatsal yansımasının nesnesi haline gelen gerçekliğin malzemesi, klasik yazarlar için gerçek hayatın çelişkilerini estetik olarak aşma girişimiydi. Klasisizm şiiri, anlamın netliği ve üslupsal ifadenin basitliği için çaba gösterir. Aforizmalar (maksimler) ve karakterler gibi nesir türleri klasisizmde aktif olarak gelişiyor olsa da, dramatik eserler ve tiyatronun kendisi, hem ahlaki hem de eğlenceli işlevleri parlak ve organik bir şekilde yerine getirebilen, özellikle önemlidir.

Klasisizmin kolektif estetik normu, sözde iyi toplum tarafından geliştirilen iyi beğeni kategorisidir. Klasisizmin tadı, kısalığı, iddialılığı ve ifadenin karmaşıklığını - abartılı için netlik ve sadeliği - nezih tercih eder. Klasisizmin ana yasası, şeyleri ve insanları gerçekte oldukları gibi değil, ahlaki normlara göre olması gerektiği gibi tasvir eden sanatsal akla yatkınlıktır. Klasisizmdeki karakterler, onları evrensel evrensel türlere dönüştürmesi gereken bir baskın özelliğin tahsisi üzerine kuruludur.

Klasisizm tarafından stilin sadeliği ve netliği, görüntülerin anlamsal doluluğu, yapımdaki orantı ve normlar, işlerin arsa ve arsası için ortaya konan gereksinimler, estetik alaka düzeyini korumaktadır.

Klasisizm (Latin classicus'tan - “örnek”), yüksek sivil temalar, belirli yaratıcı normlara ve kurallara sıkı sıkıya bağlı kalma ile karakterize edilen, 17. - 19. yüzyılın başlarında sanat ve edebiyatta sanatsal bir yöndür (akış). Batı'da, muhteşem baroklara karşı mücadelede klasisizm oluştu. Klasisizmin 17. - 18. yüzyıllarda Avrupa'nın sanatsal yaşamı üzerindeki etkisi. geniş ve uzun vadeliydi ve mimaride 19. yüzyıla kadar devam etti. Belli bir sanatsal yön olarak klasisizm, bir model olan evrensel “norm” a doğru çekilen ideal görüntülerde hayatı yansıtma eğilimindedir. Klasisizmde antik çağ kültü buradan kaynaklanır: Klasik antik çağ, onda mükemmel ve uyumlu bir sanat örneği olarak görünür.

Yazarlar ve sanatçılar genellikle eski mitlerin görüntülerine başvururlar (bkz. Eski Edebiyat).

Klasisizm 17. yüzyılda Fransa'da gelişti: dramada (P. Corneille, J. Racine, J. B. Molière), şiirde (J. La Fontaine), resimde (N. Poussin), mimaride. XVII yüzyılın sonunda. N. Boileau ("Şiirsel Sanat" şiirinde, 1674), diğer ülkelerde klasisizmin oluşumu üzerinde büyük etkisi olan ayrıntılı bir estetik klasisizm teorisi yarattı.

Corneille ve Racine'in eserlerinde ideolojik ve sanatsal doruklara ulaşan Fransız klasik trajedisinin temelinde kişisel çıkarlar ve vatandaşlık görevinin çatışması yatmaktadır. Corneille'in karakterleri (Sid, Horace, Cinna) cesur, sert, görev tarafından yönlendirilen, kendilerini tamamen devlet çıkarlarına hizmet etmeye tabi tutan insanlardır. Karakterlerinde çelişkili zihinsel hareketler sergileyen Corneille ve Racine, bir kişinin iç dünyasını tasvir etme alanında olağanüstü keşifler yaptılar. İnsan ruhunun incelenmesinin pathos'u ile dolu olan trajedi, "üç birliğin" ünlü kurallarına - zaman, yer ve eylem - kolayca uyan minimum dış eylem içeriyordu.

Türlerin hiyerarşisine sıkı sıkıya bağlı olan klasisist estetiğin kurallarına göre, trajedi (ode ve epik ile birlikte) “yüksek türlere” aitti ve özellikle önemli sosyal problemler geliştirmek zorunda kaldı, eski ve tarihi kaynaklara başvurdu. kurgular ve yalnızca yüce kahramanlık yanlarını yansıtır. Modern gerçekliği yansıtmak için tasarlanmış komedi, masal, hiciv, vb. gibi "yüksek türler", "düşük" türler tarafından karşılandı. Masal türünde, Lafontaine Fransa'da ve komedi türünde Molière'de ünlendi.

Aydınlanma'nın ilerici fikirlerinin nüfuz ettiği 17. yüzyılda klasisizm, feodal dünyanın düzenine, doğal insan haklarının korunmasına ve özgürlüğü seven motiflere yönelik tutkulu eleştirilerle doluydu. Aynı zamanda ulusal tarihi konulara büyük bir ilgi ile ayırt edilir. Aydınlanma klasisizminin başlıca temsilcileri Fransa'da Voltaire, Almanya'da J. W. Goethe ve J. F. Schiller'dir (1990'larda).

