Edebiyatta sanatsal biçim öğeleri. edebi teori

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Yayınlanan http://www.allbest.ru/

Diyalektiğin evrensel kategorileri - içerik ve biçim - özellikle sanatta kendini gösterir ve estetik teoride merkezi yerlerden birini işgal eder. Hegel, içeriğin biçimin içeriğe geçişinden başka bir şey olmadığını ve biçimin içeriğin biçime geçişi olduğunu söyledi. Sanatın tarihsel gelişimi ile ilgili olarak bu hüküm, içeriğin giderek biçimselleştiği ve sanat dilinin tür-bileşimsel, uzamsal-zamansal yapılarına “yerleştiği” ve böyle “sertleştirilmiş” bir biçimde sanatın gerçek içeriğini etkilediği anlamına gelir. yeni sanat. Bir sanat eseriyle ilgili olarak, bu, düzeylerinden birinin içerik veya biçime ait olmasının göreli olduğu anlamına gelir: her biri, daha yüksek olana göre biçim ve aşağı olana göre içerik olacaktır. Bir sanat eserinin tüm bileşenleri ve seviyeleri, adeta karşılıklı olarak birbirini “vurgular”. Son olarak, sanatta özel içerik ve biçim kaynaşmaları vardır; bunlar örneğin olay örgüsü, çatışma, özne-mekansal organizasyon ve melodiyi içerir.

Bir yandan sanatta, bunların ayrılmasında hazır içerik ve hazır form yoktur, ancak süreç içinde karşılıklı olarak tersine çevrilebilir oluşumları vardır. tarihsel gelişim, yaratıcılık ve algı eyleminde olduğu gibi, sonuç olarak eserde ayrılmaz bir varlıktır. Yaratıcı süreç. Öte yandan, içerik ve biçim arasında kesin bir fark olmasaydı, bunlar birbirinden ayrılamaz ve birbirleriyle ilişkili olarak düşünülemezdi. Göreceli bağımsızlıkları olmadan karşılıklı etki ve etkileşim ortaya çıkamazdı.

estetiközellikleriçerik

Sanatta içerik, sanatsal bir biçimde yeterince somutlaştırılmış ve sosyo-estetik bir değere sahip, ideolojik-duygusal, duyusal-figüratif bir anlam ve anlam alanıdır. Sanatın bireyin iç dünyası üzerindeki yeri doldurulamaz toplumsal ve ruhsal etki işlevini yerine getirebilmesi için içeriğinin uygun özelliklere sahip olması gerekir.

Sanat, değer yönelimleri ile insan dünya görüşünden bağımsız olarak, doğal ve toplumsal gerçekliğin çeşitli alanlarını az ya da çok aracılık ve uzlaşımla yansıtır, yeniden üretir, ancak kendi varlıklarında değil. Başka bir deyişle, sanat, nesnellik ve içsel durumların organik bir birleşimi, şeylerin nesnel niteliklerinin insani manevi, ahlaki, sosyal ve estetik değerler ve değerlendirmelerle birlik içinde bütünsel bir yansıması ile karakterize edilir.

Bu nedenle sanatsal bilgi, estetik ideal tarafından belirlenen sosyo-estetik değerlendirme açısından yer alır. Bununla birlikte, içeriğin değer tarafı, tarihsel gerçekliğe, doğaya, insanların iç dünyasına ve sanatçının kendisine yönelik, kişiliğinin en derin manevi arayışlarını sanat ürünlerinde nesneleştiren belirli sanatsal ve figüratif bilgiler dışında imkansızdır.

Gerçek sanatın amacı, bireyin ruhsal ve yaratıcı, sosyal ve ahlaki gelişimini desteklemek, iyi duygular uyandırmaktır. Sanat nesnesi ile içeriğinin estetik niteliklerini belirleyen yaptırımlar arasındaki derin ilişkinin kökü budur. Sanat konusunda bu, içeriğinin birliği, nesnel ve öznelin birliği, bilginin birliği ve estetik ideale yönelik değer yönelimidir. Sanatın işlevlerinde - bir kişinin organik olarak ayrılmaz, bölünmemiş iç dünyası üzerinde yeri doldurulamaz bir etki. Bu nedenle, sanatın içeriğinde her zaman belirli bir estetik tonalite duyulur: yüce kahramanlık, trajik, romantik, komik, dramatik, pastoral... Üstelik her birinin birçok tonu vardır.

Sanat içeriğinin estetik renklendirilmesinin tezahüründeki bazı genel düzenlilikleri not edelim. Birincisi, her zaman saf haliyle sunulmaz. Trajedi ve hiciv, mizah ve romantizm, idil ve parodi, şarkı sözleri ve ironi birbirine akabilir. İkincisi, özel bir estetik içerik türü yalnızca ilgili sanat türlerinde ve türlerinde somutlaştırılamaz: örneğin, trajik alan sadece trajedi değil, aynı zamanda bir senfoni, roman, anıtsal heykeldir; destanın alanı sadece bir destan değil, aynı zamanda bir film destanı, bir opera, bir şiirdir; dramatik kendini sadece dramada değil, aynı zamanda şarkı sözlerinde, romantizmde, kısa hikayede de gösterir. Üçüncüsü, büyük ve yetenekli sanatçıların içeriğinin genel estetik tonu benzersizdir, ayrı ayrı renklendirilmiştir.

İçeriğin sosyo-estetik özgüllüğü, çeşitli özgün yaratıcı eylemler ve çalışmalarda oluşur. Sanatın malzeme ve dilinin yasalarına göre sanatçının hayal gücünün çalışmasından ve faaliyetinden, fikrin resimsel ve ifade edici düzenlemesinden ayrılamaz. Sanatın içeriği ile imge yasaları, iç düzen yasaları ve biçimsel cisimleşme yasaları arasındaki bu ayrılmaz bağlantıda, sanatın özgünlüğü yatmaktadır.

Sanatsal imgelemenin özgünlüğünün bir tezahürü, içeriğin kesinlik, belirsizlik ve bütünlüğünün diyalektik birliğidir.

I. Kant'ın sanatsal imge ve temsilin belirsizliği hakkındaki fikri, romantikler, örneğin Schelling ve daha sonra sembolizm teorisyenleri ve uygulayıcıları tarafından mutlaklaştırıldı. İmgenin sonludaki sonsuzun bir ifadesi olarak yorumlanması, onun temel ifade edilemezliğinin ve bilgiye karşıtlığının tanınmasıyla ilişkilendirildi.

Bununla birlikte, gerçekte, sanatsal içeriğin belirsizliği sınırsız değildir - yalnızca belirli sınırlar içinde, yalnızca belirli sanatsal içerik seviyelerinde izin verilebilir. Genel olarak sanatçı, ideolojik ve figüratif tasarımının yeterli bir şekilde somutlaştırılması ve onu algılayanlar tarafından yeterli bir şekilde anlaşılması için çaba gösterir. Üstelik yanlış anlaşılmak da istemiyor. Bu vesileyle F.M. Dostoyevski şöyle yazdı: "...Sanatsal...kişinin düşüncesini romanın yüzlerinde ve imgelerinde o kadar net ifade etme yeteneğidir ki, okuyucu, romanı okuduktan sonra, yazarın düşüncesini, yazarın kendisi gibi tam olarak anlayacaktır. eserini yaratırken anladı"2.

Bütünün bağlamı, yalnızca bireysel görüntülerin belirsizliğini yaratmakla kalmaz, aynı zamanda onu ortadan kaldırır ve “ılımlılaştırır”. Çeşitli anlamlı bileşenlerin karşılıklı olarak birbirlerine belirli ve birleşik bir anlamı “açıklamaları” bütün aracılığıyladır. Sonsuz çelişkili yorumlar ancak bütünden soyutlanmış olarak ortaya çıkar. Kesinlik ve belirsizliğin diyalektik etkileşimine ek olarak, içeriğin sanatsal özgüllüğü, akademisyen D. Likhachev'e göre bir sanat eserinde, özel, taklit edilemez bir sosyallik, ahlak, psikoloji ve günlük yaşam dünyası olduğu gerçeğinde ifade edilir. sanatçının yaratıcı hayal gücüyle yeniden yaratılan, kendi yasalarıyla ortaya çıkar.

Sanatsal içeriğin bir diğer özelliği, güncel sosyo-estetik, ahlaki ve manevi konuların güçlü gelenek katmanlarıyla etkileşimidir. Modern ve geleneksel içeriğin oranları, farklı kültürel ve sanatsal bölgelerde, üsluplarda ve sanat türlerinde farklıdır.

Sosyo-tarihsel olan evrenselde, evrensel ise somut-zamansalda ortaya çıkar.

Sanatsal içeriğin yukarıda bahsettiğimiz genel özellikleri, çeşitli biçimlerinde kendine özgü bir şekilde kendini gösterir.

Sanatsal ve sözlü anlatımın olay örgüsünden, içeriğin içinde bulunduğu o belirli alan hakkında konuşabiliriz. Arsa, somut ve maksimum düzeyde eksiksiz bir eylem ve tepkidir, yalnızca fiziksel değil, aynı zamanda içsel, ruhsal plan, düşünce ve duyguların hareketlerinin tutarlı bir tasviridir. Arsa, çalışmanın olaylı omurgasıdır, arsadan zihinsel olarak kapatılabilen ve yeniden anlatılabilen bir şeydir.

