¿Qué es el clasicismo en la definición de arte? que es el clasicismo

Clasicismo(del latín (latín) classicus - ejemplar), estilo artístico y tendencia estética en la literatura y el arte europeos del siglo XVII - principios del siglo XIX (siglo), una de cuyas características importantes fue el atractivo de las imágenes y formas de la literatura antigua y el arte como patrón estético ideal.

K. se forma, experimentando la influencia de otras corrientes paneuropeas en el arte que están en contacto directo con él: se repele de la estética que le precedió. Renacimiento y se opone al arte que coexiste activamente con él barroco, imbuidos de la conciencia de discordia general generada por la crisis de los ideales de la era pasada. Continuando algunas de las tradiciones del Renacimiento (admiración por los antiguos, fe en la razón, ideal de armonía y mesura), K. era una especie de antítesis para él; Detrás de la armonía externa en K. se encuentra la antinomia interna de la cosmovisión, que la relaciona con el Barroco (a pesar de todas sus profundas diferencias). Lo genérico y lo individual, lo público y lo privado, la razón y el sentimiento, la civilización y la naturaleza, que (en una tendencia) actuaban como un todo armónico en el arte del Renacimiento, se polarizan en la cultura y se convierten en conceptos mutuamente excluyentes. Esto reflejó un nuevo estado histórico, cuando las esferas política y privada comenzaron a desintegrarse, y las relaciones sociales se convirtieron en una fuerza separada y abstracta para una persona. La idea de razón en el siglo XVII. inseparable de la idea del absolutismo (cf. Absolutismo ) el estado, que en ese momento, según K. Marx, actuaba "... como una mente universal ..." (ver K. Marx y F. Engels, Soch., 2nd ed., vol. 1, p. . 254), “... como centro civilizador, como principio unificador de la sociedad” (ibid., vol. 10, p. 431), como fuerza capaz de frenar la anarquía feudal e instaurar la calma y el orden en el país.

Los principios del racionalismo, correspondientes a las ideas filosóficas de R. Descartes Y cartesianismo, subyacen a la estética de K. Definen la visión de una obra de arte como una creación artificial: creada conscientemente, organizada razonablemente, construida lógicamente. Habiendo propuesto el principio de “imitación de la naturaleza”, los clasicistas lo consideran una condición indispensable para su estricta observancia de las reglas inquebrantables extraídas de la poética antigua (Aristóteles, Horacio) y del arte, que determinan las leyes de la forma artística, en la que se manifiesta la voluntad creativa razonable del escritor, convirtiendo el material de la vida en una obra de arte hermosa, lógicamente esbelta y clara. La transformación artística de la naturaleza, la transformación de la naturaleza en bella y ennoblecida, es al mismo tiempo un acto de su más alto conocimiento: el arte está llamado a revelar la regularidad ideal del universo, a menudo escondida detrás del caos y el desorden externos de la realidad. . Por lo tanto, la mente, al comprender la regularidad ideal, actúa como un principio "arrogante" en relación con las características individuales y la diversidad viviente de la vida. El valor estético para K. tiene solo genérico, perdurable, atemporal. En cada fenómeno, K. busca encontrar y captar sus rasgos esenciales y estables (esto se conecta con la apelación a la antigüedad como norma estética suprahistórica absoluta, así como los principios de tipificación de personajes que actúan como la encarnación de cualquier fuerzas sociales o espirituales). La imagen clásica gravita hacia un modelo en el que la vida se detiene en su forma idealmente eterna, es un espejo especial donde el individuo se convierte en genérico, lo temporal en eterno, lo real en ideal, la historia en mito, retrata lo que está en todas partes y lo que es. no en ninguna parte de la realidad; es el triunfo de la razón y el orden sobre el caos y el fluido empirismo de la vida. La encarnación de elevadas ideas éticas en formas armónicamente hermosas y apropiadas para ellas confiere a las obras creadas de acuerdo con los cánones de la cultura un matiz de utopismo, que también se debe al hecho de que la estética de la cultura concede gran importancia a la función social y educativa. de arte.

La estética K. establece una estricta jerarquía de géneros, que se dividen en "altos" (tragedia, épica, oda y en pintura: géneros históricos, mitológicos y religiosos; su esfera es la vida estatal o la historia religiosa, sus héroes son monarcas, comandantes , personajes mitológicos , ascetas religiosos) y "bajo" (comedia, sátira, fábula, que representa la vida cotidiana privada de las personas de la clase media y en la pintura, el llamado "pequeño género", paisaje, retrato, naturaleza muerta) . Cada género tiene límites estrictos y características formales claras; no se permite mezclar lo sublime y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo heroico y lo mundano.

K. en la literatura. La poesía de la poesía comenzó a tomar forma durante el Renacimiento tardío en Italia (en la poética de L. Castelvetro y J. Ts. Scaliger), pero tomó forma como un sistema artístico integral solo en Francia en el siglo XVII, durante el período de consolidación y florecimiento del absolutismo.

La poética de la cinematografía francesa toma cuerpo y se realiza gradualmente en la lucha contra literatura de precisión Y burlesco, pero sólo recibe una expresión sistémica completa en el “Arte poético” (1674) de N. búalo, que resume la experiencia artística de la literatura francesa del siglo XVII.

El fundador de la poesía y la poética de K. fue F. Malherbe; la reforma de la lengua y el verso llevada a cabo por él fue consolidada por la Academia Francesa, a la que se le encomendó la tarea de crear un canon lingüístico y literario universalmente vinculante. El género principal de la cinematografía fue tragedia resolviendo los problemas sociales y morales más importantes del siglo. En él se representan los conflictos sociales reflejados en el alma de los personajes, que se ven enfrentados a la necesidad de elegir entre el deber moral y las pasiones personales. Esta colisión reflejó la polarización emergente del ser público y privado de una persona, que también determinó la estructura de la imagen. La esencia social, genérica, el yo pensante, racional, se opone al ser individual directo del héroe, quien, tomando el punto de vista de la razón, se mira, reflexiona, languidece con su escisión, siente el imperativo de volverse igual a su “Yo” ideal. En una etapa temprana (según P. Corneille), este imperativo se funde con el deber de Estado, y más tarde (según J. Racine), a medida que se intensifica la alienación del Estado, pierde su contenido político y adquiere un carácter ético . El sentimiento interior de la crisis inminente del sistema absolutista se refleja en las tragedias de Racine y en el hecho de que una construcción artística idealmente armoniosa está en conflicto con el caos de pasiones ciegas y espontáneas que reinan en ellas, ante las cuales la mente y la voluntad de el hombre es impotente.

En la cinematografía francesa, los géneros “inferiores”, como la fábula (J. Lafontaine), la sátira (Boileau) y la comedia (Molière), también alcanzaron un alto nivel de desarrollo. Fue en los géneros "bajos", cuya imagen se construye no en la distancia ideal del pasado histórico o mitológico, sino en la zona de contacto directo con el presente, donde se desarrolló el comienzo realista. Esto se aplica principalmente a Moliere, cuyo trabajo absorbió varias tendencias ideológicas y artísticas y determinó en gran medida el desarrollo posterior de la literatura. En realidad en Molière comedia dejó de ser un género "bajo": sus mejores obras fueron denominadas "alta comedia", porque en ellas, como en la tragedia, se resolvían los problemas sociales, morales y filosóficos más importantes del siglo. En el marco de la cinematografía también se desarrolla la prosa, que se caracteriza por la tipificación de las pasiones, el carácter analítico, la precisión y la claridad de estilo (la prosa de los moralistas F. La Rochefoucauld, B. Pascal y J. La Bruyère, así como como la novela psicológica de MM Lafayette).