Rus klasisizmi 18. yüzyılın ikinci çeyreğinde, A. D. Kantemir, V. K. Trediakovski, M. V. Lomonosov'un eserlerinde ortaya çıktı ve yüzyılın ikinci yarısında A. P. Sumarokov, D. I. Fonvizin, MM Kheraskov, VA'nın eserlerinde gelişmeye ulaştı. Ozerova, Ya.B. Knyazhnina, GR Derzhavin. Ode ve destandan masal ve komediye kadar en önemli türleri sunar. Ünlü hiciv komedileri Brigadier and Undergrowth'un yazarı D. I. Fonvizin, dikkate değer bir komedyendi. Rus klasik trajedisi, ulusal tarihe büyük bir ilgi gösterdi (A.P. Sumarokov'dan Dimitri the Pretender, Ya.B. Knyaznin'den Vadim Novgorodsky ve diğerleri).

XVIII'in sonunda - XIX yüzyılın başında. Hem Rusya'da hem de Avrupa'da klasisizm krizde. Dar bir uzlaşımlar çemberine kapanarak yaşamla temasını giderek kaybediyor. Şu anda, klasisizm, özellikle romantiklerden keskin eleştirilere maruz kalıyor.

Klasisizm Klasisizm

En önemli özelliklerinden biri, ideal bir estetik standart olarak antik sanat biçimlerine hitap eden 17. - 19. yüzyılın başlarında Avrupa sanatında sanatsal stil. Rönesans geleneklerini sürdüren (eski uyum ve ölçü ideallerine hayranlık, insan aklının gücüne inanç), klasisizm de onun bir tür antiteziydi, çünkü Rönesans uyumunun, duygu ve aklın birliği, uyumlu bir bütün olarak dünyanın estetik deneyiminin eğilimi kayboldu. Klasisizmde toplum ve kişilik, insan ve doğa, unsurlar ve bilinç gibi kavramlar kutuplaşır, birbirini dışlar hale gelir, bu da onu (tüm kardinal dünya görüşünü ve üslup farklılıklarını korurken) barok'a yaklaştırır, ayrıca genel uyumsuzluk bilinciyle doludur. Rönesans ideallerinin krizi tarafından yaratıldı. Genellikle, 17. yüzyılın klasisizmi ayırt edilir. ve XVIII - XIX yüzyılın başlarında. (yabancı sanat tarihinde ikincisi genellikle neoklasizm olarak adlandırılır), ancak plastik sanatlarda klasisizm eğilimleri 16. yüzyılın ikinci yarısında zaten ana hatlarıyla belirtilmişti. İtalya'da - Palladio'nun mimari teorisi ve pratiğinde, Vignola'nın teorik incelemeleri, S. Serlio; daha tutarlı bir şekilde - G. P. Bellori'nin (XVII yüzyıl) yazılarında ve Bologna okulunun akademisyenlerinin estetik standartlarında. Ancak, XVII yüzyılda. Barok ile şiddetli bir polemik etkileşimi içinde gelişen klasisizm, yalnızca Fransız sanat kültüründe bütünleyici bir üslup sistemi haline geldi. Fransız sanat kültürünün bağrında, 18. yüzyılın klasisizmi de ağırlıklı olarak bir pan-Avrupa tarzı haline geldi. Klasisizm estetiğinin altında yatan rasyonalizm ilkeleri (R. Descartes ve Kartezyenizmin felsefi fikirlerini belirleyenle aynı), bir sanat eserinin, duyusal olarak algılanan yaşamın kaosu ve akışkanlığı üzerinde zafer kazanan, akıl ve mantığın meyvesi olarak görüşünü belirledi. . Klasisizmde estetik değer yalnızca kalıcıdır, zamansızdır. Sanatın sosyal ve eğitici işlevine büyük önem veren klasisizm, kahramanlarının imajını oluşturan yeni etik normlar ortaya koyar: kaderin zulmüne ve yaşamın iniş çıkışlarına direnç, kişisel olanın ortak olana tabi olması, görev tutkuları, akıl, toplumun üstün çıkarları, evrenin yasaları. Makul bir başlangıca yönelim, kalıcı kalıplara yönelim, aynı zamanda klasisizm estetiğinin normatif gereksinimlerini, sanatsal kuralların düzenlenmesini, "yüksek" (tarihsel, mitolojik, dini) ile "düşük" veya "aralarında katı bir tür hiyerarşisini belirledi. küçük" (manzara, portre, natürmort); her türün katı içerik sınırları ve net biçimsel özellikleri vardı. Paris'te kurulan Kraliyet Okullarının faaliyetleri, klasisizmin teorik doktrinlerinin sağlamlaşmasına katkıda bulundu. Akademiler - resim ve heykel (1648) ve mimari (1671).