Bazen, örneğin şarkı sözlerinin arsa eksikliğinden bahsedebiliriz, ancak hiçbir şekilde arsa eksikliğinden bahsetmeyebiliriz. Arsa, diğer sanat türlerinde ve türlerinde de mevcuttur, ancak bunlarda evrensel bir rol oynamaz.

Doğrudan ve dolaylı sanatsal içerik arasında ayrım yapmak gelenekseldir. Görsel sanatlarda, görsel olarak algılanan nesnellik ve uzamsallık doğrudan, dolaylı olarak ifade edilir - fikir alanı, duygusal ve estetik değerler ve değerlendirmeler. Söz sanatında ise zihinsel ve duygusal içerik daha doğrudan, resimsel ve görsel içerik ise dolaylı olarak ifade edilir. Dans ve balede, görsel-plastik ve duygusal olarak etkilenen içerik doğrudan somutlaşır, ancak dolaylı olarak - felsefi-anlamsal, ahlaki-estetik planlar.

Her tür sanatın içeriğine atfedilebilecek estetik analizin temel kavramlarını ele alalım. Tema (Yunanca tema - nesneden) bu tür evrensel kavramlara aittir - sanat eserinin altında yatan, gerçeklik izlenimlerinden izole edilen ve sanatçının estetik bilinci ve yaratıcılığı tarafından eritilen tözsel birlik. Görüntünün konusu, çevredeki dünyanın, doğanın, maddi kültürün çeşitli fenomenleri olabilir. sosyal hayat, belirli tarihsel olaylar, evrensel manevi sorunlar ve değerler.

Çalışmanın teması, gerçekliğin belirli yönlerinin imajını ve bu sanatsal bilinç, kavrayış ve değerlendirmede içkin olan özgüllerini organik olarak birleştirir. Bununla birlikte, sanatsal bir fikir olarak sanatsal içeriğin bu kadar önemli bir bileşenine kıyasla, sanatsal bir temada bilişsel olarak nesnel, doğrudan resimsel yön baskındır.

Sanatsal bir tema kavramı dört anlam grubunu kapsar. Nesnel bir tema kavramı, içeriğin gerçek kökenlerinin özellikleriyle ilgilidir. Bu aynı zamanda ebedi, evrensel temaları da içerir: insan ve doğa, özgürlük ve zorunluluk, aşk ve kıskançlık.

Kültürel-tipolojik tema, dünya veya ulusal sanatın sanatsal bir geleneği haline gelen anlamlı nesnellik anlamına gelir.

Kültürel-tarihsel bir tema, sanatın, karakterlerin ve deneyimlerin, seçkin sanatçıların eserlerinde somutlaşan koreografik ve müzikal imgelerin, türün bir parçası haline gelen belirli bir sanat tarzında ve yönünde tekrar tekrar ürettiği benzer sosyo-psikolojik çarpışmalardır. mitolojinin cephaneliğinden alınmıştır.

Öznel tema, bu sanatçının karakteristiği olan bir duygu, karakter ve problemler sistemidir (Dostoyevski'de suçlar ve cezalar, Çaykovski'de kader çatışması ve mutluluğa dürtü).

Tüm bu konular, bir sanat eserinin içeriğinin nispeten istikrarlı bir nesnelliği olan "somut sanatsal tema" kavramı ile birleştirilir. Somut bir sanatsal tema, bir sanat eserinin eşsiz dünyasının keşfedildiği, plastik, müzikal-melodik, grafik, anıtsal, dekoratif ve biçimsel düzenleme ile birleştirildiği ve belirli bir türle aşılandığı ana kategorilerden biridir. gerçekliğe içerik-estetik tutum (trajik, komik, melodramatik ). Nesnenin ve kültürel-sanatsal temanın yönlerini bu esere ve bu sanatçıya içkin yeni bir kaliteye dönüştürür.

Estetikte, içeriğin öznel-değerlendirici, duygusal-ideolojik yönünü belirlemeye yönelik kavramlar vardır. Bunlar arasında klasik estetikte gelişen “pathos” kavramı, modern estetikçilerin eserlerinde şekillenen “eğilim” kavramı yer alır.

Klasik estetikte pathos kategorisi (Yunanca pathos - derin, tutkulu bir duygu), sanatçının diğer tüm dürtü ve arzuların yerini alan, plastik olarak ifade edilen ve büyük bulaşıcı güce sahip olan, her şeyi fetheden manevi tutkusudur.

Pathos'ta, en içteki öznellik yoluyla, en samimi estetik dünya görüşü aracılığıyla, sanatçının özlemlerinin büyük dünyası parlıyorsa, o zaman “eğilim” kavramında bilinçli, tutarlı sosyal yönelim momenti, öznenin dünya görüşünün tutarlı bir şekilde dahil edilmesi. toplumsal fikirlerin ve özlemlerin ana akımında vurgulanır. Açık bir sanatsal eğilim, belirli sanat türlerinde ve tarzlarında kendini gösterir: hiciv, sivil şiir, sosyal roman. Bununla birlikte, sanatta, mecazi olarak duygusal olarak ifade edilen bir fikir olarak, lirik deneyime uygun olarak, gazetecilik açısından sivri bir eğilim mutlaka gelişmelidir.

Diğer türlerde ve üsluplarda, yalnızca anlatının derinliklerinde gizlenmiş gizli, alt metinsel bir eğilim mümkündür.

Sanatın içeriğini karakterize eden en önemli kategori, sanatsal fikirdir (Yunancadan - tür, görüntü, cins, yöntem) - bitmiş eserin bütünsel figüratif ve estetik anlamı. Günümüzde sanatsal fikir, klasik estetikte olduğu gibi eserin tüm içeriğiyle özdeşleştirilmemekte, onun baskın duygusal, figüratif ve sanatsal estetik anlamı ile örtüşmektedir. Çatışma, karakterler, olay örgüsü, kompozisyon, ritim içinde somutlaşan eserin tüm sistemi, parçaları ve detayları ile ilgili olarak sentezleyici bir rol oynar. Bedenlenmiş sanatsal fikri, ilk olarak, sanatçının yaratıcılık sürecinde geliştirdiği ve somutlaştırdığı fikir-tasarımdan ve ikinci olarak, zaten yaratılmış bir sanat eserinin alanından zihinsel olarak çıkarılan ve ifade edilen fikirlerden ayırt etmek gerekir. fikirlerin kavramsal bir biçimi (eleştiride, sanat tarihinde, mektup ve kuramsal mirasta).

Sanatsal bir fikrin anlaşılmasındaki birincil rol, eserin doğrudan estetik algısıdır. Bir kişinin önceki tüm sosyo-estetik pratiği, bilgi düzeyi ve değer yönelimi tarafından hazırlanır ve bazen sanatsal bir fikrin formülasyonunu içeren bir değerlendirme ile sona erer. İlk algılama sırasında, sanatsal fikrin genel yönelimi, tekrarlanan ve tekrarlanan - kavranır. Genel izlenim somutlaştırılır, yeni, daha önce algılanmamış temalar, motifler, içsel “bağlar” tarafından pekiştirilir. Bir sanat eseri fikrinde, içeriğin neden olduğu duygu ve düşünceler, olduğu gibi, doğrudan duyusal imgeleme alanının ötesine geçer. Ama tam olarak "sanki": bir sanat eserinin algılanması aşamasında, her durumda, ondan tamamen kopmamalıdırlar. Bilimsel bilgide bir fikir belirli bir kavram türü veya bir teori olarak ifade edilirse, sanatsal bir fikrin yapısında dünyaya karşı duygusal bir tutum, acı, sevinç, reddetme ve kabul ile istisnai bir rol oynar. Sanatsal fikirlerin, yaşamı anlama derinliği ve doğruluğu, figüratif düzenlemenin özgünlüğü ve estetik mükemmelliği ile belirlenen değişen derecelerde sosyal ve estetik saygınlık ve önemden söz edebiliriz.

XsanatsalformveoBileşenler

Sanatsal yaratıcılığın maddi ve fiziksel temeli, yardımı ile fikrin nesnelleştirildiği ve bir sanat eserinin iletişimsel-gösterge nesnelliğinin yaratıldığı, genellikle sanat malzemesi olarak adlandırılır. Bu, sanatçının yaratıcılık sürecinde ihtiyaç duyduğu sanatın malzemesidir: kelime, granit, sanguine, ahşap veya boya.

Materyal, onu yeniden yaratmak için hayal gücünü ve yaratıcı dürtüyü büyülemek, vaat etmek, cezbetmek, heyecanlandırmak için tasarlanmıştır, ancak aynı zamanda öncelikle yetenekleriyle ilgili belirli sınırlar koyar. Malzemenin bu gücü ve sanatın dayattığı gelenekler sanatçılar tarafından diyalektik olarak değerlendirildi: hem ruhun ve hayal gücünün özgürlüğünü sınırlayan acılı bir atalet, hem de yaratıcılığın faydalı bir koşulu, muzaffer usta için bir neşe kaynağı olarak. malzemenin inatçılığı üzerinde.

Malzeme seçimi, sanatçının bireysel özellikleri ve belirli bir fikrin yanı sıra, gelişiminin belirli bir aşamasında genel görsel teknik yetenekler ve sanatın üslupsal özlemleri ile belirlenir.

Sanatçının kullandığı malzeme, nihayetinde zamanın önde gelen içerik ve stil trendlerine odaklanıyor.