Habiendo entrado en un período de declive a fines del siglo XVII, Kazajstán revivió durante la Ilustración. La nueva cultura educativa coexistió a lo largo del siglo XVIII. con el realismo ilustrado, y a finales de siglo vuelve a ser la tendencia artística dominante. Los ilustradores en muchos aspectos continúan las tradiciones del siglo K. XVII. Resultaron estar cerca de la posición expresada en K. de una persona conscientemente relacionada con el mundo y consigo misma, capaz de subordinar sus aspiraciones y pasiones al deber social y moral; patetismo de la civilización; concepto racionalista de la creatividad artística. Sin embargo, la orientación sociopolítica de la cultura educativa está cambiando. En las tradiciones del clasicismo, Voltaire crea tragedias imbuidas de la lucha contra el fanatismo religioso, la opresión absolutista y el patetismo de la libertad. La apelación a la antigüedad como al mundo de los arquetipos ideales, que era la esencia de la cultura, incluida la cultura de la Ilustración, tenía raíces profundas en la ideología de la Ilustración. Donde los ilustradores buscaban penetrar más allá del empirismo externo de la vida, ir más allá de la vida privada, se encontraban, por regla general, en el mundo de las abstracciones ideales, porque en todas sus construcciones partían de un individuo aislado y no buscaban la esencia. de una persona en las condiciones sociales de su ser, no en la historia, sino en la naturaleza humana entendida abstractamente. La literatura de la Gran Revolución Francesa, que revistió aspiraciones heroicas en antiguos mitos y leyendas (obra de MJ Chenier y otros), está estrechamente relacionada con la cultura de la Ilustración. Según K. Marx, los líderes de la revolución “encontraron ideales y formas, ilusiones necesarias para ocultarse a sí mismos el contenido limitado burgués de su lucha, a fin de mantener su inspiración a la altura de la gran tragedia histórica” (K. Marx y F. Engels, ibíd., vol. 8, pág. 120).

Bajo la influencia de la literatura francesa, la literatura francesa también se desarrolló en otros países europeos: en Inglaterra (A. Pope y J. Addison), Italia (V. Alfieri y en parte Ugo Foscolo) y Alemania (J. K. Gottsched). Las obras clasicistas de Gottsched, totalmente orientadas hacia los modelos franceses, no dejaron una huella significativa en la literatura alemana, y recién en la segunda mitad del siglo XVIII lo hicieron. Un nuevo clasicismo alemán está tomando forma como un fenómeno artístico original (el llamado clasicismo de Weimar). A diferencia del francés, plantea problemas morales y estéticos. Sus cimientos fueron puestos por I.I. Winkelmann , pero alcanzó su apogeo con I. W. Goethe y F. Schiller en el período de Weimar de su trabajo. La "noble simplicidad", la armonía y la perfección artística de los clásicos griegos, que surgieron bajo las condiciones de la polis democrática, fueron opuestas por los poetas alemanes a la miseria de la realidad alemana y de toda la civilización moderna, paralizando a una persona. Schiller y, en cierta medida, Goethe, buscaron en el arte el medio principal para educar una personalidad armoniosa y, volviendo a la antigüedad, buscaron crear una literatura nueva, moderna y de alto estilo capaz de cumplir con esta tarea.

En la época del Imperio Napoleónico, K. perdió su vivo contenido progresista. Se caracterizó por la pomposidad y el esplendor oficial exterior, el academicismo frío y muerto. Sin embargo, como corriente epígono, existió en Francia hasta los años 30 y 40. Siglo 19

V. Ya. Bakhmutsky.

K. en Rusia se originó en el segundo cuarto del siglo XVIII. bajo la influencia ideológica de la era de Pedro I (con su patetismo de subordinación incondicional del individuo a los intereses nacionales conscientemente entendidos) en el trabajo de los primeros ilustradores rusos: los fundadores de la nueva literatura rusa AD Kantemir, VK Trediakovsky, MV Lomonosov . La idea de la igualdad natural de las personas, asimilada por la Ilustración rusa del siglo XVIII, se convirtió en la base de sus construcciones sociológicas y éticas, y en la literatura de la cultura condujo al desarrollo de la esencia ética del hombre. La presencia enfatizada del autor (relación con el retratado) se ha convertido en una forma artística de expresión de este problema. Por lo tanto, la experiencia de K. de Europa occidental estuvo sujeta a un procesamiento significativo; En ruso k., los géneros que requieren una evaluación autoral obligatoria de la realidad histórica se han desarrollado mucho: sátira (Kantemir), fábula (A. P. Sumarokov, V. I. Maikov, I. I. Khemnitser), oda (Lomonosov, V. P. Petrov, G. R. Derzhavin). Los temas de las tragedias están dominados por tramas históricas nacionales (Sumarokov, Ya. B. Knyazhnin, N. P. Nikolev) y, en su estilo, el lirismo y el "portavoz" de los personajes principales, que expresan directamente las ideas favoritas del autor. K. experimentó una historia difícil de formación y desarrollo de su estética desde la década de 1730 hasta la década de 1790, cuando los partidarios de una nueva corriente literaria se le opusieron: sentimentalismo. Habiendo dejado de satisfacer las necesidades sociales, K. dejó un legado de la literatura rusa del siglo XIX. el pathos de la ciudadanía y la denuncia satírica. Después de los artículos de V. G. Belinsky, durante mucho tiempo se estableció una actitud negativa hacia K. en la ciencia y la crítica académicas rusas, que solo se superó en los trabajos de los investigadores soviéticos.

I. Z. Serman.

En las artes plásticas, los requisitos previos para el arte cáustico ya estaban emergiendo en la segunda mitad del siglo XVI. en Italia - en la teoría y práctica arquitectónica de Palladio, los tratados teóricos de Vignola, S. Serlio; se expresan de manera más consistente en los escritos de J. P. Bellori (siglo XVII), así como en los estándares estéticos desarrollados por académicos. escuela boloñesa. Sin embargo, a lo largo del siglo XVII La arquitectura clásica, que se desarrolló en interacción y controversia con el barroco, solo en el arte francés se convierte en un sistema de estilo integral y se convierte en un estilo paneuropeo en los siglos XVIII y principios del XIX. sólo siguiendo sus motivos y elementos individuales, pero comprendiendo sus patrones tectónicos generales. El orden, en proporciones y formas, más cercano a la antigüedad que en la arquitectura de siglos anteriores, se convierte en la base del lenguaje arquitectónico de Kazajistán. Las paredes se tratan como superficies lisas, limitando volúmenes claros y simétricamente ubicados; la decoración arquitectónica se introduce de tal manera que nunca "oculta" la estructura general, sino que se convierte en su sutil y discreto acompañamiento. La claridad de las articulaciones espaciales y la suavidad de los colores son características del interior de un museo: haciendo un amplio uso de los efectos de perspectiva en la pintura monumental y decorativa, la pintura separa fundamentalmente el espacio ilusorio del real. En la síntesis clásica de las artes, las formas están sujetas a una estricta jerarquía, donde domina claramente la arquitectura. La planificación urbana de Kazajstán está genéticamente conectada con los principios del Renacimiento y el Barroco y desarrolla activamente el concepto de “ciudad ideal”; A fines del siglo XVIII y primeros tercios del siglo XIX (siglo), se formaron nuevas técnicas de planificación que previeron la combinación orgánica del desarrollo urbano con elementos de la naturaleza, la creación de espacios abiertos que se fusionan espacialmente con la calle o terraplén. La claridad tectónica de la arquitectura de K. corresponde a la estricta delimitación de planos espaciales en escultura y pintura. La plasticidad de K., en la que predominan los volúmenes cerrados de un solo color, generalmente diseñados para un punto de vista fijo, se distingue por el modelado suavizado y la estabilidad de las formas. En la pintura china priman el dibujo y el claroscuro (especialmente a finales del Carnaval, cuando la pintura a veces se inclina hacia la monocromía y la gráfica hacia la linealidad pura y estilizada), el color local se construye a partir de una combinación de tres colores dominantes (por ejemplo, el marrón para el primero). , verde para el segundo, azul para el fondo), el medio aire ligero se enrarece y se convierte en un relleno neutro de los espacios entre los volúmenes plásticos, la acción se desarrolla, como en un escenario.