Bir bütün olarak klasisizm mimarisi, üç boyutlu bir formun mantıksal düzeni ve geometrisi ile karakterize edilir. Klasisizm mimarlarının antik mimarinin mirasına sürekli olarak başvurması, yalnızca bireysel motiflerinin ve unsurlarının kullanılması değil, aynı zamanda arkitektonik genel yasalarının anlaşılması anlamına da geliyordu. Klasisizmin mimari dilinin temeli, önceki dönemlerin mimarisinden ziyade antik çağa daha yakın oranlarda ve formlarda düzendi; binalarda, binanın genel yapısını karartmayacak, ancak onun incelikli ve ölçülü eşlikçisi olacak şekilde kullanılır. Klasisizmin içi, mekansal bölünmelerin netliği, renklerin yumuşaklığı ile karakterizedir. Anıtsal ve dekoratif resimde perspektif efektlerini yaygın olarak kullanan klasisizm ustaları, yanıltıcı alanı gerçek olandan temelden ayırdı. Genetik olarak Rönesans ve Barok ilkeleriyle bağlantılı olan 17. yüzyılın klasisizminin kentsel planlaması, aktif olarak (müstahkem şehirlerin planlarında) "ideal şehir" kavramını geliştirdi, kendi düzenli mutlakiyetçi şehir konutunu yarattı. (Versay). XVIII yüzyılın ikinci yarısında. kentsel gelişimin doğa unsurlarıyla organik bir şekilde birleştirilmesini, mekansal olarak sokak veya set ile birleşen açık alanların yaratılmasını sağlayan yeni planlama yöntemleri ortaya çıkıyor. Laconic dekorun inceliği, formların uygunluğu, doğa ile ayrılmaz bağlantı, 18. - 19. yüzyılın başlarında Palladyanizm temsilcilerinin binalarında (esas olarak ülke sarayları ve villaları) doğasında vardır.

Klasisizm mimarisinin tektonik netliği, heykel ve resimdeki planların net bir şekilde sınırlandırılmasına karşılık gelir. Klasisizm plastiği, kural olarak, sabit bir bakış açısı için tasarlanmıştır, formların düzgünlüğü ile ayırt edilir. Figürlerin pozlarındaki hareket anı genellikle plastik izolasyonlarını ve sakin heykellerini ihlal etmez. Klasisizm resminde, formun ana unsurları çizgi ve chiaroscuro'dur (özellikle geç klasisizmde, resim bazen monokroma ve grafikler saf doğrusallığa doğru çekilirken); yerel renk, resmin mekansal kompozisyonunu sahnenin kompozisyonuna yaklaştırır, nesneleri ve peyzaj planlarını (kahverengi - yakın için, yeşil - orta için, mavi - uzak planlar için) açıkça ortaya çıkarır.

17. yüzyılın klasisizminin kurucusu ve en büyük ustası. resimleri felsefi ve etik içeriğin yüceliği, ritmik yapı ve renk uyumu ile işaretlenen Fransız sanatçı N. Poussin'di. 17. yüzyılın klasisizm resminde yüksek gelişme. insanlığın "altın çağı" klasikçilerinin rüyasını somutlaştıran bir "ideal manzara" (Poussin, C. Lorrain, G. Duguet) aldı. Fransız mimarisinde klasisizmin oluşumu, kompozisyonun netliği ve düzen bölümleri ile işaretlenmiş F. Mansart'ın binalarıyla ilişkilidir. 17. yüzyıl mimarisinde olgun klasisizm örnekleri. - Louvre'un doğu cephesi (C. Perrault), L. Levo, F. Blondel'in eseri. XVII yüzyılın ikinci yarısından itibaren. Fransız klasisizmi, barok mimarinin bazı unsurlarını içerir (Versay sarayı ve parkı - mimarlar J. Hardouin-Mansart, A. Le Nôtre). XVII - XVIII yüzyılın başlarında. Klasisizm, özellikle kısıtlanmış bir versiyonuna yol açan Hollanda mimarisinde (mimarlar J. van Kampen, P. Post) ve ulusal mimarlığın olduğu İngiltere'nin "Palladian" mimarisinde (mimar I. Jones) kuruldu. versiyon nihayet K. Ren ve diğer İngiliz klasisizminin eserlerinde kuruldu. Fransız ve Hollanda klasisizminin yanı sıra erken barok ile çapraz bağlantılar, 17. yüzyılın sonlarında ve 18. yüzyılın başlarında İsveç mimarisinde klasisizmin kısa, parlak çiçeklenmesine yansıdı. (mimar N. Genç Tessin).