Malzemeyle çalışma sürecinde sanatçı, fikri netleştirme ve derinleştirme, içinde yeni potansiyeller, yönler, nüanslar keşfetme, yani yalnızca karşılık gelen benzersiz sanatsal içeriği somutlaştırma fırsatı bulur. cisimleşmiş yapı. Yeni bir eser yaratmak, en çok güvendiği Genel anlam Kültür ve sanat tarihinin etkisi altındaki malzemede “birikmiş” olan. Ancak sanatçı, algımızı belirli bir yöne yönlendirerek bu anlamı somutlaştırmaya çalışır.

Malzeme temsilleri sistemi malzeme ile yakından bağlantılıdır. ifade aracı belirli bir sanat türünün özelliği, sanatsal dili. Resmin belirli bir sanatsal dilinden bahsedebiliriz: renk, doku, doğrusal yapı, iki boyutlu bir düzlemde derinliği düzenlemenin bir yolu. Veya grafik dili hakkında: bir çizgi, bir kontur, sayfanın beyaz yüzeyine göre bir nokta. Veya şiir dili hakkında: tonlama-melodik araçlar, ölçü (metre), kafiye, dörtlük, fonik sesler.

Sanat dilinin kendine özgü bir sembolizmi vardır. İşaret, başka bir nesneyi belirleyen ve iletişim amaçları için onun yerini alan, duyusal olarak algılanan bir nesnedir. Bir sanat yapıtında buna benzetme yaparak, maddi-resimsel taraf yalnızca kendisini temsil etmez, maddileştirilmiş düzlemden ayrı olarak var olan diğer nesnelere ve fenomenlere atıfta bulunur. Ayrıca, herhangi bir gösterge gibi, sanatsal bir gösterge de sanatçı ile algılayan arasındaki anlayışı, iletişimi ifade eder.

Göstergebilim veya gösterge sisteminin işaretleri, belirli bir kültürel grup için az çok sabit bir değeri olan temel bir işaret birimini seçmesi ve bu birimlerin birbirine bağlanmasının belirli kurallara (sözdizimi) göre gerçekleştirilmesidir. Kanonik sanat, gerçekten de, gösterge ve anlam arasında nispeten istikrarlı bir ilişki ile ve bir öğenin diğerini gerektirdiği, bir ilişkinin diğerini gerektirdiği az çok açıkça tanımlanmış bir sözdiziminin varlığı ile karakterize edilir. Yani, bir peri masalı türünü keşfetmek, V.Ya. Propp, türün normatif doğasını, belirli bir alfabeyi ve sözdizimini kesinlikle gözlemlediğine dair haklı bir sonuç çıkarır: 7 peri masalı rolü ve 31 işlevi. Ancak, Propp'un analizinin ilkelerini Avrupa romanına uygulama girişimleri başarısız oldu (tamamen farklı sanatsal yapı ilkelerine sahiptir).

Aynı zamanda, tüm sanat türlerinde, maddi ve grafik tarafı, işaret küresi, şu veya bu konu-manevi içeriği ifade eder.

Bu nedenle, sanatta katı bir semiyotik sistemin işaretleri hiçbir şekilde evrensel değil, yerel bir karaktere sahipse, o zaman kelimenin geniş anlamıyla sembolizm işaretleri şüphesiz herhangi bir sanatsal dilde mevcuttur.

Şimdi, bu kadar uzun bir önsözden sonra nihayet kavramın tanımına geçebiliriz. Sanat formu

Sanatsal biçim, belirli bir sanat türü ve türünün yasalarına ve ayrıca daha yüksek anlamlara göre daha düşük anlam seviyelerine göre içeriğin maddi-nesne varlığını ifade etmenin bir yoludur. BT genel tanım formlar ayrı bir sanat eseriyle ilişkili olarak belirtilmelidir.Bütünsel bir eserde form, benzersiz bir içeriği ifade etmek için bir araya getirilen bir dizi sanatsal araç ve tekniktir. Bunun tersine, sanatın dili, formun tipolojik, normatif yönleri kadar potansiyel ifade araçlarıdır ve çok sayıda belirli sanatsal enkarnasyondan zihinsel olarak soyutlanmıştır.

İçerik gibi sanat biçiminin de kendi hiyerarşisi ve düzeni vardır. Bazı seviyeleri manevi ve mecazi içeriğe, diğerleri ise eserin maddi ve fiziksel nesnelliğine yönelir. Bu nedenle, iç ve dış biçim arasında bir ayrım yapılır. İçsel biçim, içerik düzenini biçim düzenine ya da sanatın yapısal-bileşimsel, tür-yapıcı yönüne dönüştürmenin ve ifade etmenin bir yoludur. Dış form - içsel formu ve onun aracılığıyla - içeriği somutlaştırmak için belirli bir şekilde organize edilmiş somut olarak duyusal araçlar. Dış biçim en yüksek içerik düzeyleriyle daha dolaylı olarak bağlantılıysa, o zaman sanat malzemesiyle - doğrudan ve doğrudan.

Sanat biçimi nispeten bağımsızdır, kendi içsel, içkin gelişim yasalarına sahiptir. Bununla birlikte, sosyal faktörlerin sanat formu üzerinde yadsınamaz bir etkisi vardır. Gotik, Barok, Klasisizm, İzlenimcilik dili, dönemin sosyo-tarihsel ikliminden, hakim ruh hallerinden ve ideallerden etkilenmiştir. Aynı zamanda, sosyo-tarihsel ihtiyaçlar, ustalaşmış malzemeler ve bunların işlenmesi araçları, bilim ve teknolojinin başarıları (Michelangelo'nun mermer işleme yöntemi, İzlenimcilerin ayrı vuruş sistemi, metal yapılar yapılandırmacılar).

Belirli dinamiklere yatkın olmayan en istikrarlı algısal faktör bile sanatın dilini kendi başına değil, sosyal bir bağlamda etkiler.

Sanatın dilini ve biçimini etkileyen sosyo-kültürel faktörleri inkar etmek yanlışsa, onların içsel, sistemsel bağımsızlığını görmemek de yanlıştır. Sanatın doğadan aldığı her şey, kamusal yaşam, teknoloji, günlük insan deneyimini yenilemek, biçimsel araçlarını zenginleştirmek, belirli bir sanatsal sistem halinde işlenir. Bu özel ifade araçları, sanatın dışında değil, sanat alanında oluşturulur. Örneğin, şiirsel konuşmanın ritmik organizasyonu, müzikte melodi, resimde doğrudan ve ters perspektif.

Sanatsal temsil ve ifade araçları, sistematik, içsel olarak şartlandırılmış olma eğilimindedir ve bu nedenle, kendini geliştirme ve kendini geliştirme yeteneğine sahiptir. Her sanat biçiminde, belirli ifade araçlarının iç organizasyonunun yasaları vardır. Bu nedenle, aynı ifade aracı, farklı işlevler yerine getirir. farklı şekiller sanatlar: resim ve grafikte çizgi, söz ve romanda söz, müzik ve şiirde tonlama, resim ve sinemada renk, pandomimde jest, dans, dramatik eylem. Aynı zamanda bazı sanat türlerini ve türlerini şekillendirme ilkeleri diğerlerini de etkiler. Son olarak, olağanüstü bir yaratıcı bireysellik tarafından yeni ifade biçimleri yaratılır.

Sanatsal dil, bu nedenle, bir dizi sosyo-tarihsel ve kültürel-iletişimsel faktörün etkisi altında oluşur, ancak bunlara içsel, sistemik gelişiminin mantığı aracılık eder. Sanatta baskın biçimler, estetik kültürün genel düzeyi ve doğası tarafından belirlenir.

İçerik analizinde olduğu gibi sanatsal formu ele alırken en yaygın bileşenleri seçiyoruz. Dışında herhangi bir sanat eseri yaratmanın imkansız olduğu şekillendirme ilkelerinin özellikleri üzerinde duralım. Bunlar; tür, kompozisyon, sanatsal mekan ve zaman, ritimdir. Bu, sanatın genel estetik yönünü yansıtan sözde iç biçimdir. dış araçlar ifadeler kendi türlerine özgüdür.

Tür - nispeten istikrarlı, tekrarlayan sanatsal yapıların tarihsel olarak kurulmuş çalışma türleri. Sanat eserlerinin tür dernekleri, temel olarak, karakteristik bir estetik özelliğe göre, çeşitli işlevlerle bağlantılı olarak, kompozisyonun konu-tematik yakınlığı ve özellikleri temelinde gerçekleşir. Tematik, kompozisyon, duygusal ve estetik özellikler çoğu zaman birbirleriyle sistemik bir ilişki yaratır. Bu nedenle, anıtsal heykel ve küçük plastik sanat, malzemede olduğu kadar tematik, estetik-duygusal, kompozisyon özelliklerinde de farklılık gösterir.

Sanatın tür gelişimi iki eğilimle karakterize edilir: bir yanda farklılaşma eğilimi, türlerin birbirinden yalıtılması ve diğer yanda etkileşim, iç içe geçme, senteze doğru. Tür ayrıca normun sürekli etkileşimi ve ondan sapma, göreceli istikrar ve değişkenlik içinde gelişir. Bazen en beklenmedik biçimler alır, diğer türlerle karışır ve dağılır. Dışarıdan türün normlarına uygun olarak yazılmış yeni bir eser, onu gerçekten yok edebilir. Bir örnek, A.S.'nin şiiridir. Eserin tür normlarının dışında kalan, aynı zamanda şiirin belirli özelliklerini koruyan klasik kahramanlık şiirinin parodisini yapan Puşkin "Ruslan ve Lyudmila".