El mayor artista y teórico de los franceses franceses del siglo XVII. fue N. Poussin, cuyas pinturas están marcadas por la sublimidad del contenido ético, la armonía ilustrada de la estructura rítmica y el color. Brillante desarrollo en esta época recibe un paisaje ideal (N. Poussin, Claude Lorrain, G. Duguet) que encarna el sueño de una edad de oro. En arquitectura, los principios de K. se forman en los edificios de F. Mansard, marcados por la claridad en las divisiones de orden y la composición marcada por la claridad, en la fachada este del Louvre, creada por C. Perrault (), - la más pura en estilo ejemplo de K. del siglo XVII, en la obra de L. Levo, F. Blondel. De la 2ª mitad del siglo XVII. el c. francés absorbe cada vez más elementos barrocos, que se manifiestan, en particular, en la arquitectura y la planificación Versalles (arquitecto J. Hardouin-Mansart y otros, el diseño del parque - A. Lenotre). El establecimiento de las academias reales de pintura y escultura (1648) y la academia de arquitectura (1671) en París ayudó a consolidar las doctrinas del arte. En el siglo XVII y principios del XVIII (siglos), K. también se difundió en la arquitectura de Holanda (arquitecto Jacob van Kampen, P. Post), lo que dio lugar a una versión particularmente sobria de la misma, en la arquitectura palladiana de Inglaterra, donde ecos del Renacimiento, y en las obras de K. Ren y sus seguidores, finalmente se forma la versión nacional de K.

A mediados del siglo XVIII surge una nueva dirección en K., correspondiente a la ilustración K. en literatura y desarrollándose inicialmente en polémicas con rococó . En arquitectura, ahora cada vez más a menudo rechazan esquemas de planificación rígidos, se esfuerzan por enfatizar el significado constructivo de la orden, se presta especial atención a la planificación interior y flexible de un edificio residencial cómodo. El entorno paisajístico del parque "inglés" se convierte en un marco ideal para un edificio clasicista de nueva tipología. Gran influencia en K. 18 siglo. contribuyó al desarrollo del conocimiento arqueológico sobre la antigüedad griega y romana (especialmente las excavaciones de Herculano y Pompeya), así como los trabajos teóricos de I. I. Winkelman, J. V. Goethe y F. Militsius.

En la arquitectura francesa de esta época, se formaron nuevos tipos arquitectónicos: una mansión exquisitamente íntima, un edificio público monumental lacónico, una plaza de ciudad abierta (arquitectos J. A. Gabriel, J. J. Souflot). El patetismo civil y la ensoñación lírica se combinan de diferentes maneras en las artes plásticas de J. B. Pigalle, E. M. Falcone, J. A. Houdon, la pintura histórica y mitológica de J. M. Vienne y los paisajes decorativos de J. Robert. En vísperas de la Revolución Francesa en la arquitectura, hay un deseo de lapidaridad severa de las formas, de imágenes didácticas impresionantes, los arquitectos recurren cada vez más a los motivos del arcaísmo griego, el arte del Antiguo Egipto, a veces a un sistema sin órdenes (edificios y proyectos de KN Ledoux, EL Bulle, J. J. Leke). Estas búsquedas (señaladas también por la influencia de los grabados arquitectónicos de G. B. Piranesi) sirvieron como punto de partida para el difunto K., o imperio . En la pintura francesa, el representante más importante de la corriente revolucionaria fue J. L. David, cuya obra está saturada de dramatismo valiente y solemnidad de estructura figurativa. En la época de Napoleón I, los rasgos de magnífica representatividad (C. Percier, P. Fontaine, J.-F. Chalgrin) se intensificaron en la arquitectura del Imperio francés, lo que llevó a menudo a un excesivo refinamiento de los detalles, que también afectó a la artes decorativas y aplicadas. La pintura del C. tardío, a pesar de la aparición de grandes maestros individuales (D. Ingres), degenera en una tendencia de salón oficial-apologético o sentimental-erótico.

Roma se convirtió en el centro internacional de la cultura más importante en el siglo XVIII y principios del XIX (siglos), dominada por una corriente que a menudo combinaba la majestuosa nobleza de las formas con la idealización abstracta y fría. Obra aquí: pintor alemán A. R. Mengs; escultores - italiano A. Canova y Dane B. Thorvaldsen; Pintor paisajista austríaco I. A. Kokh.

El estilo estricto y racional de los edificios de Palladian F. W. Ermansdorf, así como K. G. Langhans, D. Gilly y F. Gilly, es característico de la arquitectura clasicista alemana del siglo XVIII y principios del XIX (siglos). Si en las obras de KF Schinkel, que marcan el pináculo de la K. alemana tardía, la monumentalidad severa de las formas está orgánicamente conectada con la búsqueda de soluciones nuevas y funcionales, entonces en los edificios de L. von Klenze y F. Gaertner arqueología seca domina En las bellas artes de German K., imbuidas de un estado de ánimo contemplativo, los retratos de A. y V. Tishbein, las caricaturas mitológicas y alegóricas de A. Ya. Karstens, el arte plástico de I. G. Shadov, I. G. en artes y oficios. las obras del fabricante de muebles D. Roentgen.

En la arquitectura clásica inglesa del siglo XVIII y principios del XIX (siglos), el palladianismo, estrechamente asociado con el florecimiento de la construcción de parques, dominó inicialmente (arquitectos W. Kent, J. Payne, W. Chambers); Los edificios de los hermanos Adam, marcados por una especial elegancia de los acabados decorativos, dan testimonio del creciente interés arqueológico por las muestras antiguas. A principios del siglo XIX Las características de estilo imperio aparecen en la arquitectura (especialmente en el trabajo de J. Soane). Los logros centrales de la arquitectura inglesa son la más alta cultura de diseño del entorno de vida y medidas de planificación urbana audaces que anticipan en parte la idea de una ciudad jardín (arquitectos J. Wood, J. Wood the Younger y J. Nash). Los representantes más constantes de la cerámica en Inglaterra fueron también el dibujante-ilustrador y escultor J. Flaxman y los maestros de las artes decorativas y aplicadas (la cerámica J. Wedgwood y los artesanos de la fábrica de Derby).

En el siglo XVIII y principios del XIX (siglos), la calistenia también se desarrolló en Italia (arquitecto G. Piermarini), España (arquitecto J. de Villanueva), países de Europa del Este y Escandinavia, y en EE. UU. (arquitecto T. Jefferson, J Hoban, pintores B. West y J. S. Copley). A finales del 1er tercio del siglo XIX. K. pierde el significado de la tendencia principal y se convierte en una serie de estilos pseudohistóricos; ecos de ella se conservan en neoclasicismo siglo 20

K ruso surgió a mediados del siglo XVIII. y se convirtió en el estilo dominante en el último tercio del siglo XVIII-primer tercio del siglo XIX (siglo).El proceso de formación de la nación, el surgimiento del estado y el florecimiento de la cultura secular, sin precedentes para Rusia, fueron el suelo histórico e ideológico que nutrió el patetismo patriótico de K. ruso. Las obras de los arquitectos de principios de K. (1760-70; AF Kokorinov, JB Vallin-Delamot, Yu. M. Felten, KI Blank, A. Rinaldi) aún conservan el enriquecimiento plástico de las formas inherentes al barroco. Los maestros de la arquitectura madura (1770-1790: V. I. Bazhenov, I. E. Starov y M. F. Kazakov) crearon edificios con fina diferenciación plástica de fachadas, participando activamente en la organización de la estructura de planificación espacial de la ciudad; se desarrolla un nuevo tipo de palacio de cámara (C. Cameron, G. Quarenghi), aparece una versión rusa del palladianismo (N. A. Lvov). En la era del Imperio Ruso (primer tercio del siglo XIX), reflejando las ideas de triunfo político y poder de Rusia, se llevaron a cabo medidas de planificación urbana especialmente grandiosas (especialmente en St. el espacio del río), los planes regulares son se están desarrollando para más de 400 ciudades, se están formando proyectos "ejemplares" de casi todos los tipos de estructuras, conjuntos de los centros de Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl y otras ciudades. Conjuntos majestuosos y edificios individuales (principalmente en San Petersburgo) son creados por A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. Thomas de Thomon, K. I. Rossi, V. P. Stasov; en Moscú, la construcción está a cargo de D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev (el tipo de una pequeña mansión con un interior acogedor se vuelve especialmente característico de Moscú). Las mansiones urbanas y las fincas rurales del Kazajstán ruso se distinguen por una sutil originalidad y poesía, donde las formas y la decoración clasicistas se plasman orgánicamente en la madera. En las artes visuales, el desarrollo de la pintura rusa está estrechamente relacionado con las actividades de la Academia de las Artes de San Petersburgo, fundada en 1757.