XVIII yüzyılın ortalarında. klasisizm ilkeleri, Aydınlanma estetiğinin ruhu içinde dönüştürülmüştür. Mimaride, "doğallığa" itiraz, iç mekanda kompozisyonun düzen unsurlarının yapıcı bir şekilde gerekçelendirilmesi gerekliliğini ortaya koydu - konforlu bir konut binasının esnek bir düzeninin geliştirilmesi. "İngiliz" parkının peyzaj ortamı, ev için ideal ortam haline geldi. XVIII yüzyılın klasisizmi üzerinde büyük bir etki. Yunan ve Roma antikitesi (Herculaneum, Pompeii, vb.'nin yarıkları) hakkında hızlı bir arkeolojik bilgi gelişimine sahipti; I. I. Winkelmann, J. V. Goethe ve F. Militsiya'nın eserleri klasisizm teorisine katkı sağladı. 18. yüzyılın Fransız klasisizmi. yeni mimari tipler tanımlandı: son derece samimi bir konak, bir ön kamu binası, açık bir şehir meydanı (mimarlar J. A. Gabriel, J. J. Souflot). Sivil pathos ve lirizm, J. B. Pigalle, E. M. Falcone, J. A. Houdon'un plastik sanatlarında, J. M. Vienne'in mitolojik resminde ve J. Robert'ın dekoratif manzaralarında birleştirildi. Fransız Devrimi'nin (1789-94) arifesi, mimaride ciddi bir sadelik arayışına, yeni, düzensiz bir mimarinin anıtsal geometrisi için cesur bir arayışa yol açtı (K.N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeux). Bu arayışlar (aynı zamanda G. B. Piranesi'nin mimari gravürlerinin etkisiyle de not edilmiştir), klasisizmin geç evresi olan İmparatorluk için başlangıç ​​noktası olarak hizmet etmiştir. Fransız klasisizminin devrimci yönünün resmi, J. L. David'in tarihi ve portre görüntülerinin cesur dramasıyla temsil edilir. Napolyon I imparatorluğu yıllarında, mimaride muhteşem temsil gücü büyüyordu (C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin). Geç klasisizmin resmi, bireysel büyük ustaların (J. O. D. Ingres) ortaya çıkmasına rağmen, resmi özür dileyen veya duygusal erotik salon sanatına dönüşür.

18. yüzyılın uluslararası klasisizm merkezi - 19. yüzyılın başlarında. Akademik geleneğin, formların asaleti ve soğuk, soyut idealleştirmenin bir kombinasyonu ile sanatta egemen olduğu Roma oldu, bu da akademizm için nadir değildir (Alman ressam AR Mengs, Avusturyalı peyzaj ressamı IA Koch, heykeltıraşlar - İtalyan A. Canova, Dane B . Thorvaldsen) . 18. yüzyılın Alman klasisizmi için - 19. yüzyılın başlarında. mimari, Palladyan F. W. Erdmansdorf'un katı formları, C. G. Langhans, D. ve F. Gilly'nin "kahramanca" Helenizmi ile karakterize edilir. Mimaride geç Alman klasisizminin zirvesi olan K. F. Schinkel'in çalışmasında, görüntülerin şiddetli anıtsallığı, yeni işlevsel çözümler arayışıyla birleşiyor. Alman klasisizminin görsel sanatında, ruhta tefekkür, A. ve V. Tishbein'in portreleri, A. Ya. Karstens'in mitolojik karikatürleri, I. G. Shadov, K. D. Raukh'un plastik sanatı öne çıkıyor; sanat ve zanaat - mobilya D. Roentgen. 18. yüzyılın İngiliz mimarisi. Palladyan yönünün hakim olduğu, banliyö park sitelerinin gelişmesiyle yakından ilişkili (mimarlar W. Kent, J. Payne, W. Chambers). Antik arkeolojinin keşifleri, R. Adam'ın binalarının düzen dekorunun özel zarafetine yansıdı. XIX yüzyılın başında. İmparatorluk stilinin (J. Soane) özellikleri İngiliz mimarisinde görülür. İngiliz klasisizminin mimarideki ulusal başarısı, bir konut ve bir şehrin tasarımında yüksek bir kültür seviyesi, bahçe şehir fikrinin ruhunda cesur kentsel planlama girişimleriydi (mimarlar J. Wood, J. Wood Jr., J. . Nash). Diğer sanatlarda, J. Flaxman'ın grafikleri ve heykelleri klasisizm, dekoratif ve uygulamalı sanatta - J. Wedgwood'un seramikleri ve Derby'deki fabrikanın ustaları. XVIII - XIX yüzyılın başlarında. Klasisizm ayrıca İtalya (mimar G. Piermarini), İspanya (mimar X. de Villanueva), Belçika, Doğu Avrupa ülkeleri, İskandinavya, ABD'de (mimarlar G. Jefferson, J. Hoban; ressamlar B. West ve J. S. Collie'de) kuruldu. ). XIX yüzyılın ilk üçte birinin sonunda. klasisizmin öncü rolü boşa çıkıyor; 19. yüzyılın ikinci yarısında. klasisizm, seçmeciliğin sözde-tarihsel tarzlarından biridir. Aynı zamanda, klasisizmin sanatsal geleneği, 19. ve 20. yüzyılın ikinci yarısında neoklasizmde hayat buluyor.