Kurallardan ayrılma, yalnızca onların temelinde, olumsuzlamanın olumsuzlanmasının evrensel diyalektik yasasına uygun olarak mümkündür. Yenilik izlenimi, yalnızca diğer sanat eserlerinin normları hatırlandığında ortaya çıkar.

İkincisi, sanatın benzersiz, somut içeriği, türün "hafızasını" tutan şeyle etkileşime girer. Hayat, türlere, ortaya çıktıkları ve tarihsel ve kültürel gelişim dönemlerinde dolduruldukları gerçek içerik verir. Yavaş yavaş, tür içeriği özgüllüğünü kaybeder, genelleşir, bir “formül” anlamını ve yaklaşık bir anahat kazanır.

Kompozisyon (Latince compositio'dan - düzenleme, kompozisyon, ekleme), birbirleriyle ve bütünle tutarlı, aynı tip ve heterojen bileşenlerin ve parçaların bağlantı ilkesi olan bir sanat eseri oluşturmanın bir yoludur. Kompozisyonda, sanatsal içeriğin ve biçimle ilgili iç ilişkilerinin geçişi ve biçimin düzeni - içeriğin düzenine gerçekleştirilir. Bu sanat alanlarının yapım yasalarını ayırt etmek için bazen iki terim kullanılır: arkitektonik - içerik bileşenlerinin ilişkisi; kompozisyon - bir form oluşturma ilkeleri.

Başka bir farklılaşma türü daha vardır: yapının genel biçimi ve işin büyük bölümlerinin ilişkisine arkitektonik denir ve daha kesirli bileşenlerin bileşenlerinin ilişkisine kompozisyon denir. Mimari teorisinde ve konu ortamının organizasyonunda, başka bir çift ilgili kavramın kullanıldığı dikkate alınmalıdır: inşaat - formun maddi bileşenlerinin, işlevlerini tanımlayarak elde edilen birliği ve kompozisyon - sanatsal görsel algı ve sanatsal ifadenin özelliklerini, dekoratifliği ve formun bütünlüğünü dikkate alarak yapıcı-işlevsel özlemlerin tamamlanması ve vurgulanması.

Kompozisyon, belirli bir sanat türü ve türüne özgü oluşum yöntemleri ve algılama özellikleri, kanonlaştırılmış kültür türlerinde sanatsal bir örnek / kanon / oluşturma yasaları ve sanatçının bireysel kimliği ile koşullandırılır. daha az kanonize kültür türlerinde bir sanat eserinin benzersiz içeriği.

İdeolojik ve sanatsal içeriği şekillendirmenin ve ifade etmenin evrensel araçları, sanatsal mekan ve zamandır - gerçekliğin uzamsal-zamansal yönlerinin ve bunlarla ilgili fikirlerin figüratif-sembolik ve koşullu sanat yöntemlerinde yansıması, yeniden düşünülmesi ve özel düzenlemesidir.

Mekân sanatlarında mekân, dolaysız içerik olarak adlandırılan bir biçim haline gelmiştir.

Geçici sanatlarda uzamsal imgeler, sözcükler gibi uzamsal olmayan materyallerin yardımıyla yeniden yaratılan, dolayımlı içerik haline gelen bir formdur. Sanatçının sosyo-etik, sosyo-estetik fikirlerini yansıtmadaki rolleri çok büyüktür. Örneğin, Gogol'un eserlerinin sanatsal içeriği, bir çitle çevrili mekansal varoluş biçiminin dışında ve onun estetik ideali - sınırsız genişliğin dışında, geniş, özgür bozkırın ve bilinmeyen mesafeye uzanan yolun dışında hayal edilemez. Dahası, bu yolun görüntüsü belirsizdir: hem bir arabanın ya da bir britzka'nın sallandığı gerçek, gevşek, çukurlu bir yol ve yazarın "uzaklardan güzel" gördüğü bir yoldur. Dostoyevski'nin kahramanlarının dünyası - St. Petersburg köşeleri, avlu kuyuları, tavan araları, merdivenler, günlük yaşam. Aynı zamanda - kalabalık, "katedral" skandal ve tövbe sahneleri. Bu, acı verici bir şekilde beslenmiş düşüncelerin ve açık bir alanda kamuya açık olarak gözlemlenebilir eylemlerin yalıtılmasıdır.

Sanatsal zaman, esas olarak zamansal sanatlarda tözsel işlevleri yerine getirir. Sinemada zamanın görüntüsü ya uzatılır ya da sıkıştırılır. Geçici hareket izlenimi, çeşitli ek araçlarla belirlenir: kare hızı, kamera açıları, ses ve görüntü oranı, planlar. Bu, A. Tarkovsky'nin filmlerinde kolayca izlenebilir. Bir kişinin ve kişisel zamanının sonsuzlukla karşılaştırılması, bir kişinin dünyadaki ve zaman içindeki varlığı - böyle soyut bir sorun, tamamen somut araçlar yardımıyla yansıtılır. Enstrümantal müziğin ve koreografik performansın estetik, anlamlı ve semantik izleniminde tempo ve müziğin rolü. çeşitli tipler ritmik-zamansal ilişkiler. Burada eserin zamansal görüntüsünü ve onun aracılığıyla ideolojik ve duygusal anlamı yaratan tüm araçlar yazar veya icracı tarafından belirlenir. Ve algılayan, onları yalnızca ek figüratif-anlamsal çağrışımların özgürlüğüne sahip olarak eşzamanlı olarak algılamalıdır.

Durum, uzamsal olarak durağan sanatlarda sanatsal zamanla biraz farklıdır: görüntülerinin algılanması, sanatçı tarafından bu kadar katı bir şekilde belirlenmez. Ancak uzamsal sınırları olmayan ağırlıksız bir kelimenin sürekli olarak nesne-mekansal görüntüleri yeniden üretmesi gibi, heykeltıraşın hareketsiz malzemesi de bir durumdan diğerine geçişlerin tasviri sayesinde duruşlar, jestler sayesinde görünüşte kontrolünün ötesinde hareketi yeniden yaratır. , açılar, hacim vurguları yoluyla bir biçimden diğerine hareketin gelişmesi sayesinde.

Ritim (Yunancadan - boyutluluk, incelik) - uzayda veya zamanda eşit ve orantılı aralıklarla aynı ve benzer bileşenlerin düzenli bir tekrarı. Sanatsal ritim bir birliktir - algı ve şekillendirmenin optimal olasılıkları ve nihayetinde bir sanat eserinin içerik-figüratif yapısı tarafından motive edilen norm ve sapma, düzen ve düzensizliğin etkileşimi.

Sanatta, iki ana ritmik kalıp türü ayırt edilebilir: nispeten kararlı (düzenleyici, kanonlaştırılmış) ve değişken (düzensiz, kanonlaştırılmamış). Düzenli ritimler, süs sanatı, müzik, dans, mimari ve şiir için tipik olan sanatsal dönemlerin (metre) açıkça tanımlanmış bir ölçülebilirlik birimine dayanır. Düzensiz, kanonlaştırılmamış ritimlerde, periyodiklik katı ölçünün dışında gerçekleştirilir ve yaklaşık ve tutarsızdır: görünür ve kaybolur. Bununla birlikte, bu iki ritim türü arasında oldukça az sayıda geçiş formu vardır: sözde serbest şiir, ritmik nesir ve pandomim. Ek olarak, düzenli, kanonlaştırılmış bir ritim daha özgür ve daha karmaşık bir karakter kazanabilir (örneğin, 20. yüzyılın müzik ve şiirinde).

Ritmin anlamlı işlevini anlamak için, bir sanat eserinin tüm seviyelerinde kendini gösterdiğini hesaba katmak gerekir.Daha düşük düzeydeki herhangi bir ritmik dizi, eserin teması ve fikri ile doğrudan ilişkilendirilmemelidir. . Şiirde, müzikte, mimaride ritmin anlamsal işlevi, türle olan bağlantısıyla ortaya çıkar.

Ritim, deyim yerindeyse, yinelenen bileşenlerin tüm yapısı boyunca bir bileşenin anlamını "taşır", ek içerik tonlarını ortaya çıkarmaya yardımcı olur, bir sanat eserinin genel anlamlı bir bağlam içinde

Bir sanat eserindeki ritmik seriler, tek bir figüratif ve estetik izlenimi güçlendirerek birbiri üzerine bindirilebilir.

Sanatta yaşam süreçlerinin ritim (bir atın koşması, tren tekerleklerinin takırtısı, sörfün sesi), zamanın hareketi, nefes alma dinamikleri ve duygusal iniş çıkışlar yardımıyla bir taklidi de vardır. . Ancak ritmin anlamlı işlevi bu tür taklitlere indirgenemez.

Böylece ritim, tasvir edilen nesnenin dinamiklerini ve yaratıcı öznenin duygusal yapısını dolaylı olarak aktarır; biçimsel tekrarların semantik alanına “çekilmesi” sayesinde, sayısız karşılaştırma ve analojiler nedeniyle eserin ifade-anlamlı kapasitesini arttırır; temaların ve tonlama-figüratif motiflerin değişimini vurgular.