La escultura rusa está representada por escultura monumental y decorativa (que comprende una síntesis finamente pensada con la arquitectura del Imperio), composiciones de caballete y lápidas sepulcrales iluminadas elegíacamente (I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, and I. P. Martos, FF Shchedrin, VI Demut-Malinovsky , SS Pimenov, II Terebenev), obras de arte de medallas (FP Tolstoy). En la pintura, los maestros destacados del género clásico verdadero fueron A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, los primeros A. A. Ivanov. Los principios del arte también se reflejaron en los penetrantes retratos escultóricos psicológicos de F. I. Shubin, los retratos pictóricos de D. G. Levitsky y V. L. Borovikovsky, los paisajes de F. M. Matveev y los gráficos poéticos de F. P. Tolstoy. En el arte decorativo y aplicado del arte ruso de Karelia, entre los notables ejemplos de artículos típicos de la cultura de Karelia en general (metal artístico, porcelana, cristal, etc.), obras de arte de corte de piedra, artículos de acero pulido y Karelia los muebles destacan por la originalidad de la técnica y el material.los abedules. En la 1ª mitad del siglo XIX. Los esquemas académicos sin alma contra los que lucharon los maestros de la tendencia democrática se volvieron cada vez más característicos de las bellas artes de la cinematografía rusa.

A. I. Kaplun.

En el arte teatral K. contribuyó a una revelación más profunda de la idea de obra dramática, superando la exageración en la representación de los sentimientos, característica del teatro medieval. El dominio de la representación de la tragedia clasicista, elevada a la altura del arte genuino, estaba sujeto a los principios estéticos que se derivaban de la estética clasicista de N. Boileau. El método racionalista, el trabajo consciente sobre el papel se convierte en la principal condición para la creatividad de los actores. El actor de la tragedia tuvo que leer poesía de manera emocionalmente expresiva, sin tratar de crear la ilusión de las verdaderas experiencias del héroe. Pero en el arte de actuar, se manifestó una contradicción característica de K.: el principio de volverse hacia la naturaleza, la razón y la verdad estaba limitado por las normas del gusto cortesano y aristocrático. La actuación clasicista en su conjunto se distinguió por la pompa, la estática, los actores actuaron en el contexto de un escenario desprovisto de concreción histórica y cotidiana (por ejemplo, un palacio a voluntad). La afirmación de K. en la actuación está asociada con el trabajo de los actores franceses Mondori, Floridor, T. Duparc y M. Chanmelet. En el siglo 18 La cultura de la Ilustración se expresó en las obras de A. Lequesne, I. Cleron y M. Dumesnil. Su patetismo ético y cívico superó la sofisticación de salón del cortesano K. Las tendencias democráticas K. se manifestaron más claramente en la práctica escénica de Molière. Durante el período de la Revolución Francesa, figuras del teatro progresista, principalmente F. J. Talma, impartieron al cine un sonido nuevo, revolucionario y heroico. El teatro francés de los siglos XVII y XVIII influyó en el teatro de otros países europeos; sus mayores representantes son K. Neuber en Alemania, T. Betterton, J. Kemble en Inglaterra. Una vívida manifestación de K. en el teatro de Francia es el trabajo de E. Rachel. En el siglo XIX y principios del XX (siglos), las normas estéticas de la cinematografía se reflejaron en las representaciones del teatro Comédie Francaise y en las actuaciones de J. Mounet-Sully, Sarah Bernhardt y otros actores.

¿Qué es el Clasicismo?

Clasicismo- esta es una dirección artística que se ha desarrollado en la literatura europea del siglo XVII, que se basa en el reconocimiento del arte antiguo como el modelo más alto, el ideal y las obras de la antigüedad como norma artística. La estética se basa en el principio del racionalismo y la “imitación de la naturaleza”. El culto a la mente. Una obra de arte se organiza como un todo artificial construido lógicamente. Estricta organización composicional de la trama, esquematismo. Los personajes humanos se perfilan en línea recta; los caracteres positivos y negativos se oponen. Apelación activa a los asuntos públicos y cívicos. Enfatizó la objetividad de la historia. Estricta jerarquía de géneros. Alto: tragedia, epopeya, oda. Bajo: comedia, sátira, fábula. No se permite mezclar géneros altos y bajos. El género principal es la tragedia.

El clasicismo entró en la historia de la literatura como concepto a finales del siglo XIX y principios del XX. Sus signos principales se determinaron de acuerdo con la teoría dramática del siglo XVII y con las ideas principales del tratado Arte poético de N. Boileau (1674). El clasicismo fue visto como una dirección orientada hacia el arte antiguo. En la definición del clasicismo, enfatizaron, en primer lugar, el deseo de claridad y precisión de expresión, alineación con modelos antiguos y estricta obediencia a las reglas. En la era del clasicismo, los principios de las tres unidades (la unidad de tiempo, la unidad de lugar, la unidad de acción) eran obligatorios, lo que se convirtió en un símbolo de las tres reglas que determinan la organización del tiempo artístico, el espacio artístico y los eventos. en dramaturgia. El clasicismo debe su longevidad al hecho de que los escritores de esta corriente entendieron su propia creatividad no como una forma de autoexpresión personal, sino como la norma del verdadero arte, dirigida a lo universal, inmutable, a la naturaleza hermosa como una categoría permanente. La selección estricta, la composición armoniosa, un conjunto de ciertos temas, motivos, el material de la realidad, que se convirtió en objeto de reflexión artística en la palabra, fueron para los escritores clásicos un intento de superar estéticamente las contradicciones de la vida real. La poesía del clasicismo se esfuerza por la claridad de significado y la simplicidad de la expresión estilística. Aunque géneros de prosa como los aforismos (máximas) y los personajes se están desarrollando activamente en el clasicismo, las obras dramáticas y el teatro en sí son de particular importancia en él, capaces de desempeñar de manera brillante y orgánica funciones moralizantes y entretenidas.

La norma estética colectiva del clasicismo es la categoría de buen gusto desarrollada por la llamada buena sociedad. El gusto del clasicismo prefiere la brevedad, la pretensión y la complejidad de la expresión: claridad y simplicidad a lo extravagante, decente. La principal ley del clasicismo es la verosimilitud artística, que representa las cosas y las personas como deberían ser de acuerdo con la norma moral, y no como son en realidad. Los personajes en el clasicismo se construyen sobre la asignación de una característica dominante, que debería convertirlos en tipos universales universales.

Los requisitos planteados por el clasicismo de simplicidad y claridad de estilo, la plenitud semántica de las imágenes, el sentido de la proporción y las normas en la construcción, la trama y la trama de las obras aún conservan su relevancia estética.

El clasicismo (del latín classicus - "ejemplar") es una dirección artística (flujo) en el arte y la literatura del siglo XVII - principios del XIX, que se caracteriza por temas cívicos elevados, adherencia estricta a ciertas normas y reglas creativas. En Occidente, el clasicismo se formó en la lucha contra el barroco magnifico. La influencia del clasicismo en la vida artística de Europa en los siglos XVII - XVIII. fue amplio y de largo plazo, y en arquitectura continuó hasta el siglo XIX. El clasicismo, como cierta dirección artística, tiende a reflejar la vida en imágenes ideales, gravitando hacia la “norma” universal, un modelo. De ahí el culto a la antigüedad en el clasicismo: la antigüedad clásica aparece en él como ejemplo de arte perfecto y armonioso.

Los escritores y artistas a menudo recurren a las imágenes de los mitos antiguos (ver Literatura antigua).

El clasicismo floreció en Francia en el siglo XVII: en teatro (P. Corneille, J. Racine, J. B. Molière), en poesía (J. La Fontaine), en pintura (N. Poussin), en arquitectura. A finales del siglo XVII. N. Boileau (en el poema "Arte poético", 1674) creó una teoría estética detallada del clasicismo, que tuvo un gran impacto en la formación del clasicismo en otros países.