Rus klasisizminin altın çağı, 18. yüzyılın son üçte birine - 19. yüzyılın ilk üçte birine aittir, ancak zaten 18. yüzyılın başıdır. 17. yüzyıl Fransız klasisizminin kentsel planlama deneyimine yaratıcı bir çekicilik (St. Petersburg mimarisinde) ile işaretlenmiştir. (simetrik eksenli planlama sistemleri ilkesi). Rus klasisizmi, Rus laik kültürünün gelişmesinde, kapsam, ulusal pathos ve ideolojik doluluk açısından Rusya için eşi görülmemiş yeni bir tarihsel aşamayı somutlaştırdı. Mimaride erken dönem Rus klasisizmi (1760-70'ler; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) hala barok ve rokokoya özgü plastik zenginleştirme ve dinamik formları koruyor. Olgun klasisizm döneminin mimarları (1770-90'lar; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov), başkentin saray mülkünün klasik türlerini ve banliyö asil mülklerinin geniş yapımında model haline gelen geniş ve konforlu bir konut binasını yarattı. ve şehirlerin yeni, ön binasında. Banliyö park sitelerindeki topluluk sanatı, Rus klasisizminin dünya sanat kültürüne büyük bir ulusal katkısıdır. Palladyanizmin Rus çeşidi malikane yapımında (N. A. Lvov) ortaya çıktı ve yeni bir tür oda sarayı geliştirildi (C. Cameron, J. Quarenghi). Mimaride Rus klasisizminin bir özelliği, benzeri görülmemiş bir organize devlet şehir planlaması ölçeğidir: 400'den fazla şehir için düzenli planlar geliştirildi, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl ve diğer şehirlerin merkezlerinin toplulukları oluşturuldu; kentsel planların "düzenlenmesi" uygulaması, bir kural olarak, klasisizm ilkelerini eski Rus şehrinin tarihsel olarak kurulmuş planlama yapısı ile art arda birleştirdi. XVIII-XIX yüzyılların dönüşü. her iki başkentte de en büyük kentsel gelişim başarıları ile işaretlenmiştir. Petersburg merkezinin görkemli bir topluluğu kuruldu (A.N. Voronikhin, A.D. Zakharov, J. Thomas de Thomon, daha sonra K. I. Rossi). Diğer kentsel planlama ilkelerine göre, 1812 yangınından sonra restorasyon ve yeniden yapılanma döneminde rahat iç mekanlara sahip küçük konaklarla inşa edilen "klasik Moskova" kuruldu. Buradaki düzenliliğin başlangıcı, sürekli olarak şehrin mekansal yapısının genel resimsel özgürlüğüne tabiydi. Geç Moskova klasisizminin en önde gelen mimarları D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev'dir.

Görsel sanatlarda, Rus klasisizminin gelişimi, St. Petersburg Sanat Akademisi (1757'de kuruldu) ile yakından bağlantılıdır. Rus klasisizminin heykeli, İmparatorluk mimarisiyle ince düşünülmüş bir sentez olan "kahramanca" anıtsal-dekoratif plastik, sivil pathoslarla dolu anıtlar, mersiye-aydınlanmış mezar taşları, şövale plastiği (I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky) ile temsil edilmektedir. , IP Martos, FF Shchedrin, VI Demut-Malinovsky, SS Pimenov, II Terebenev). Resimdeki Rus klasisizmi, tarihsel ve mitolojik türlerin eserlerinde en açık şekilde kendini gösterdi (A.P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, erken A. A. Ivanov). Klasisizmin bazı özellikleri, F. I. Shubin'in ince psikolojik heykel portrelerinde, resimde - D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, F. M. Matveev'in manzaralarında da içseldir. Rus klasisizminin dekoratif ve uygulamalı sanatında, mimaride sanatsal modelleme ve oymacılık, bronz ürünler, dökme demir, porselen, kristal, mobilya, damask kumaşlar vb. Rus klasisizminin güzel sanatları için, demokratik yönün ustalarının savaştığı ruhsuz, aşırı zorlama akademik şematizm giderek daha karakteristik hale geliyor.

C. Lorrain. "Sabah" ("Yakup'un Rachel ile Buluşması"). 1666. İnziva Yeri. Leningrad.

B. Thorvaldsen. "Jason". Mermer. 1802 - 1803. Thorvaldson Müzesi. Kopenhag.

J.L. David. "Paris ve Helena". 1788. Louvre. Paris.

Edebiyat: N. N. Kovalenskaya, Rus klasisizmi, M., 1964; Rönesans. Barok. Klasisizm. XV-XVII yüzyılların Batı Avrupa sanatında üslup sorunu, M., 1966; E. I. Rotenberg, 17. yüzyılın Batı Avrupa sanatı, M., 1971; XVIII yüzyılın sanatsal kültürü. Bilimsel konferans materyalleri, 1973, M., 1974; E. V. Nikolaev, Klasik Moskova, Moskova, 1975; Batı Avrupalı ​​klasikçilerin edebi manifestoları, M., 1980; Eski ve yeni tartışması, (Fransızcadan çevrilmiş), M., 1985; Zeitier R., Klassizismus und Utopia, Stockh., 1954; Kaufmann E., Akıl Çağında Mimarlık, Camb. (Kitle), 1955; Hautecoeur L., L "histoire de l" mimarlık klasiği en Fransa, v. 1-7, S., 1943-57; Tapiy V., Baroque et classicisme, 2. d., P., 1972; Greenhalgh M., Sanatta Klasik Gelenek, L., 1979.

Kaynak: Popüler Sanat Ansiklopedisi. Ed. Alan VM; M.: Yayınevi "Sovyet Ansiklopedisi", 1986.)