Klasik estetik, uzun zamandır orantılılık, orantılar, “altın bölüm”, ritim, simetriyi güzelliğin resmi bir tezahürü olarak kabul etti. Altın Oran, büyük olanın küçük olanla olduğu gibi, bütünün de büyük kısmıyla ilişkili olduğu bir oranlar sistemidir. Altın bölüm kuralı şu formülle ifade edilir: c / a \u003d a / b, burada c bütünü gösterir, a - daha büyük kısım, b - daha küçük. Bu desenler gerçekten de sanat formunun karakteristiğidir. Ve en önemlisi - formun güzelliğinin estetik zevki, yüksek derecede uygunluk, somutlaştırılmış içeriğinin yeterliliği ile belirlenir. Estetik açıdan bu tür bir uygunluk uyum olarak kabul edilebilir.

Etkileşimformlarveiçerik

Sanatsal içerik, sanatsal biçimle ilgili olarak öncü, tanımlayıcı bir role sahiptir. İçeriğin biçimle ilgili öncü rolü, biçimin sanatçı tarafından niyetini ifade etmek için yaratılmış olması gerçeğinde kendini gösterir. Yaratıcılık sürecinde, ruhsal olarak anlamlı bir fikir ve hisler-izlenimler hakimdir, ancak form bazı durumlarda onu “ittirir” ve hatta yönlendirir. Yavaş yavaş içerik daha dolgun ve daha kesin hale gelir. Ancak zaman zaman formun “prangalarından” ve sınırlarından kurtulmaya çalışıyor gibi görünse de, bu öngörülemeyen dürtü, ustanın malzemedeki güçlü iradeli, yapıcı ve yaratıcı çalışmasıyla dizginlenir. Yaratıcı süreç, içeriğin başrolde olduğu mücadeleyi, biçim ve içerik arasındaki çelişkiyi gösterir.

Son olarak, içeriğin biçimin koşulluluğu, bitmiş bir sanat eserinde, büyük biçim "bloklarının" ve bazen "atomik" düzeyinin içerik tarafından belirlenmesi, ifadesi için var olması gerçeğinde de ifade edilir. Biçimin bazı katmanları içerik tarafından daha doğrudan koşullanırken, diğerleri daha az, nispeten daha bağımsızdır, teknik değerlendirmeler tarafından belirlenir, bu şekilde hedefler şekillendirir. daha düşük seviyeler Bir sanat eserinin içeriği her zaman mümkün değildir ve içerikle ilişkilendirilmelidir, dolaylı olarak onun içine girerler.

İçerik, bireyin dinamik ruhsal arayışları ile gelişen gerçeklikle daha doğrudan bağlantılı olduğu için sürekli yenilenme eğilimini ortaya koymaktadır. Biçim daha durağandır, içeriğin gerisinde kalma, yavaşlama, gelişimini engelleme eğilimindedir. Biçim her zaman içeriğin tüm olanaklarını gerçekleştirmez, içerik tarafından koşullandırılması eksiktir, görecelidir, mutlak değildir. Bu nedenle sanatta da diğer süreç ve olgularda olduğu gibi biçim ve içerik arasında sürekli bir mücadele vardır.

Aynı zamanda, sanat formu nispeten bağımsız ve aktiftir. Sanattaki formlar, insanlığın geçmiş sanatsal deneyimiyle ve modern arayışlarla etkileşime girer, çünkü sanatın gelişiminin her aşamasında nispeten istikrarlı bir anlamlı formlar sistemi vardır. Estetik “aşınma ve yıpranma” derecesini hesaba katarak, aynı anda hem önce gelen hem de hareket eden formların bağlamına yaratılan formun bilinçli veya sezgisel bir yansıması vardır. Formun etkinliği, hem sanatın tarihsel gelişimi sürecinde hem de yaratıcılık eyleminde ve bir sanat eserinin sosyal işleyişi düzeyinde, performans yorumunda ve estetik algısında kendini gösterir.

Sonuç olarak, içerik ve biçim arasındaki göreli farklılık, onların çelişkisi, sabit özellik sanatın yeni estetik keşiflere doğru hareketi. Bu çelişki, yeni içerik arayışının hala güvence altına alınmadığı yeni bir yön, stil oluşumu dönemlerinde açıkça ifade edilir. yeni form ya da yeni biçimlerin sezgisel kavrayışının erken olduğu ve dolayısıyla içerik için sosyal ve estetik ön koşulların eksikliği nedeniyle sanatsal olarak gerçekleştirilemez olduğu ortaya çıktığında. Yoğun bir yeni içerik arayışıyla birleşen, ancak yeterli sanatsal biçimler bulamayan “geçiş” çalışmalarında, tanıdık, daha önce kullanılmış oluşumların işaretleri görünür, sanatsal olarak yeniden düşünülmemiş, yeni içeriği ifade etmek için yeniden eritilmemiş. Çoğu zaman bunun nedeni, yeni içeriğin sanatçı tarafından yalnızca belirsiz bir şekilde hissedilmesidir. Bu tür çalışmalara örnek olarak T. Dreiser'ın "Amerikan Trajedisi" ve M. Bulgakov'un ilk öyküleri verilebilir. Bu tür geçiş çalışmaları, genellikle sanatın gelişimindeki akut krizler veya sanatçı ile kendisi arasındaki yoğun polemiklerin, alışılmış düşünce ve yazma tarzının ataleti ile ortaya çıktığı dönemlerde ortaya çıkar. Bazen eski form ve yeni içeriğin bu çatışmasından maksimum sanatsal etki elde edilir ve yeni bir düzeyde harmonik bir yazışma yaratılır. Bitmiş bir sanat eserinde, içerik ve biçim açısından birlik hakimdir - yazışma, karşılıklı bağlantı ve karşılıklı bağımlılık. Burada formun bütünlüğünü bozmadan içerikten ayrılması mümkün değildir. İçinde içerik ve biçim karmaşık bir sistemle bağlantılıdır.

İçeriğin ve biçimlerin estetik birliği, onların belirli bir olumlu tekdüzeliklerini, ilerici ve sanatsal olarak geliştirilmiş içeriklerini ve tam teşekküllü biçimlerini varsayar. İçerik ve biçim birliğini, yani biri olmadan diğerinin var olamayacağını, belirli bir sanatsal ölçüt ve ideal olarak içerik ve biçimin örtüşmesinden ayırt etmek tavsiye edilir. Gerçek bir sanat eserinde, bu yazışmaya yalnızca bir yaklaşım bulunur.

sanat anlamı sanat

İTİBARENedebiyat listesi

1.Bahtin M.M. Sözlü anlatımda içerik, malzeme ve biçim sorunu artistik yaratıcılık// Bakhtin M.M. Edebiyat ve estetik soruları. M.1975.

2. Gaçev G.D. Sanat formunun içeriği. M. 1968.

3. Hegel G.W.F. Estetik. T, 1-4, M. 1968-1974.

4. Girshman M.M. Edebi eser. Analiz teorisi ve pratiği. M. 1991.

5. Khalizev V.E. Edebiyat Teorisi. M.1999.

Allbest.ru'da barındırılıyor

Benzer Belgeler

Bir sanat eserinin çok kültürlü alanı. A.S.'nin şiirinin kültürel analizi Puşkin "Tazit". Belarus okul çocukları tarafından Rus edebiyatı eserlerinin algılanması. Bir sanat eserinin kültürün bir "haznesi" olarak nitelendirilmesi.

dönem ödevi, 27/11/2009 eklendi


İç dünya sözlü sanat eserleri. Yaratıcı bir bakış açısıyla gerçeklik dünyası. Eserde dünyanın sosyal ve ahlaki yapısı. A. Akhmatova'nın "Muse" şiirindeki sanat dünyası. Zamansal ve mekansal özellikler.

özet, 27/05/2010 eklendi


Sanatsal metnin özellikleri. Bir edebi metinde bilgi çeşitleri. Alt metin kavramı. Bir sanat eserinin metnini ve alt metnini psikolojik bir sorun olarak anlama. M. Bulgakov'un "Köpeğin Kalbi" hikayesindeki alt metnin ifadesi.

tez, eklendi 06/06/2013


Eserin ideolojik ve tematik içeriğinde yazarın sanatsal becerisinin açıklanması. I.S.'nin hikayesinin ana arsa-figüratif çizgileri. Turgenev "Bahar Suları". Metin özelliklerine yansıyan ana ve ikincil karakterlerin görüntülerinin analizi.

dönem ödevi, eklendi 04/22/2011


Bir edebi eserin yapısı, tür biçimi, figüratif sistemi. Sanatsal bir karakterin imajının yapısı: sözlü, konuşma, psikolojik portreler, isim, uzay-zaman sürekliliği. Lisede edebi metin analizi.

tez, 21/01/2017 eklendi


Paulo Coelho'nun "Üç Sedir" eserinin içeriğinin sosyal önemi. Yazarın ideolojik konumu. Eylemlerin motivasyonu ve gelişim mantığı, karakterlerin doğası. Tür özellikleri dikkate alınarak eserin dili ve üslubu. hikayenin duygusal kapasitesi.

kitap analizi, eklendi 08/07/2013


Hikayenin edebi metnini N.V. Gogol'un "Taşıma". Belirsiz kelimelerin yorumlanmasının netleştirilmesi. Eserin tarzı, bir cümlede kelimeleri düzenleme kuralları. Metnin ideolojik içeriği, kompozisyonu ve ana görüntüleri, kullanılan ifade biçimleri.