El choque de intereses personales y deber cívico subyace a la tragedia clásica francesa, que alcanzó cotas ideológicas y artísticas en la obra de Corneille y Racine. Los personajes de Corneille (Sid, Horace, Cinna) son personas valientes y severas, impulsadas por el deber, que se subordinan por completo al servicio de los intereses del Estado. Mostrando movimientos mentales contradictorios en sus personajes, Corneille y Racine hicieron descubrimientos sobresalientes en el campo de representar el mundo interior de una persona. Imbuida del patetismo del estudio del alma humana, la tragedia contenía un mínimo de acción externa, encajaba fácilmente en las famosas reglas de las "tres unidades": tiempo, lugar y acción.

Según las reglas de la estética clasicista, que se apega estrictamente a la llamada jerarquía de los géneros, la tragedia (junto con la oda y la épica) pertenecía a los “géneros elevados” y debía desarrollar problemas sociales de especial importancia, recurriendo a técnicas antiguas e históricas. tramas, y reflejan sólo los lados heroicos sublimes. Los "géneros elevados" se opusieron a los "bajos": comedia, fábula, sátira, etc., diseñados para reflejar la realidad moderna. En el género de la fábula, Lafontaine se hizo famoso en Francia, y en el género de la comedia, Molière.

En el siglo XVII, impregnado de las ideas progresistas de la Ilustración, el clasicismo se imbuyó de una crítica apasionada al orden del mundo feudal, la protección de los derechos humanos naturales y los motivos amantes de la libertad. También se distingue por una gran atención a los temas históricos nacionales. Los principales representantes del clasicismo de la Ilustración son Voltaire en Francia, J. W. Goethe y J. F. Schiller (en la década de 1990) en Alemania.

El clasicismo ruso se originó en el segundo cuarto del siglo XVIII, en las obras de A. D. Kantemir, V. K. Trediakovsky, M. V. Lomonosov, y alcanzó su desarrollo en la segunda mitad del siglo, en las obras de A. P. Sumarokov, D. I. Fonvizin, MM Kheraskov, VA Ozerova, Ya. B. Knyazhnina, GR Derzhavin. Presenta todos los géneros más importantes, desde la oda y la épica hasta la fábula y la comedia. D. I. Fonvizin, el autor de las famosas comedias satíricas Brigadier y Undergrowth, fue un comediante notable. La tragedia clásica rusa mostró un gran interés en la historia nacional (Dimitri the Pretender de A. P. Sumarokov, Vadim Novgorodsky de Ya. B. Knyaznin y otros).

A finales del siglo XVIII - principios del siglo XIX. El clasicismo, tanto en Rusia como en toda Europa, está en crisis. Está perdiendo cada vez más el contacto con la vida, cerrándose en un estrecho círculo de convenciones. En esta época, el clasicismo es objeto de duras críticas, sobre todo por parte de los románticos.

clasicismo clasicismo

El estilo artístico en el arte europeo del siglo XVII - principios del XIX, una de cuyas características más importantes fue la apelación a las formas del arte antiguo como estándar estético ideal. Continuando con las tradiciones del Renacimiento (admiración por los antiguos ideales de armonía y medida, fe en el poder de la mente humana), el clasicismo fue también su especie de antítesis, ya que con la pérdida de la armonía renacentista, la unidad del sentimiento y la razón, se perdió la tendencia de la experiencia estética del mundo como un todo armonioso. Conceptos tales como sociedad y personalidad, hombre y naturaleza, elementos y conciencia, en el clasicismo se polarizan, se excluyen mutuamente, lo que lo acerca (manteniendo todas las cosmovisiones cardinales y diferencias estilísticas) al barroco, también imbuido de la conciencia de discordia general. generada por la crisis de los ideales renacentistas. Por lo general, se distingue el clasicismo del siglo XVII. y XVIII - principios del siglo XIX. (este último en la historia del arte extranjero a menudo se denomina neoclasicismo), pero en las artes plásticas, las tendencias del clasicismo ya se perfilaron en la segunda mitad del siglo XVI. en Italia - en la teoría y práctica arquitectónica de Palladio, los tratados teóricos de Vignola, S. Serlio; más consistentemente, en los escritos de G. P. Bellori (siglo XVII), así como en los estándares estéticos de los académicos de la escuela de Bolonia. Sin embargo, en el siglo XVII. El clasicismo, que se desarrolló en una interacción agudamente polémica con el barroco, solo en la cultura artística francesa se convirtió en un sistema estilístico integral. En el seno de la cultura artística francesa también se formó predominantemente el clasicismo del siglo XVIII, que se convirtió en un estilo paneuropeo. Los principios del racionalismo que subyacen en la estética del clasicismo (los mismos que determinaron las ideas filosóficas de R. Descartes y el cartesianismo) determinaron la visión de una obra de arte como fruto de la razón y la lógica, triunfando sobre el caos y la fluidez de la vida percibida sensualmente. . El valor estético en el clasicismo sólo tiene perdurabilidad, atemporalidad. Dando gran importancia a la función social y educativa del arte, el clasicismo propone nuevas normas éticas que forman la imagen de sus héroes: resistencia a la crueldad del destino y a las vicisitudes de la vida, subordinación de lo personal a lo común, de las pasiones al deber, la razón, los intereses supremos de la sociedad, las leyes del universo. La orientación a un comienzo razonable, a patrones duraderos también determinó los requisitos normativos de la estética del clasicismo, la regulación de las reglas artísticas, una estricta jerarquía de géneros, desde "alto" (histórico, mitológico, religioso) hasta "bajo" o " pequeño" (paisaje, retrato, naturaleza muerta); cada género tenía límites de contenido estrictos y características formales claras. Las actividades de las Reales Escuelas fundadas en París contribuyeron a la consolidación de las doctrinas teóricas del clasicismo. Academias - pintura y escultura (1648) y arquitectura (1671).

La arquitectura del clasicismo en su conjunto se caracteriza por un diseño lógico y un geometrismo de forma tridimensional. La constante apelación de los arquitectos del clasicismo a la herencia de la arquitectura antigua significó no solo el uso de sus motivos y elementos individuales, sino también la comprensión de las leyes generales de su arquitectura. La base del lenguaje arquitectónico del clasicismo fue el orden, en proporciones y formas más cercanas a la antigüedad que en la arquitectura de épocas anteriores; en los edificios, se utiliza de tal manera que no oscurece la estructura general del edificio, sino que se convierte en su acompañamiento sutil y sobrio. El interior del clasicismo se caracteriza por la claridad de las divisiones espaciales, la suavidad de los colores. Utilizando ampliamente los efectos de perspectiva en la pintura monumental y decorativa, los maestros del clasicismo separaron fundamentalmente el espacio ilusorio del real. El urbanismo del clasicismo del siglo XVII, conectado genéticamente con los principios del Renacimiento y el Barroco, desarrolló activamente (en los planos de las ciudades fortificadas) el concepto de "ciudad ideal", creó un tipo propio de ciudad-residencia absolutista regular (Versalles). En la segunda mitad del siglo XVIII. Están surgiendo nuevas técnicas de planificación que prevén la combinación orgánica del desarrollo urbano con elementos de la naturaleza, la creación de espacios abiertos que se fusionan espacialmente con la calle o el terraplén. La sutileza de la decoración lacónica, la conveniencia de las formas, la conexión inextricable con la naturaleza son inherentes a los edificios (principalmente palacios y villas) de los representantes del palladianismo en el siglo XVIII y principios del XIX.

La claridad tectónica de la arquitectura del clasicismo corresponde a una clara delimitación de planos en escultura y pintura. La plástica del clasicismo, por regla general, está diseñada para un punto de vista fijo, se distingue por la suavidad de las formas. El momento de movimiento en las poses de las figuras no suele violar su aislamiento plástico y estatuaria tranquila. En la pintura del clasicismo, los principales elementos de forma son la línea y el claroscuro (especialmente en el clasicismo tardío, cuando la pintura a veces gravita hacia la monocromía y la gráfica hacia la pura linealidad); el color local revela claramente los objetos y los planos del paisaje (marrón, para el cercano, verde, para el medio, azul, para los planos lejanos), lo que acerca la composición espacial de la pintura a la composición del escenario.