(lat. classicus'tan - örnek niteliğinde), Avrupa sanatında sanatsal stil ve yön 17 - erken. 19. yüzyılın önemli bir özelliği, antik çağın mirasına (Antik Yunanistan ve Roma) bir norm ve ideal bir model olarak hitap etmesiydi. Klasisizmin estetiği, rasyonalizm, bir eser yaratmak için belirli kurallar koyma arzusu, katı bir tür hiyerarşisi (tabii) ile karakterize edilir ve türler Sanat. Mimarlık, sanatların sentezinde hüküm sürdü. Resimdeki yüksek türler tarihi, dini ve mitolojik resimler olarak kabul edildi ve izleyiciye takip etmesi için kahramanca örnekler verdi; en düşük - portre, manzara, natürmort, günlük resim. Her tür için katı sınırlar ve iyi tanımlanmış biçimsel işaretler öngörülmüştür; yüce ile temelin, trajik olanın komik olanla, kahramanın sıradan olanla karıştırılmasına izin verilmedi. Klasisizm bir zıtlık tarzıdır. İdeologları, halkın kişisel olana, aklın duygulara, görev duygusunun arzulara üstünlüğünü ilan ettiler. Klasik eserler özlülük, açık tasarım mantığı, denge ile ayırt edilir. kompozisyonlar.

Tarzın gelişiminde iki dönem ayırt edilir: 17. yüzyılın klasisizmi. ve neoklasizm ikinci kat. 18 - 19. yüzyılın ilk üçte biri. Peter I'in reformlarından önce kültürün ortaçağda kaldığı Rusya'da, stil kendini yalnızca sondan itibaren gösterdi. 18. yüzyıl Bu nedenle, Rus sanat tarihinde, Batı'nın aksine, klasisizm, 1760'lar-1830'ların Rus sanatı anlamına gelir.

Klasisizm 17. yüzyıl kendisini esas olarak Fransa'da gösterdi ve barok. A.'nın mimarisinde. paladyo birçok ustaya model oldu. Klasik yapılar, geometrik şekillerin netliği ve planlamanın netliği, antik mimarinin motiflerine ve hepsinden önemlisi düzen sistemine hitap etmesiyle ayırt edilir (bkz. mimari düzen). Mimarlar giderek daha fazla kullanıyor kiriş sonrası yapı, binalarda, kompozisyonun simetrisi açıkça ortaya çıktı, düz çizgiler kavisli olanlara tercih edildi. Duvarlar, yatıştırıcı renklerde boyanmış pürüzsüz yüzeyler, özlü heykelsi olarak yorumlanır. dekor yapısal unsurları vurgular (F. Mansard'ın binaları, doğu cephesi Louvre, C. Perrault tarafından yaratılmıştır; L. Levo, F. Blondel'in eserleri). İkinci kattan. 17. yüzyıl Fransız klasisizmi, gitgide daha fazla barok unsur içeriyor ( Versay, mimar J. Hardouin-Mansart ve diğerleri, parkın düzeni - A. Le Nôtre).

Heykele dengeli, kapalı, özlü hacimler hakimdir, genellikle sabit bir bakış açısı için tasarlanmıştır, dikkatlice cilalanmış bir yüzey soğuk bir parlaklıkla parlar (F. Girardon, A. Coisevox).
Paris'te Kraliyet Mimarlık Akademisi'nin (1671) ve Kraliyet Resim ve Heykel Akademisi'nin (1648) kurulması, klasisizm ilkelerinin pekiştirilmesine katkıda bulundu. İkincisine, 1662'den itibaren Versailles Sarayı'nın Ayna Galerisi'ni (1678–84) boyayan XIV. Louis'nin ilk ressamı Ch. Lebrun başkanlık etti. Resimde, çizginin renkten önceliği kabul edildi, net bir çizim ve heykel formlarına değer verildi; yerel (saf, karıştırılmamış) renkler tercih edildi. Akademi'de geliştirilen klasik sistem, arsa geliştirmeye hizmet etti ve alegoriler hükümdarı yücelten ("güneş kralı", ışık tanrısı ve sanatın hamisi Apollo ile ilişkilendirildi). En seçkin klasik ressamlar - N. civciv ve K. Lorrain hayatlarını ve çalışmalarını Roma ile ilişkilendirdi. Poussin, antik tarihi kahramanlık eylemlerinin bir koleksiyonu olarak yorumlar; sonraki döneminde resimlerinde destansı heybetli manzaranın rolü arttı. Yurttaş Lorrain, altın çağın hayalinin hayat bulduğu ideal manzaralar yarattı - insan ve doğa arasında mutlu bir uyum çağı.

1760'larda neoklasizmin yükselişi tarzına aykırı oldu rokoko. Tarz fikirlerin etkisi altında şekillendi aydınlanma. Gelişiminde üç ana dönem ayırt edilebilir: erken (1760–80), olgun (1780–1800) ve geç (1800–30), aksi halde stil olarak adlandırılır. imparatorluk ile aynı zamanda gelişen romantizm. Neoklasizm, Avrupa ve Amerika'da popülerlik kazanan uluslararası bir tarz haline geldi. En açık şekilde, Büyük Britanya, Fransa ve Rusya sanatında somutlaşmıştı. Herculaneum antik Roma kentlerinde arkeolojik buluntular ve Pompei. Pompei motifleri freskler ve öğeler Sanat ve El işi sanatçılar tarafından yaygın olarak kullanılmaya başlanmıştır. Tarzın oluşumu, “asil sadeliği ve sakin ihtişamı” antik sanatın en önemli nitelikleri olarak gören Alman sanat tarihçisi I. I. Winkelmann'ın eserlerinden de etkilenmiştir.