özet, 21.07.2011 eklendi


Amerikalı yazar Margaret Mitchell'in "Rüzgar Gibi Geçti" adlı tarihi romanın yazımını etkileyen faktörlerin incelenmesi. romandaki karakterlerin karakterizasyonu. Prototipler ve eserdeki karakterlerin isimleri. Romanın ideolojik ve sanatsal içeriğinin incelenmesi.

özet, eklendi 12/03/2014


Sosyal problemler, Gianni Rodari'nin "Cipollino'nun Maceraları" masalında vurgulanmıştır. İşin yönü, türü ve türü. Masalın ideolojik ve duygusal değerlendirmesi. Eserin ana karakterleri, arsa, kompozisyon, sanatsal özgünlüğü ve anlamı.

kitap analizi, eklendi 04/07/2017


Bir sanat eserinin karakterinin dilsel kişiliği olgusunun tanımlanması. Bir sanat eserinin yazarı ve karakterleri, etkileşimli dilsel kişilikler olarak. Yazarın dilsel kişiliği. John Fowles'ın "The Collector" adlı romanının kahramanlarının konuşma portreleri.

Bir edebi eserin analiz ilkeleri ve yöntemleri Esin Andrey Borisovich

Yapı olarak sanat eseri

Bir sanat eserinin belirli yönlerden, unsurlardan, yönlerden vb. oluştuğu ilk bakışta bile açıktır. Başka bir deyişle karmaşık bir iç kompozisyona sahiptir. Aynı zamanda, eserin tek tek parçaları birbiriyle o kadar yakından bağlantılı ve birleşmiştir ki, bu, eseri metaforik olarak canlı bir organizmaya benzetmek için sebep verir. Çalışmanın bileşimi, bu nedenle, yalnızca karmaşıklık ile değil, aynı zamanda düzen ile de karakterize edilir. Bir sanat eseri, karmaşık biçimde organize edilmiş bir bütündür; Bu bariz gerçeğin gerçekleşmesinden, işin iç yapısını bilme, yani tek tek bileşenlerini seçme ve aralarındaki bağlantıları gerçekleştirme ihtiyacı gelir. Böyle bir tutumun reddedilmesi, kaçınılmaz olarak eser hakkında ampirizme ve mesnetsiz yargılara yol açar, onun değerlendirmesinde keyfiliği tamamlar ve nihayetinde sanatsal bütüne dair anlayışımızı zayıflatır, onu birincil okuyucunun algı düzeyinde bırakır.

Modern edebiyat eleştirisinde bir eserin yapısını oluşturmada iki ana eğilim vardır. Birincisi, tıpkı dilbilimde ayrı bir ifadede fonetik, morfolojik, sözlüksel, sözdizimsel seviyelerin ayırt edilebildiği gibi, bir eserdeki bir dizi katmanın veya düzeyin ayrılmasından kaynaklanır. Aynı zamanda, farklı araştırmacılar hem düzeyler kümesini hem de ilişkilerinin doğasını eşit olmayan bir şekilde hayal ederler. Yani, M.M. Bakhtin eserde her şeyden önce iki seviye görür - "konu" ve "konu", tasvir edilen dünya ve görüntünün kendisinin dünyası, yazarın gerçekliği ve kahramanın gerçekliği. MM. Hirshman daha karmaşık, çoğunlukla üç seviyeli bir yapı önerir: ritim, olay örgüsü, kahraman; ek olarak, eserin özne-nesne organizasyonu bu seviyelere “dikey olarak” nüfuz eder, bu da nihayetinde doğrusal bir yapı değil, sanat eserinin üzerine bindirilmiş bir ızgara yaratır. Bir sanat eserinin, onu çeşitli düzeyler, dilimler biçiminde temsil eden başka modelleri de vardır.

Açıkçası, seviyelerin tahsisinin öznelliği ve keyfiliği, bu kavramların ortak bir dezavantajı olarak düşünülebilir. Ayrıca, henüz bir girişimde bulunulmadı. kanıtlamak bazı genel hususlar ve ilkelere göre seviyelere bölünür. İkinci zayıflık, birincisinden kaynaklanır ve hiçbir seviyeye göre bölünmenin, eserin öğelerinin tüm zenginliğini kapsamaması, hatta kompozisyonu hakkında kapsamlı bir fikir vermemesi gerçeğinden oluşur. Son olarak, seviyelerin temelde eşit olarak düşünülmesi gerekir - aksi takdirde yapılandırma ilkesinin kendisi anlamını kaybeder - ve bu, bir sanat eserinin öğelerini gerçek bir bütünlük içinde birbirine bağlayan bazı özlerin anlaşılmasının kolayca kaybolmasına yol açar; seviyeler ve elementler arasındaki bağlantılar gerçekte olduğundan daha zayıftır. Burada, "düzey" yaklaşımının, işin bir dizi bileşeninin kalitesindeki temel farkı çok zayıf bir şekilde hesaba kattığı gerçeğine de dikkat etmeliyiz: örneğin, açıkça, bir sanatsal fikir ve bir sanatsal ayrıntının bir fenomen olduğu açıktır. temelde farklı doğa.

Bir sanat eserinin yapısına yönelik ikinci yaklaşım, içerik ve biçim gibi genel kategorileri birincil bölümü olarak alır. En eksiksiz ve mantıklı biçimde, bu yaklaşım G.N.'nin eserlerinde sunulmaktadır. Pospelov. Bu metodolojik eğilimin yukarıda tartışılandan çok daha az dezavantajı vardır, çalışmanın gerçek yapısı ile çok daha uyumludur ve felsefe ve metodoloji açısından çok daha haklıdır.

Sanatsal bütünde içerik ve biçim tahsisinin felsefi doğrulanmasıyla başlayacağız. Hegel'in sisteminde mükemmel bir şekilde geliştirilen içerik ve biçim kategorileri, diyalektiğin önemli kategorileri haline geldi ve çok çeşitli karmaşık nesnelerin analizinde tekrar tekrar başarıyla kullanıldı. Bu kategorilerin estetik ve edebi eleştiride kullanımı da uzun ve verimli bir gelenek oluşturur. Bu nedenle, hiçbir şey bizi, kendilerini çok iyi kanıtlamış felsefi kavramları bir edebi eserin analizine uygulamaktan alıkoyamaz; dahası, metodoloji açısından bakıldığında, bu yalnızca mantıklı ve doğal olacaktır. Ancak, bir sanat eserini, içindeki içerik ve biçim tahsisi ile bölmeye başlamak için özel nedenler de vardır. Bir sanat eseri, doğal bir fenomen değil, kültürel bir fenomendir, yani var olmak ve algılanmak için kesinlikle bir maddi cisimleşme, bir sistem içinde var olmanın bir yolunu edinmesi gereken manevi bir ilkeye dayandığı anlamına gelir. maddi işaretler. Dolayısıyla bir eserde biçim ve içeriğin sınırlarını tanımlamanın doğallığı: manevi ilke içeriktir ve maddi düzenlemesi biçimdir.

Bir edebî eserin muhtevasını, onun özü, manevî varlığı, biçimi ise bu muhtevanın bir varoluş yolu olarak tanımlayabiliriz. Başka bir deyişle içerik, yazarın dünya hakkındaki "ifadesi", belirli gerçeklik fenomenlerine belirli bir duygusal ve zihinsel tepkidir. Form, bu reaksiyonun ifade, düzenleme bulduğu araçlar ve yöntemler sistemidir. Biraz sadeleştirerek, içeriğin ne olduğunu söyleyebiliriz. ne yazar çalışmasıyla ve formuyla dedi ki - nasıl o yaptı.

Bir sanat eserinin biçiminin iki ana işlevi vardır. Birincisi sanatsal bütün içinde gerçekleştirilir, bu nedenle içsel olarak adlandırılabilir: içeriği ifade etmenin bir işlevidir. İkinci işlev, eserin okuyucu üzerindeki etkisinde bulunur, bu nedenle dış (işle ilgili olarak) olarak adlandırılabilir. Bir sanat eserinin estetik niteliklerinin taşıyıcısı olarak hareket eden form olduğu için formun okuyucu üzerinde estetik bir etkiye sahip olması gerçeğinden oluşur. İçeriğin kendisi katı, estetik anlamda güzel veya çirkin olamaz - bunlar yalnızca biçim düzeyinde ortaya çıkan özelliklerdir.

Biçimin işlevleri hakkında söylenenlerden, bir sanat yapıtı için çok önemli olan uzlaşım sorununun içerik ve biçim açısından farklı şekilde çözüldüğü açıktır. İlk bölümde genel olarak bir sanat eserinin birincil gerçekliğe kıyasla bir uzlaşım olduğunu söylediysek, o zaman bu uzlaşımın ölçüsü biçim ve içerik bakımından farklıdır. Bir sanat eseri içinde içerik koşulsuzdur, onunla ilgili olarak “neden var?” Sorusunu sormak imkansızdır. Birincil gerçekliğin fenomenleri gibi, sanatsal dünyada içerik, hiçbir koşul olmaksızın, değişmez bir veri olarak var olur. Hiçbir şeyin kastedilmediği koşullu bir fantezi, keyfi bir işaret de olamaz; tam anlamıyla içerik icat edilemez - doğrudan işe birincil gerçeklikten (insanların sosyal varlığından veya yazarın bilincinden) gelir. Aksine, form keyfi olarak fantastik ve koşullu olarak mantıksız olabilir, çünkü formun koşulluluğu ile bir şey kastedilmektedir; "bir şey için" var - içeriği somutlaştırmak için. Yani, Shchedrin'in Foolov şehri, yazarın saf fantezisinin bir yaratımıdır, koşulludur, çünkü gerçekte hiç var olmamıştır, ancak "Bir Şehrin Tarihi" nin teması haline gelen ve şehir imajında ​​somutlaşan otokratik Rusya. Foolov, bir kongre ya da kurgu değildir.