El fundador y mayor maestro del clasicismo del siglo XVII. fue el artista francés N. Poussin, cuyas pinturas están marcadas por la altura del contenido filosófico y ético, la armonía de la estructura rítmica y el color. Alto desarrollo en la pintura del clasicismo del siglo XVII. recibió un "paisaje ideal" (Poussin, C. Lorrain, G. Duguet), que encarnaba el sueño de los clasicistas de la "edad de oro" de la humanidad. La formación del clasicismo en la arquitectura francesa está asociada con los edificios de F. Mansart, marcados por la claridad de las divisiones de composición y orden. Altos ejemplos de clasicismo maduro en la arquitectura del siglo XVII. - La fachada este del Louvre (C. Perrault), obra de L. Levo, F. Blondel. De la segunda mitad del siglo XVII. El clasicismo francés incorpora algunos elementos de la arquitectura barroca (el palacio y el parque de Versalles - arquitectos J. Hardouin-Mansart, A. Le Nôtre). En los siglos XVII - principios del XVIII. El clasicismo se formó en la arquitectura de Holanda (arquitectos J. van Kampen, P. Post), que dio lugar a una versión particularmente restringida del mismo, y en la arquitectura "palladiana" de Inglaterra (arquitecto I. Jones), donde el nacional La versión se formó finalmente en las obras de K. Ren y otros del clasicismo inglés. Los vínculos cruzados con el clasicismo francés y holandés, así como con el barroco temprano, se reflejaron en el breve y brillante florecimiento del clasicismo en la arquitectura de Suecia a fines del siglo XVII y principios del XVIII. (arquitecto N. Tessin el Joven).

A mediados del siglo XVIII. los principios del clasicismo se transformaron en el espíritu de la estética de la Ilustración. En arquitectura, el llamado a la "naturalidad" presentó el requisito de justificación constructiva de los elementos de orden de la composición, en el interior: el desarrollo de un diseño flexible de un edificio residencial cómodo. El entorno paisajístico del parque "inglés" se convirtió en el entorno ideal para la casa. Gran influencia en el clasicismo del siglo XVIII. tuvo un rápido desarrollo del conocimiento arqueológico sobre la antigüedad griega y romana (las escisiones de Herculano, Pompeya, etc.); Los trabajos de I. I. Winkelmann, J. V. Goethe y F. Militsiya contribuyeron a la teoría del clasicismo. Clasicismo francés del siglo XVIII. se definieron nuevos tipos arquitectónicos: una mansión exquisitamente íntima, un edificio público frontal, una plaza de ciudad abierta (arquitectos J. A. Gabriel, J. J. Souflot). El patetismo civil y el lirismo se combinaron en las artes plásticas de J. B. Pigalle, E. M. Falcone, J. A. Houdon, en la pintura mitológica de J. M. Vienne y en los paisajes decorativos de J. Robert. La víspera de la Revolución Francesa (1789-1794) dio lugar a una lucha por la dura simplicidad en la arquitectura, una búsqueda audaz del geometrismo monumental de una nueva arquitectura sin orden (K. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeux). Estas búsquedas (señaladas también por la influencia de los grabados arquitectónicos de G. B. Piranesi) sirvieron como punto de partida para la última fase del clasicismo: el Imperio. La pintura de la dirección revolucionaria del clasicismo francés está representada por el valiente drama de las imágenes históricas y de retratos de J. L. David. Durante los años del imperio de Napoleón I fue creciendo una magnífica representatividad en la arquitectura (C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin). La pintura del clasicismo tardío, a pesar de la aparición de grandes maestros individuales (J. O. D. Ingres), degenera en arte de salón oficial apologético o erótico sentimental.

El centro internacional del clasicismo del siglo XVIII - principios del XIX. se convirtió en Roma, donde la tradición académica dominaba en el arte con una combinación de nobleza de formas e idealización fría y abstracta, lo cual no es raro en el academicismo (pintor alemán AR Mengs, paisajista austríaco IA Koch, escultores - italiano A. Canova, Dane B Thorvaldsen). Para el clasicismo alemán del siglo XVIII - principios del XIX. la arquitectura se caracteriza por las formas estrictas del palladiano F. W. Erdmansdorf, el helenismo "heroico" de C. G. Langhans, D. y F. Gilly. En la obra de K. F. Schinkel, el pináculo del clasicismo alemán tardío en arquitectura, la severa monumentalidad de las imágenes se combina con la búsqueda de nuevas soluciones funcionales. En el arte visual del clasicismo alemán, de espíritu contemplativo, destacan los retratos de A. y V. Tishbein, las caricaturas mitológicas de A. Ya. Carstens, la plástica de I. G. Shadov, K. D. Raukh; en artes y oficios - muebles de D. Roentgen. Arquitectura inglesa del siglo XVIII. dominado por la dirección de Palladio, estrechamente asociado con el florecimiento de las fincas de parques suburbanos (arquitectos W. Kent, J. Payne, W. Chambers). Los descubrimientos de la arqueología antigua se reflejaron en la elegancia especial de la decoración ordenada de los edificios de R. Adam. A principios del siglo XIX. rasgos del estilo Empire (J. Soane) aparecen en la arquitectura inglesa. El logro nacional del clasicismo inglés en arquitectura fue un alto nivel de cultura en el diseño de una urbanización y una ciudad, iniciativas de planificación urbana audaces en el espíritu de la idea de ciudad jardín (arquitectos J. Wood, J. Wood Jr., J Nash). En otras artes, la gráfica y la escultura de J. Flaxman son las más cercanas al clasicismo, en las artes decorativas y aplicadas: la cerámica de J. Wedgwood y los maestros de la fábrica de Derby. En el siglo XVIII - principios del XIX. el clasicismo también se instaura en Italia (arquitecto G. Piermarini), España (arquitecto X. de Villanueva), Bélgica, países de Europa del Este, Escandinavia, EE. UU. (arquitectos G. Jefferson, J. Hoban; pintores B. West y J. S. Collie ). A finales del primer tercio del siglo XIX. el protagonismo del clasicismo se está desvaneciendo; en la segunda mitad del siglo XIX. el clasicismo es uno de los estilos pseudohistóricos del eclecticismo. Al mismo tiempo, la tradición artística del clasicismo cobra vida en el neoclasicismo en la segunda mitad de los siglos XIX y XX.

El apogeo del clasicismo ruso pertenece al último tercio del siglo XVIII - el primer tercio del siglo XIX, aunque ya a principios del siglo XVIII. marcada por una apelación creativa (en la arquitectura de San Petersburgo) a la experiencia urbanística del clasicismo francés del siglo XVII. (el principio de los sistemas de planificación simétrico-axial). El clasicismo ruso encarnó una nueva etapa histórica en el florecimiento de la cultura secular rusa, sin precedentes para Rusia en alcance, patetismo nacional y plenitud ideológica. El clasicismo ruso temprano en la arquitectura (1760-70; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) aún conserva el enriquecimiento plástico y las formas dinámicas inherentes al barroco y al rococó. Los arquitectos de la era madura del clasicismo (1770-90; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov) crearon los tipos clásicos de la hacienda palaciega de la capital y un gran edificio residencial cómodo, que se convirtieron en modelos en la amplia construcción de haciendas nobles suburbanas. y en el nuevo edificio de fachada de las ciudades. El arte del conjunto en las fincas de los parques suburbanos es una importante contribución nacional del clasicismo ruso a la cultura artística mundial. La variante rusa del palladianismo surgió en la construcción señorial (N. A. Lvov) y se desarrolló un nuevo tipo de palacio de cámara (C. Cameron, J. Quarenghi). Una característica del clasicismo ruso en la arquitectura es la escala sin precedentes de la planificación urbana estatal organizada: se desarrollaron planes regulares para más de 400 ciudades, se formaron conjuntos de los centros de Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl y otras ciudades; la práctica de "regular" los planes urbanos, por regla general, combinó sucesivamente los principios del clasicismo con la estructura de planificación históricamente establecida de la antigua ciudad rusa. El cambio de los siglos XVIII-XIX. marcada por los mayores logros urbanísticos en ambas capitales. Se formó un conjunto grandioso del centro de San Petersburgo (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. Thomas de Thomon, más tarde K. I. Rossi). Sobre otros principios de planificación urbana, se formó el "Moscú clásico", que se construyó durante el período de su restauración y reconstrucción después del incendio de 1812 con pequeñas mansiones con interiores acogedores. Los comienzos de regularidad aquí estuvieron consistentemente subordinados a la libertad pictórica general de la estructura espacial de la ciudad. Los arquitectos más destacados del clasicismo tardío de Moscú son D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev.