18. yüzyılın ilk üçte birinde Büyük Britanya'da. mimarlar antik çağa ve A. Palladio'nun mirasına ilgi gösterdiler, neoklasizme geçiş pürüzsüz ve doğaldı (W. Kent, J. Payne, W. Chambers). Tarzın kurucularından biri, kardeşi James ile birlikte çalışan Robert Adam'dı (Cadlestone Hall, 1759–85). Adam'ın tarzı, Pompei freskleri ve antik Yunan ruhu içinde hafif ve zarif süslemeler kullandığı iç tasarımda açıkça kendini gösterdi. vazo boyama("Etrüsk Odası", Osterley Park Mansion, Londra, 1761-79). D. Wedgwood'un işletmelerinde, tüm Avrupa tarafından tanınan seramik tabaklar, mobilya için dekoratif kaplamalar ve klasik tarzda diğer süslemeler üretildi. Wedgwood için kabartma modeller heykeltıraş ve ressam D. Flaxman tarafından yapılmıştır.

Fransa'da mimar JA Gabriel, erken neoklasizm ruhuyla hem oda, ruh halindeki binalarda lirik (Versailles, 1762-68'de “Petit Trianon”) hem de Paris'te Louis XV Meydanı (şimdi Concorde) topluluğu yarattı. eşi benzeri görülmemiş bir açıklık kazanan kararla yeniydi. J. J. Soufflot tarafından inşa edilen St. Genevieve Kilisesi (1758–90; 18. yüzyılın sonlarında Pantheon'a dönüşmüştür), planında bir Yunan haçı vardır, büyük bir kubbe ile taçlandırılmıştır ve daha akademik ve kuru bir şekilde eski formları yeniden üretir. 18. yüzyılın Fransız heykelinde. neoklasisizm unsurları E. şahin, A.'nın mezar taşlarında ve büstlerinde. Houdon. Neoklasisizme daha yakın olan, başlangıçta O. Page'in (“Du Barry'nin Portresi”, 1773; J. L. L. Buffon Anıtı, 1776) eserleridir. 19. yüzyıl - Formda bir taban ile bir tür tören büstü yaratan D. A. Chode ve J. Shinar herm. Fransız neoklasizminin ve resimdeki İmparatorluğun en önemli ustası J. L. David. David'in tarihsel tuvallerindeki etik ideal, katılık ve uzlaşmazlık ile ayırt edildi. Horatii'nin Yemini'nde (1784), geç klasisizmin özellikleri plastik bir formülün netliğini kazandı.

Rus klasisizmi kendini en çok mimari, heykel ve tarihi resimde ifade etti. Rokoko'dan Klasisizm'e geçiş döneminin mimari eserleri, binaları içerir. Petersburg Sanat Akademisi(1764–88) A.F. Kokorinova ve J.B. Vallin-Delamot ve Mermer Saray (1768–1785) A. Rinaldi. Erken klasisizm, V.I. Bazhenov ve M.F. kazakova. Bazhenov'un projelerinin çoğu yerine getirilmedi, ancak ustanın mimari ve kentsel planlama fikirlerinin klasisizm tarzının oluşumu üzerinde önemli bir etkisi oldu. Bazhenov binalarının ayırt edici bir özelliği, ulusal geleneklerin incelikli kullanımı ve klasik binaları mevcut binalara organik olarak dahil etme yeteneğiydi. Pashkov Evi (1784-86), bir kır mülkünün özelliklerini koruyan tipik bir Moskova soylu konağı örneğidir. Tarzın en saf örnekleri, Moskova Kremlin'deki Senato binası (1776-87) ve Dolgoruky Evi (1784-90'lar). Moskova'da, Kazakov tarafından dikildi. Rusya'da klasisizmin ilk aşaması, esas olarak Fransa'nın mimari deneyimine odaklanmıştı; daha sonra antik çağın mirası ve A. Palladio (N. A. Lvov; D. Quarenghi) önemli bir rol oynamaya başladı. Olgun klasisizm, I.E.'nin çalışmasında gelişmiştir. Starova(Tauride Sarayı, 1783–89) ve D. Quarenghi (Tsarskoe Selo'daki İskender Sarayı, 1792–96). İmparatorluk mimarisinde erken. 19. yüzyıl mimarlar topluluk çözümleri için çabalıyor.
Rus klasik heykelinin özgünlüğü, çoğu ustanın çalışmasında (F. I. Shubin, I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov , I. I. Terebeneva) klasisizm, barok ve roko trendleriyle yakından iç içe geçmiştir. Klasisizm idealleri, şövale heykelinden daha anıtsal ve dekoratif olarak daha açık bir şekilde ifade edildi. Klasisizm en saf ifadesini I.P.'nin eserlerinde buldu. Martos mezar taşı türünde yüksek klasisizm örnekleri yaratan (S. S. Volkonskaya, M. P. Sobakina; her ikisi de - 1782). St. Petersburg'daki Mars Alanındaki A. V. Suvorov anıtındaki M. I. Kozlovsky, Rus komutanını elinde kılıç, zırh ve kaskla güçlü bir antik kahraman olarak sundu.
Resimde, klasisizm idealleri en tutarlı şekilde tarihi resimlerin ustaları tarafından ifade edildi (A.P. Losenko ve eserleri eski tarih ve mitoloji konularının hakim olduğu öğrencileri I. A. Akimov ve P. I. Sokolov). 18-19 yüzyılların başında. ulusal tarihe ilgi artıyor (G. I. Ugryumov).
Bir dizi resmi teknik olarak klasisizm ilkeleri 19. yüzyıl boyunca kullanılmaya devam etti. temsilciler akademizm.