İçerik ve biçim arasındaki uzlaşım derecesindeki farkın, bir yapıtın şu ya da bu belirli öğesini biçime ya da içeriğe atfetmek için açık ölçütler verdiğini kendimize belirtelim - bu açıklama bizim için bir kereden fazla yararlı olacaktır.

Modern bilim, içeriğin biçim üzerindeki önceliğinden yola çıkar. Bir sanat eseriyle ilgili olarak, bu, yaratıcı bir süreç için geçerlidir (yazar, belirsiz, ancak zaten var olan bir içerik de olsa uygun formu arar, ancak hiçbir durumda bunun tersi olmaz - önce “hazır” bir içerik yaratmaz. - yapılmış form” ve sonra içine bir miktar içerik döker) ve bu şekilde çalışma için (içeriğin özellikleri, formun özelliklerini belirler ve bize açıklar, ancak tersi değil). Bununla birlikte, belli bir anlamda, yani algılayan bilinçle ilgili olarak, birincil olan biçim ve ikincil olan içeriktir. Duyusal algı her zaman duygusal tepkinin önünde olduğundan ve dahası, konunun rasyonel kavranışı, ayrıca, onlar için temel ve temel görevi gördüğünden, önce çalışmadaki biçimini ve ancak o zaman ve ancak onun aracılığıyla algılarız - karşılık gelen sanatsal içerik.

Bu arada, buradan, bir yapıtın analizinin - içerikten biçime ya da tam tersi - hareketinin temel bir önemi olmadığı sonucu çıkar. Herhangi bir yaklaşımın gerekçeleri vardır: ilki - içeriğin biçime göre tanımlayıcı doğasında, ikincisi - okuyucunun algı yasalarında. Bu A.S. Bushmin: “Hiç de gerekli değil ... yalnızca içeriğin biçimi belirlediği düşüncesiyle yönlendirilen ve bunun için başka, daha spesifik nedenleri olmayan bir araştırmaya içerikten başlamak. Bu arada, okul öğretiminde, ders kitaplarında ve bilimsel edebi eserlerde yaygınlaşan, herkes için zoraki, sahte, sıkıcı bir şemaya dönüşen bir sanat eserinin bu değerlendirme dizisiydi. Edebi teorinin doğru genel konumunun, eserlerin somut incelenmesinin metodolojisine dogmatik olarak aktarılması, donuk bir modele yol açar. Buna karşıt örüntünün elbette daha iyi olmayacağını da ekleyelim - analize her zaman formdan başlamak zorunludur. Burada her şey bağlıdır özel durum ve özel görevler.

Tüm söylenenlerden, bir sanat yapıtında hem biçim hem de içeriğin eşit derecede önemli olduğu açık bir sonuçtur. Edebiyatın ve edebiyat eleştirisinin gelişim tecrübesi de bu durumu kanıtlamaktadır. İçeriğin anlamını küçümsemek ya da tamamen görmezden gelmek edebi eleştiride biçimciliğe, anlamsız soyut yapılara, unutulmaya yol açar. kamusal doğa sanat ve sanatsal pratikte bu tür bir kavramın rehberliğinde estetizme ve elitizme dönüşür. Bununla birlikte, sanat formunun ikincil ve özünde isteğe bağlı bir şey olarak ihmal edilmesinin daha az olumsuz sonuçları yoktur. Böyle bir yaklaşım, eseri bir sanat fenomeni olarak gerçekten yok eder, bizi ideolojik ve estetik fenomeni değil, sadece şu veya bu ideolojik fenomeni görmeye zorlar. Sanatta biçimin büyük önemini hesaba katmak istemeyen yaratıcı uygulamada, düz örnekleme, ilkellik, “doğru”nun yaratılması, ancak “ilgili”, ancak sanatsal olarak keşfedilmemiş bir konu hakkında duygusal olarak deneyimlenmemiş beyanlar kaçınılmaz olarak ortaya çıkar.

Çalışmadaki biçim ve içeriği vurgulayarak, böylece onu karmaşık bir şekilde organize edilmiş herhangi bir başka bütüne benzetiyoruz. Ancak bir sanat eserinde biçim ve içerik ilişkisinin kendine has özellikleri vardır. Nelerden oluştuğunu görelim.

Her şeyden önce, içerik ve biçim arasındaki ilişkinin mekansal bir ilişki değil, yapısal bir ilişki olduğunu kesin olarak anlamak gerekir. Form, fındık çekirdeğini açmak için çıkarılabilen bir kabuk değildir - içerik. Bir sanat eseri alırsak, "parmakla işaret etmek" için güçsüz olacağız: işte biçim, ama içerik. Mekansal olarak birleştirilmiş ve ayırt edilemezler; bu birlik edebi metnin herhangi bir “noktasında” hissedilebilir ve gösterilebilir. Örneğin, Dostoyevski'nin Karamazov Kardeşler romanından, Alyoşa'nın Ivan tarafından çocuğu köpeklerle yemleyen toprak sahibiyle ne yapacağını sorduğunda, "Vur!" yanıtını verdiği bölümü alalım. Bu ne "vuruş!" içerik mi biçim mi Elbette ikisi de birlik içinde, kaynaşma içinde. Bir yandan konuşmanın bir parçası, işin sözlü biçimi; Alyoşa'nın sözleri, eserin kompozisyon biçiminde belli bir yer tutar. Bunlar resmi noktalar. Öte yandan bu "çekim", kahramanın karakterinin bir bileşeni, yani eserin tematik temelidir; replika, karakterlerin ve yazarın ahlaki ve felsefi arayışlarının dönüşlerinden birini ifade eder ve elbette, işin ideolojik ve duygusal dünyasının önemli bir yönüdür - bunlar anlamlı anlar. Yani tek kelimeyle, temelde uzamsal bileşenlere bölünemez, içerik ve biçimi birliklerinde gördük. Durum, sanat eserinin bütünü ile benzerdir.

Dikkat edilmesi gereken ikinci şey, sanatsal bütünde biçim ve içerik arasındaki özel bağlantıdır. Yu.N.'ye göre. Tynyanov'a göre, "şarap ve cam" (biçim olarak cam, içerik olarak şarap) ilişkilerinden, yani serbest uyumluluk ve eşit derecede serbest ayrılık ilişkilerinden farklı olarak, sanatsal biçim ile sanatsal içerik arasında ilişkiler kurulur. Bir sanat yapıtında içerik, somutlaştırıldığı belirli biçime kayıtsız değildir ve bunun tersi de geçerlidir. Şarap, bardağa, bardağa, tabağa vs. döksek de şarap olarak kalacaktır; içerik biçime kayıtsız. Aynı şekilde, şarap bulunan bir bardağa süt, su, gazyağı dökülebilir - form, onu dolduran içeriğe “kayıtsızdır”. Bir sanat eserinde öyle değil. Orada, biçimsel ve maddi ilkeler arasındaki bağlantı, en yüksek derece. Belki de en iyisi, bu kendini şu düzenlilikte gösterir: görünüşte küçük ve özel bile olsa, formdaki herhangi bir değişiklik kaçınılmazdır ve hemen içerikte bir değişikliğe yol açar. Örneğin, şiirsel vezin gibi biçimsel bir öğenin içeriğini bulmaya çalışan nazımcılar bir deney yaptılar: “Eugene Onegin”in ilk bölümünün ilk satırlarını iambikten koreye “dönüştürdüler”. Bu ortaya çıktı:

En dürüst kuralların amcası,

Şaka gibi hasta değildi,

kendime saygı duymamı sağladı

Daha iyisini düşünemezdim.

Gördüğümüz gibi anlamsal anlam pratik olarak aynı kaldı, değişiklikler sadece formu ilgilendiriyor gibiydi. Ancak içeriğin en önemli bileşenlerinden birinin değiştiği çıplak gözle görülebilir - duygusal ton, pasajın havası. Destansı-anlatıdan, oyuncu-yüzeysel hale geldi. Ve tüm "Eugene Onegin" in korede yazıldığını hayal edersek? Ancak böyle bir şeyi hayal etmek imkansızdır, çünkü bu durumda iş basitçe yok edilir.

Tabii ki, form üzerinde böyle bir deney benzersiz bir durumdur. Bununla birlikte, bir eseri incelerken, genellikle, bunun tamamen farkında olmadan, formun yapısını doğrudan değiştirmeden, ancak özelliklerinden birini veya birkaçını dikkate almadan benzer "deneyler" yaparız. Bu nedenle, Gogol'ün "Ölü Canlar"ında esas olarak Chichikov'u, toprak sahiplerini ve bürokrasinin ve köylülüğün "bireysel temsilcilerini" inceleyerek, şiirin "nüfusunun" onda birini inceliyoruz, bu "küçük" kahramanların kitlesini görmezden geliyoruz. , Gogol'da sadece ikincil değil , ancak Chichikov veya Manilov ile aynı ölçüde onun için ilginç. Böyle bir “biçim deneyinin” bir sonucu olarak, esere, yani içeriğine ilişkin anlayışımız önemli ölçüde çarpıtılmıştır: sonuçta Gogol, bireylerin tarihiyle değil, ulusal yaşam biçimiyle ilgileniyordu. bir “görüntü galerisi” değil, bir dünya görüntüsü, bir “yaşam biçimi” yarattı.