En las artes visuales, el desarrollo del clasicismo ruso está estrechamente relacionado con la Academia de las Artes de San Petersburgo (fundada en 1757). La escultura del clasicismo ruso está representada por la plasticidad monumental-decorativa "heroica", que es una síntesis finamente pensada con la arquitectura del imperio, monumentos llenos de patetismo civil, lápidas ilustradas elegíacamente, plasticidad de caballete (I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky , IP Martos, FF Shchedrin, VI Demut-Malinovsky, SS Pimenov, II Terebenev). El clasicismo ruso en la pintura se manifestó más claramente en las obras de géneros históricos y mitológicos (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, los primeros A. A. Ivanov). Algunas características del clasicismo también son inherentes a los sutiles retratos escultóricos psicológicos de F. I. Shubin, en la pintura: retratos de D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, paisajes de F. M. Matveev. En las artes decorativas y aplicadas del clasicismo ruso destacan el modelado artístico y la talla en arquitectura, los productos de bronce, la fundición, la porcelana, el cristal, los muebles, los tejidos adamascados, etc., del segundo tercio del siglo XIX. para las bellas artes del clasicismo ruso, el esquematismo académico desalmado e inverosímil se está volviendo cada vez más característico, con el que luchan los maestros de la dirección democrática.

C. Lorena. "Mañana" ("Reunión de Jacob con Raquel"). 1666. Ermita. Leningrado.

B. Thorvaldsen. "Jasón". Mármol. 1802 - 1803. Museo Thorvaldson. Copenhague.

JL David. "París y Helena". 1788. Museo del Louvre. París.

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(del lat. classicus - ejemplar), estilo artístico y dirección en el arte europeo 17 - temprano. XIX, en el que destaca la apelación al patrimonio de la Antigüedad (Antigua Grecia y Roma) como norma y modelo ideal. La estética del clasicismo se caracteriza por el racionalismo, el deseo de establecer ciertas reglas para crear una obra, una estricta jerarquía (subordinación) de tipos y géneros Arte. La arquitectura reinó en la síntesis de las artes. Los géneros elevados en la pintura se consideraban pinturas históricas, religiosas y mitológicas, dando al espectador ejemplos heroicos a seguir; el más bajo: retrato, paisaje, naturaleza muerta, pintura cotidiana. Se prescribieron límites estrictos y signos formales bien definidos para cada género; no estaba permitido mezclar lo sublime con lo bajo, lo trágico con lo cómico, lo heroico con lo ordinario. El clasicismo es un estilo de contrastes. Sus ideólogos proclamaron la superioridad de lo público sobre lo personal, de la razón sobre las emociones, del sentido del deber sobre los deseos. Las obras clásicas se distinguen por la concisión, la lógica clara del diseño, el equilibrio. composiciones.

En el desarrollo del estilo se distinguen dos períodos: el clasicismo del siglo XVII. y neoclasicismo segundo piso. 18 - el primer tercio del siglo XIX. En Rusia, donde la cultura permaneció medieval antes de las reformas de Pedro I, el estilo se manifestó solo desde el final. siglo 18 Por lo tanto, en la historia del arte ruso, en contraste con la occidental, el clasicismo significa arte ruso de las décadas de 1760 y 1830.

Clasicismo siglo XVII se manifestó principalmente en Francia y se consolidó en el enfrentamiento con barroco. En la arquitectura de A. palladio se convirtió en un modelo para muchos maestros. Los edificios clasicistas se distinguen por la claridad de las formas geométricas y la claridad de la planificación, la apelación a los motivos de la arquitectura antigua y, sobre todo, al sistema de orden (ver art. Orden arquitectónico). Los arquitectos utilizan cada vez más estructura de postes y vigas, en los edificios, la simetría de la composición se reveló claramente, se prefirieron las líneas rectas a las curvas. Las paredes se interpretan como superficies lisas pintadas en colores suaves, escultóricas lacónicas decoración enfatiza elementos estructurales (edificios de F. Mansard, fachada este Lumbrera, creado por C. Perrault; obras de L. Levo, F. Blondel). Desde el segundo piso. siglo 17 El clasicismo francés incorpora cada vez más elementos barrocos ( Versalles, arquitecto J. Hardouin-Mansart y otros, el diseño del parque - A. Le Nôtre).

La escultura está dominada por volúmenes equilibrados, cerrados, lacónicos, generalmente diseñados para un punto de vista fijo, una superficie cuidadosamente pulida brilla con un brillo frío (F. Girardon, A. Coisevox).
El establecimiento en París de la Real Academia de Arquitectura (1671) y la Real Academia de Pintura y Escultura (1648) contribuyó a la consolidación de los principios del clasicismo. Este último estuvo encabezado por Ch. Lebrun, desde 1662 el primer pintor de Luis XIV, quien pintó la Galería de espejos del Palacio de Versalles (1678-1684). En pintura se reconoció la primacía de la línea sobre el color, se valoró la claridad del dibujo y las formas estatuarias; se dio preferencia a los colores locales (puros, sin mezclar). El sistema clásico que se desarrollaba en la Academia servía para desarrollar tramas y alegorías quien glorificaba al monarca (el "rey sol" estaba asociado con el dios de la luz y patrón de las artes, Apolo). Los pintores clásicos más destacados - N. Poussin y k Lorena vincularon su vida y obra con Roma. Poussin interpreta la historia antigua como una colección de hechos heroicos; en su etapa posterior, el protagonismo de la épica majestuosa del paisaje aumentó en sus pinturas. Su compatriota Lorrain creó paisajes ideales en los que se hizo realidad el sueño de una edad dorada, una era de feliz armonía entre el hombre y la naturaleza.

El surgimiento del neoclasicismo en la década de 1760 sucedió en oposición al estilo rococó. El estilo se formó bajo la influencia de ideas. Iluminación. Se pueden distinguir tres períodos principales en su desarrollo: temprano (1760–80), maduro (1780–1800) y tardío (1800–30), también llamado estilo imperio, que se desarrolló al mismo tiempo que romanticismo. El neoclasicismo se convirtió en un estilo internacional, ganando popularidad en Europa y América. Más claramente, se encarnó en el arte de Gran Bretaña, Francia y Rusia. Hallazgos arqueológicos en las antiguas ciudades romanas de Herculano y Pompeya. motivos pompeyanos frescos y artículos Artes y manualidades fue ampliamente utilizado por los artistas. La formación del estilo también estuvo influenciada por las obras del historiador de arte alemán I. I. Winkelmann, quien consideró que la "noble simplicidad y la grandeza tranquila" eran las cualidades más importantes del arte antiguo.

En Gran Bretaña, donde en el primer tercio del siglo XVIII. Los arquitectos mostraron interés por la antigüedad y la herencia de A. Palladio, la transición al neoclasicismo fue suave y natural (W. Kent, J. Payne, W. Chambers). Uno de los fundadores del estilo fue Robert Adam, quien trabajó con su hermano James (Cadlestone Hall, 1759-1785). El estilo de Adam se manifestó claramente en el diseño de interiores, donde usó una ornamentación ligera y refinada en el espíritu de los frescos pompeyanos y griegos antiguos. florero pintura("La Sala Etrusca" en Osterley Park Mansion, Londres, 1761-1779). En las empresas de D. Wedgwood, se produjeron platos de cerámica, revestimientos decorativos para muebles y otras decoraciones de estilo clasicista, que recibieron el reconocimiento de toda Europa. Los modelos en relieve para Wedgwood fueron realizados por el escultor y dibujante D. Flaxman.