Klasisizm, 17. yüzyılda Fransa'da geliştirilen edebi bir tarzdır. Avrupa'daki dağıtımını 17.-19. yüzyıllarda kazanmıştır. İdeal bir model olarak antikiteye dönüşen yön, rasyonalizm ve rasyonalite fikirlerine dayanarak, sosyal içeriği ifade etmeye, edebi türler hiyerarşisi kurmaya çalıştı. Klasisizmin dünya temsilcilerinden bahsetmişken, Racine, Moliere, Corneille, La Rochefoucauld, Boileau, Labruille, Goethe'den bahsetmemek mümkün değil. Mondori, Leken, Rachel, Talma, Dmitrievsky klasisizm fikirleriyle doluydu.

İdeal olanı gerçek, ebedi olanı geçici olarak gösterme arzusu - bu, klasisizmin karakteristik bir özelliğidir. Edebiyatta, belirli bir karakter değil, bir kahramanın, kötünün veya tabanın kolektif bir görüntüsü yaratılır. Klasisizmde türlerin, görüntülerin ve karakterlerin bir karışımı kabul edilemez. Burada kimsenin aşmasına izin verilmeyen sınırlar var.

Rus edebiyatında klasisizm, gazel ve trajedi gibi türlere özel önem veren sanatta belirli bir dönüş. Kurucu Lomonosov, trajediler - Sumarokov olarak kabul edilir. Ode, gazetecilik ve şarkı sözlerini birleştirdi. Komediler doğrudan eski zamanlarla ilgiliyken, trajediler ulusal tarihin figürlerini anlattı. Klasisizm döneminin büyük Rus figürlerinden bahsetmişken, Derzhavin, Knyazhnin, Sumarokov, Volkov, Fonvizin ve diğerlerinden bahsetmeye değer.

18. yüzyılın Rus edebiyatındaki ve Fransız edebiyatındaki klasisizm, çarlık iktidarının konumlarına dayanıyordu. Kendilerinin de söylediği gibi, sanat toplumun çıkarlarını korumalı, insanlara belirli bir sivil davranış ve ahlak fikri vermelidir. Devlete ve topluma hizmet etme fikirleri monarşinin çıkarlarıyla uyumludur, bu nedenle klasisizm Avrupa'da ve Rusya'da yaygınlaştı. Ancak, yalnızca hükümdarların gücünü yüceltme fikirleriyle ilişkilendirilmemeli, Rus yazarlar eserlerine "orta" katmanın çıkarlarını yansıttı.

Rus edebiyatında klasisizm. Ana Özellikler

Temel olanlar şunları içerir:

• antik çağa, çeşitli biçimlerine ve görüntülerine hitap etmek;
• zaman, eylem ve yer birliği ilkesi (bir hikaye hakimdir, eylem 1 güne kadar sürer);
• klasisizm komedilerinde, kötülüğe karşı iyi zaferler, kötülükler cezalandırılır, aşk çizgisi bir üçgene dayanır;
• karakterlerin "konuşan" adları ve soyadları vardır, kendilerinin olumlu ve olumsuz olarak net bir ayrımı vardır.

Tarihe girerken, Rusya'daki klasisizm çağının, bu türde ilk eser yazan yazardan (epigramlar, hicivler, vb.) geldiğini hatırlamakta fayda var. Bu dönemin yazar ve şairlerinin her biri kendi alanında öncü olmuştur. Lomonosov, edebi Rus dilinin reformunda ana rolü oynadı. Aynı zamanda, bir ayet reformu gerçekleşti.

Fedorov V.I.'nin dediği gibi, Rusya'da klasisizmin ortaya çıkması için ilk önkoşullar Büyük Peter döneminde (1689-1725'te) ortaya çıktı. Bir edebiyat türü olarak, klasisizm tarzı 1730'ların ortalarında kuruldu. 1960'ların ikinci yarısında hızlı gelişimi gerçekleşti. Süreli yayınlarda gazetecilik türlerinin bir şafağı var. Zaten 1770'e kadar gelişti, ancak kriz yüzyılın son çeyreğinde başladı. O zamana kadar, duygusallık nihayet şekillendi ve gerçekçilik eğilimleri yoğunlaştı. Klasisizmin son düşüşü, "Rus kelimesini sevenlerin konuşmaları" nın yayınlanmasından sonra meydana geldi.

1930'ların ve 1950'lerin Rus edebiyatındaki klasisizm, Aydınlanma bilimlerinin gelişimini de etkiledi. Şu anda, kilisenin ideolojisinden laikliğe bir geçiş oldu. Rusya'nın bilgiye ve yeni beyinlere ihtiyacı vardı. Bütün bunlar ona klasisizm verdi.