Aynı türden başka bir örnek. Çehov'un "Gelin" hikayesinin incelenmesinde, bu hikayeyi koşulsuz iyimser, hatta "ilkbahar ve cesur" olarak kabul etmek için oldukça güçlü bir gelenek gelişti. V.B. Bu yorumu analiz eden Kataev, "sonuna kadar okumaya" dayandığını belirtiyor - hikayenin son cümlesi bütünüyle dikkate alınmadı: "Nadya ... neşeli, mutlu, şehri terk etti, çünkü düşündüm, sonsuza kadar." “Bunun “düşündüğüm gibi” yorumu, V.B. Kataev, - Çehov'un çalışmalarına araştırma yaklaşımlarındaki farkı çok net bir şekilde ortaya koyuyor. Bazı araştırmacılar "Gelin" kelimesinin anlamını yorumlayarak bu giriş cümlesini yokmuş gibi değerlendirmeyi tercih etmektedirler.

Bu, yukarıda tartışılan “bilinçsiz deney”dir. Formun yapısı “biraz” bozuk - ve içerik alanındaki sonuçların gelmesi uzun sürmüyor. Çehov'un çalışmalarında "koşulsuz iyimserlik", bravura "kavram var. son yıllar gerçekte ise "gerçekten iyimser umutlar ile Çehov'un hakkında pek çok acı gerçeği bildiği ve anlattığı insanların dürtülerine ilişkin ölçülü bir ayıklık arasındaki hassas bir dengeyi" temsil ediyor.

İçerik-biçim ilişkisinde, bir sanat yapıtındaki biçim-içerik yapısında belli bir ilke, bir düzenlilik ortaya çıkar. Bu düzenliliğin kendine özgü doğası hakkında ayrıntılı olarak “Bir sanat eserinin kapsamlı değerlendirmesi” bölümünde konuşacağız.

Bu arada sadece bir metodolojik kurala dikkat çekiyoruz: Bir eserin içeriğinin doğru ve eksiksiz bir şekilde anlaşılması için, en küçük özelliklerine kadar mümkün olduğu kadar şekline dikkat etmek kesinlikle gereklidir. Bir sanat eseri biçiminde, içeriğe kayıtsız kalan "küçük şeyler" yoktur; Ünlü bir ifadeye göre “sanat “biraz”ın başladığı yerde başlar.

Bir sanat eserinde içerik ve biçim arasındaki ilişkinin özgüllüğü, tek bir sanatsal bütünün bu yanlarının ayrılmazlığını, kaynaşmasını yansıtmak için özel olarak tasarlanmış özel bir terimin ortaya çıkmasına neden olmuştur - "anlamlı biçim" terimi. Bu kavramın en az iki yönü vardır. Ontolojik yön, boş bir formun veya biçimlenmemiş içeriğin varlığının imkansızlığını onaylar; mantıkta bu tür kavramlara bağıntılı denir: birini aynı anda diğerini düşünmeden düşünemeyiz. Biraz basitleştirilmiş bir benzetme, "sağ" ve "sol" kavramları arasındaki ilişki olabilir - eğer biri varsa, o zaman diğeri kaçınılmaz olarak var olur. Ancak sanat yapıtları için “tözsel biçim” kavramının bir başka aksiyolojik (değerlendirici) yönü daha önemli görünmektedir: Bu durumda, biçimin içeriğe düzenli olarak karşılık gelmesini kastediyoruz.

G.D.'nin çalışmasında çok derin ve birçok yönden verimli bir anlamlı biçim kavramı geliştirildi. Gacheva ve V.V. Kozhinov "Edebi biçimlerin çelişkililiği". Yazarlara göre, “herhangi bir sanatsal biçim “…” sertleştirilmiş, nesnelleştirilmiş bir sanatsal içerikten başka bir şey değildir. Şimdi "tamamen biçimsel" olarak algıladığımız bir edebi eserin herhangi bir özelliği, herhangi bir öğesi bir zamanlar direkt olarak anlamlı." Formun bu içeriği asla kaybolmaz, okuyucu tarafından gerçekten algılanır: “çalışmaya dönersek, bir şekilde kendimize emeriz” biçimsel unsurların içeriğini, tabiri caizse “birincil içeriği”. “Bu bir içerik meselesi, belli bir algı, ve hiç de formun anlamsız, anlamsız nesnelliği hakkında değil. Formun en yüzeysel özellikleri, forma dönüşen özel bir içerikten başka bir şey değildir.

Ancak şu veya bu biçimsel öğe ne kadar anlamlı olursa olsun, içerik ve biçim arasındaki bağ ne kadar yakın olursa olsun bu bağ özdeşliğe dönüşmez. İçerik ve biçim aynı değildir, farklıdır, sanatsal bütünün tarafının soyutlanması ve analizi sürecinde seçilirler. Farklı görevleri, farklı işlevleri, farklı, gördüğümüz gibi, geleneksellik dereceleri vardır; aralarında belirli bir ilişki vardır. Bu nedenle, biçimsel ve içerik öğelerini karıştırmak ve bir araya getirmek için anlamlı biçim kavramının yanı sıra biçim ve içerik birliği tezini kullanmak kabul edilemez. Tam tersine, formun gerçek içeriği bize ancak bir sanat eserinin bu iki yönü arasındaki temel farklılıklar yeterince fark edildiğinde ve sonuç olarak bunlar arasında belirli ilişkiler ve düzenli etkileşimler kurmak mümkün olduğunda ortaya çıkar.

Bir sanat yapıtındaki biçim ve içerik sorunundan bahsetmişken, en azından içinde dokunmamak mümkün değildir. genel anlamda modern edebiyat biliminde aktif olarak var olan bir başka kavram. Hakkında"iç biçim" kavramı hakkında. Bu terim, gerçekten, bir sanat eserinin "daha yüksek düzeydeki öğelere göre bir biçim (ideolojik içeriği ifade eden bir biçim olarak bir görüntü) ve içerik olan bu tür öğelerin içeriği ve biçimi "arasında" varlığını ima eder. daha düşük bir seviye ile ilgili olarak. ayakta seviyeler yapı (kompozisyonun içeriği olarak görüntü ve konuşma formu)". Sanatsal bütünün yapısına böyle bir yaklaşım şüpheli görünüyor, çünkü esas olarak, eserdeki maddi ve manevi ilkeler olarak sırasıyla biçim ve içerik olarak orijinal bölünmenin netliğini ve titizliğini ihlal ediyor. Sanatsal bütünün bazı öğeleri aynı anda hem anlamlı hem de biçimsel olabiliyorsa, bu, içerik ve biçim ikiliğini ortadan kaldırır ve önemli olan, sanatın öğeleri arasındaki yapısal ilişkilerin daha fazla çözümlenmesinde ve anlaşılmasında önemli zorluklar yaratır. sanatsal bütün. Şüphesiz A.S.'nin itirazlarını dinlemek gerekir. Bushmin, "iç biçim" kategorisine karşı; “Biçim ve içerik son derece genel bağıntılı kategorilerdir. Bu nedenle, iki biçim kavramının tanıtılması, sırasıyla iki içerik kavramını gerektirecektir. Benzer kategorilerin iki çiftinin mevcudiyeti, sırayla, materyalist diyalektikte kategorilerin tabi kılınması yasasına göre, birleştirici, üçüncü, türsel bir biçim ve içerik kavramı oluşturma ihtiyacını beraberinde getirecektir. Kısacası, kategorilerin belirlenmesinde terminolojik tekrarlama, mantıksal karışıklıktan başka bir şey vermez. ve genel tanımlar harici ve iç, formun mekansal farklılaşması olasılığına izin vererek, ikincisi fikrini kabalaştırın.

Dolayısıyla, verimli, bize göre, sanatsal bütünün yapısında biçim ve içeriğin açık bir karşıtlığıdır. Başka bir şey de, bu yönleri mekanik olarak kabaca parçalama tehlikesine karşı derhal uyarmak gerektiğidir. Biçim ve içeriğin birbirine dokunuyormuş gibi göründüğü böyle sanatsal öğeler vardır ve hem temel kimliksizliği hem de biçimsel ve içerik ilkeleri arasındaki en yakın ilişkiyi anlamak için çok ince yöntemlere ve çok yakın gözlemlere ihtiyaç vardır. Sanatsal bütündeki bu tür “noktaların” analizi kuşkusuz en zor olanıdır, ancak aynı zamanda hem teori açısından hem de belirli bir çalışmanın pratik incelemesi açısından en büyük ilgidir.

? TEST SORULARI:

1. Bir eserin yapısını bilmek neden gereklidir?

2. Bir sanat eserinin biçimi ve içeriği nedir (tanımlar veriniz)?

3. İçerik ve biçim nasıl ilişkilidir?

4. "İçerik ve biçim arasındaki ilişki uzamsal değil, yapısaldır" - bunu nasıl anlıyorsunuz?

5. Biçim ve içerik arasındaki ilişki nedir? "Öznel biçim" nedir?