En Francia, el arquitecto JA Gabriel creó, en el espíritu del neoclasicismo temprano, tanto edificios de cámara, de ambiente lírico ("El Pequeño Trianón" en Versalles, 1762-1768), como el conjunto de la Plaza Luis XV (ahora Concorde) en París, que fue nueva por decisión, que adquirió una apertura sin precedentes. La Iglesia de Santa Genoveva (1758-1790; convertida en Panteón a fines del siglo XVIII), construida por JJ Soufflot, tiene planta de cruz griega, está coronada con una enorme cúpula y reproduce formas antiguas de manera más académica y seca. En la escultura francesa del siglo XVIII. elementos del neoclasicismo aparecen en obras separadas de E. falcone, en lápidas y bustos de A. Houdon. Más cercanas al neoclasicismo son las obras de O. Page (“Retrato de Du Barry”, 1773; monumento a J. L. L. Buffon, 1776), en un inicio. Siglo 19 - D. A. Chode y J. Shinar, quienes crearon una especie de busto ceremonial con una base en forma hermos. El maestro más significativo del neoclasicismo francés y del Imperio en pintura fue J. L. David. El ideal ético en los lienzos históricos de David se distinguió por el rigor y la intransigencia. En El juramento de los Horacios (1784), los rasgos del clasicismo tardío adquirieron la claridad de una fórmula plástica.

El clasicismo ruso se expresó más plenamente en la arquitectura, la escultura y la pintura histórica. Las obras arquitectónicas del período de transición del rococó al clasicismo incluyen edificios Academia de Artes de San Petersburgo(1764–88) A. F. Kokorinova y J. B. Vallin-Delamot y el Palacio de Mármol (1768–1785) A. Rinaldi. El clasicismo temprano está representado por los nombres de V.I. Bazhenov y M. F. Kazakova. Muchos de los proyectos de Bazhenov quedaron incumplidos, pero las ideas arquitectónicas y urbanísticas del maestro tuvieron un impacto significativo en la formación del estilo clasicista. Una característica distintiva de los edificios Bazhenov fue el uso sutil de las tradiciones nacionales y la capacidad de incorporar orgánicamente los edificios clásicos en los edificios existentes. La Casa Pashkov (1784-1786) es un ejemplo de una típica mansión noble de Moscú que conserva las características de una finca. Los ejemplos más puros del estilo son el edificio del Senado en el Kremlin de Moscú (1776-1787) y la Casa Dolgoruky (1784-1790). en Moscú, erigido por Kazakov. La primera etapa del clasicismo en Rusia se centró principalmente en la experiencia arquitectónica de Francia; más tarde, el legado de la antigüedad y A. Palladio (N. A. Lvov; D. Quarenghi) comenzaron a jugar un papel importante. El clasicismo maduro se ha desarrollado en la obra de I.E. Starova(Palacio Tauride, 1783-1789) y D. Quarenghi (Palacio Alejandro en Tsarskoe Selo, 1792-1796). En la arquitectura del Imperio temprano. Siglo 19 los arquitectos se esfuerzan por encontrar soluciones conjuntas.
La originalidad de la escultura clásica rusa es que en el trabajo de la mayoría de los maestros (F. I. Shubin, I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebeneva) el clasicismo estaba estrechamente entrelazado con las tendencias del barroco y el rococó. Los ideales del clasicismo se expresaron más claramente en la escultura monumental y decorativa que en la de caballete. El clasicismo encontró su expresión más pura en las obras de I.P. Martos, quien creó altos ejemplos de clasicismo en el género de lápidas (S. S. Volkonskaya, M. P. Sobakina; ambos - 1782). M. I. Kozlovsky en el monumento a A. V. Suvorov en el Campo de Marte en San Petersburgo presentó al comandante ruso como un poderoso héroe antiguo con una espada en sus manos, una armadura y un casco.
En pintura, los ideales del clasicismo fueron expresados ​​más consistentemente por los maestros de la pintura histórica (A.P. Losenko y sus alumnos I. A. Akimov y P. I. Sokolov), cuyas obras están dominadas por temas de historia antigua y mitología. A la vuelta de los siglos 18-19. el interés por la historia nacional está creciendo (G. I. Ugryumov).
Los principios del clasicismo como conjunto de técnicas formales continuaron utilizándose a lo largo del siglo XIX. representantes academicismo.

El clasicismo es un estilo literario que se desarrolló en Francia en el siglo XVII. Obtuvo su distribución en Europa en los siglos XVII-XIX. La dirección, que recurrió a la antigüedad como modelo ideal, está estrechamente relacionada con.Basado en las ideas del racionalismo y la racionalidad, buscó expresar el contenido social, establecer una jerarquía de géneros literarios. Hablando de los representantes mundiales del clasicismo, no se puede dejar de mencionar a Racine, Moliere, Corneille, La Rochefoucauld, Boileau, Labruille, Goethe. Mondori, Leken, Rachel, Talma, Dmitrievsky estaban imbuidos de las ideas del clasicismo.

El deseo de mostrar lo ideal en lo real, lo eterno en lo temporal: este es un rasgo característico del clasicismo. En la literatura no se crea un personaje específico, sino una imagen colectiva de héroe o villano, o base. En el clasicismo es inaceptable la mezcla de géneros, imágenes y personajes. Aquí hay límites que nadie puede romper.

El clasicismo en la literatura rusa es un cierto giro en el arte, que otorga especial importancia a géneros como la oda y la tragedia. Se considera que el fundador es Lomonosov, tragedias - Sumarokov. La oda combinó periodismo y letras. Las comedias estaban directamente relacionadas con la antigüedad, mientras que las tragedias hablaban de las figuras de la historia nacional. Hablando de las grandes figuras rusas del período del clasicismo, vale la pena mencionar a Derzhavin, Knyazhnin, Sumarokov, Volkov, Fonvizin y otros.

El clasicismo en la literatura rusa del siglo XVIII, así como en la literatura francesa, se basó en las posiciones del poder zarista. Como ellos mismos decían, el arte debe velar por los intereses de la sociedad, dar a las personas cierta idea de civismo y moralidad. Las ideas de servir al estado y la sociedad están en consonancia con los intereses de la monarquía, por lo que el clasicismo se ha generalizado en toda Europa y en Rusia. Pero no debe asociarse solo con las ideas de glorificar el poder de los monarcas, los escritores rusos reflejaron en sus obras los intereses de la capa "media".

El clasicismo en la literatura rusa. Principales características

Los básicos incluyen:

• apelación a la antigüedad, sus diversas formas e imágenes;
• el principio de unidad de tiempo, acción y lugar (prevalece una trama, la acción dura hasta 1 día);
• en las comedias del clasicismo el bien triunfa sobre el mal, los vicios son castigados, la línea amorosa se basa en un triángulo;
• los personajes tienen nombres y apellidos "hablantes", ellos mismos tienen una clara división en positivos y negativos.

Profundizando en la historia, vale la pena recordar que la era del clasicismo en Rusia tiene su origen en el escritor que fue el primero en escribir obras de este género (epigramas, sátiras, etc.). Cada uno de los escritores y poetas de esta época fue un pionero en su campo. Lomonosov desempeñó el papel principal en la reforma del idioma ruso literario. Al mismo tiempo, se llevó a cabo una reforma de la versificación.

Como dice Fedorov V.I., los primeros requisitos previos para el surgimiento del clasicismo en Rusia aparecieron durante la época de Pedro el Grande (en 1689-1725). Como género literario, el estilo del clasicismo se formó a mediados de la década de 1730. En la segunda mitad de la década de 1960 se produjo su rápido desarrollo. Hay un amanecer de géneros periodísticos en los periódicos. Evolucionó ya en 1770, pero la crisis comenzó en el último cuarto de siglo. En ese momento, el sentimentalismo finalmente había tomado forma y las tendencias del realismo se intensificaron. La caída definitiva del clasicismo se produjo tras la publicación de "Conversaciones de amantes de la palabra rusa".

El clasicismo en la literatura rusa de las décadas de 1930 y 1950 también influyó en el desarrollo de las ciencias de la Ilustración. En este momento, hubo una transición de la ideología de la iglesia a la secular. Rusia necesitaba conocimientos y mentes nuevas. Todo esto le dio clasicismo.